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MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (45) : HISTOIRES DE FILLES (1841-1901)

MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (45) 

HISTOIRES DE FILLES
(1841-1901)

« On connaît le boulevard des Filles-du-Calvaire,
mais on ne connaît pas assez
le calvaire des filles du boulevard »
Henri Monnier

On prétend souvent qu’il s’agit du plus vieux métier du monde. Ce qu’il y a de sûr, c’est qu’il figure très précocement dans la littérature mondiale, dans les textes de l’Égypte antique ou les comédies gréco-latines (Plaute, Térence y recoururent fréquemment). Objet de mépris ou de pitié, de fantasmes, de désirs et de passion, et même parfois d’amour vrai, la prostituée est loin de présenter un visage unique sous la plume des écrivains : femme fatale et vénale, innocente forcée et souillée, libertine par goût et choix, elle peut présenter aussi bien un aspect moral rebutant de garce ou le portrait d’une quasi sainte. Avec le XVIIIe siècle, la prostituée avait même gagné le rang des premiers rôles littéraires, donnant leur nom à des romans demeurés célèbres : Clarissa Harlowe, Fanny Hill, Manon Lescaut ouvrirent la voie des grandes courtisanes littéraires.

Abbé Antoine-François Prévost, « Aventures du chevalier des Grieux et de Manon Lescaut », Londres, Chez les frères Constant, à l’Enseigne de l’Inconstance, 1734, quatrième édition, deuxième séparée. Inv. 605

Mais nous centrerons notre propos sur la seconde moitié du XIXe siècle français, riche en œuvres évoquant, avec une crudité souvent inédite, le sort des filles publiques dans toute sa variété, de la misère sordide de la tapineuse des rues au luxe tapageur de la demi-mondaine. La plupart de auteurs concernés connaissaient à titre personnel, par une pratique des plus assidues, le monde des maisons closes et des filles de joie : un Maupassant, un Louÿs, mais aussi un Musset ou un Huysmans dans ses jeunes années y avaient leurs habitudes de débauche, virant parfois à la franche érotomanie. Même les plus sages Goncourt ou le pieux Bloy « fréquentaient » régulièrement. Ecrivant à son amie Louise Colet, Flaubert n’écrivait-il pas : « Il se trouve, en cette idée de la prostitution, un point d’intersection si complexe, amertume, néant des rapports humains, frénésie du muscle et sonnement d’or, qu’en y regardant au fond le vertige vient, et on apprend là tant de choses » : à celui qui ne s’est jamais réveillé un matin sur le sein de « femmes perdues », dans « un lit sans nom », « il manque quelque chose »… A travers une série d’éditions originales, d’envois autographes et de documents manuscrits inédits, tentons un parcours à travers ces soixante ans de littérature marqué par les troubles plaisirs de chair tarifés, en nous arrêtant aux portes du XXe siècle[1].

I. Musset et Gavarni : au commencement étaient les grisettes et les lorettes

Si l’on se réfère à la définition de la prostitution, « avoir des relations sexuelles avec des partenaires différents, dans un but lucratif »[2], on s’aperçoit vite que, dans le contexte de la société du XIXe siècle, ce terme peut recouvrir un vaste ensemble de pratiques. La motivation est certes toujours la même et provient de la nécessité de survivre, mais les manifestations sont multiples. Durant la période romantique, de nombreuses publications mirent en scène les péripéties, parfois comiques, parfois dramatiques, de jeunes filles et jeunes femmes devenues des « types » littéraires : les « grisettes » et les « lorettes ». Définissons tout d’abord ces deux termes, passablement vieillis aujourd’hui.

Tirant son nom d’un tissu de cotonnade grisâtre, la « grisette » désignait une jeune fille pauvre exerçant un métier urbain (mais non servile) à faible revenu : ouvrière de confection, dentelière, bouquetière, employée de commerce et de boutique, etc. Balzac la définissait ainsi : « Sous le titre de Grisette, nous nous permettons de comprendre indifféremment couturières, modistes, fleuristes ou lingères, enfin tous ces gentils minois en cheveux, chapeaux, bonnets, tabliers à poches, et situés en magasins ». Quoiqu’il en soit, le terme était toujours empreint d’une connotation sexuelle, car, pour assurer leur subsistance, ces jeunes femmes, souvent coquettes, choisissaient un amant, un protecteur, qui pouvait certes être un bourgeois fortuné et d’âge mûr, mais aussi, assez souvent, un étudiant provincial de bonne famille (ce qui est plus plaisant). La grisette jouait ainsi souvent, auprès de l’étudiant qui l’entretenait, un rôle de concubine, dans le cadre de relations sincères, mais bientôt brisées par la pression sociale : ses études achevées, le jeune gandin repartait pour sa province, devenant magistrat et médecin. Tel fut le sort réservé à la Fantine des Misérables de Hugo, prélude à sa déchéance vers la plus noire prostitution.

Stimulant l’imagination des écrivains, la grisette excitait aussi les crayons des dessinateurs qui se plurent à croquer leur silhouette élégante. L’un des plus talentueux de son temps se nommait Gavarni (1804-1886), de son vrai nom Sulpice-Guillaume Chevalier. Ami des Goncourt (lesquels lui consacrèrent même une épaisse biographie, qui connut deux éditions[3]), ce talentueux et moqueur caricaturiste participa à de nombreux périodiques (La Mode, L’Artiste, mais aussi le quotidien politique satirique Le Charivari), ainsi qu’à des publications illustrées demeurées célèbres, comme Les Français peints par eux-mêmes (aux côtés de Grandville). Ses propres recueils de dessins connurent un grand succès et bien des pages y mettent en scène les grisettes, présentées avec une forme de tendresse dans des planches aux légendes souvent humoristiques.

Gavarni, « Album pittoresque composé de trente-huit jolies caricatures… », Paris, Chez tous les Librairies et les Marchands de Musique, 1849. Inv. 1696

En 1849, il fit paraître, disponible « chez tous les Librairies et les Marchands de Musique », un Album pittoresque réunissant trente-huit jolis dessins satiriques gravés par Grena, Breviere, Porret, Bareste, Beaubol ou Brugnot. On y retrouve certains des sujets favoris du grand dessinateur : « Les Enfants terribles », « Les Actrices », « Les Lorettes », « Traductions en langage vulgaire », « Fourberies de Femmes », « Clichy », « Paris le soir »…

  

Parmi ses productions suivantes dans la même veine, relevons ses Masques et visages, sortis en 1857. Ce recueil de maximes ou petites scènes, toutes illustrées de dessins comiques (interprétés en réduction par Godefroy-Durand), semble avoir connu sa première édition sous le format petit in-8°, en XXIV-220-[3] pp. L’édition ci-dessous, de collation différente, présente le même contenu, y compris le très intéressant « Catalogue de l’œuvre de Gavarni » (pp. 219-245), véritable inventaire bibliographique de l’auteur et dessinateur. Là encore, lorettes, grisettes et autres papillons de nuit et de jour sont très représentés.

Gavarni, « Masques et visages », Paris, Paulin et Lechevalier, 1857, seconde édition, dans l’année de l’originale, couverture. Inv. 1388
Gavarni, « Masques et visages », Paris, Paulin et Lechevalier, 1857, seconde édition, dans l’année de l’originale, « Les Partageuses ». Inv. 1388
Gavarni, « Masques et visages », Paris, Paulin et Lechevalier, 1857, seconde édition, dans l’année de l’originale, « Les Partageuses ». Inv. 1388
Gavarni, « Masques et visages », Paris, Paulin et Lechevalier, 1857, seconde édition, dans l’année de l’originale, « Les Partageuses ». Inv. 1388
Gavarni, « Masques et visages », Paris, Paulin et Lechevalier, 1857, seconde édition, dans l’année de l’originale, « Les Partageuses ». Inv. 1388
Gavarni, « Masques et visages », Paris, Paulin et Lechevalier, 1857, seconde édition, dans l’année de l’originale, « Les Partageuses ». Inv. 1388
Gavarni, « Masques et visages », Paris, Paulin et Lechevalier, 1857, seconde édition, dans l’année de l’originale, « Les Lorettes vieillies ». Inv. 1388

 Parmi les plus célèbres ouvrages illustrés par Gavarni se trouve le recueil collectif intitulé Le Diable à Paris. Publiés par Jules Hetzel en 1845-1846, les deux épais tomes comprenaient des nouvelles signées par les meilleurs auteurs du temps et accompagnées de pas moins de 208 planches hors-texte par Gavarni (notamment son frontispice mélodramatique représentant « Satan foulant du pied le plan de Paris »), 4 par Bertall, et 737 vignettes dans le texte (la plupart de Bertall, les autres de Champin, d’Aubigny, Français, Bertrand, Henry Monnier, Decamps, Devéria, Gérard Séguin et Châtillon).

Collectif, « Le Diable à Paris – Paris et les Parisiens : mœurs et coutumes », caractères et portraits …, Paris, Hetzel, 1845-1846, édition originale, frontispice et page de titre du tome I. Inv. 1192

Le fil conducteur de cet ouvrage génial conçu par Hetzel est qu’un diable paresseux doit rendre compte de la vie à Paris et trouve dans un tiroir les articles dont il a besoin : Balzac est présent avec « Physiologie du mariage » et « Petites misères de la vie conjugale » en une série de dix courts chapitres ; George Sand livre de courageux articles truffés de revendications politiques, comme « Les Mères de Famille dans le beau monde » ; Gérard de Nerval donne une curieuse « Histoire véridique du Canard », aux côtés de textes par Charles Nodier, Jules Janin, Stendhal, Théophile Gautier et de Hetzel lui-même (sous le pseudonyme de P.-J. Stahl). Parmi les textes les plus importants figure enfin une longue nouvelle d’Alfred de Musset : « Mademoiselle Mimi Pinson ».

Alfred de Musset, « Mademoiselle Mimi Pison », dans collectif, « Le Diable à Paris… », Paris, Hetzel, 1845, tome I, édition originale. Inv. 1192

La brève histoire est assez caractéristique des nouvelles de Musset. Deux étudiants en médecine, Eugène et Marcel, sont amis en dépit de leur différence de caractère : le premier est un bûcheur, le second un noceur. Emmené malgré lui dans ces soirées de bohème, le sérieux Eugène rencontre une grisette nommée Mimi Pinson, une jeune couturière qui chante comme un oiseau durant les fêtes. Ouvrant une lettre qu’il est censé poster, Eugène découvre que Mimi, à bout de ressources, a demandé l’aumône à un vieux baron. En secret, l’étudiant va subvenir aux besoins de son amie, empruntant même de l’argent à un usurier. Un jour, il découvre la robe de Mimi dans la devanture de ce prêteur sur gages et croise la jeune fille vêtue d’un simple jupon et d’un vieux rideau en guise de châle : elle avait cédé son seul vêtement pour aider une amie malade. Eugène et Marcel rachètent la robe, mais trouvent le soir venu Mimi et son amie riant aux éclats à la terrasse du café Tortoni, dans une insouciance qui terrifie le prudent Eugène.

Alfred de Musset, « Mademoiselle Mimi Pison », dans collectif, « Le Diable à Paris… », Paris, Hetzel, 1845, tome I, édition originale : la célèbre « Chanson de Mimi Pinson ». Inv. 1192
Alfred de Musset, « Mademoiselle Mimi Pison », dans collectif, « Le Diable à Paris… », Paris, Hetzel, 1845, tome I, édition originale : fin de la nouvelle. Inv. 1192

Fort goûtée dès sa publication, l’historiette connut sa première édition séparée en 1853, toujours chez Hetzel. Le petit volume était enrichi de textes dans la même veine : « Conseils à une Parisienne », « Marie », « Rappelle toi » et « Adieu, Suzon ». Le personnage créé par Musset devint rapidement emblématique des « grisettes » parisiennes de cette époque et connut une belle postérité (en partie grâce à la populaire « Chanson de Mimi Pinson » présente dans le texte) : La Cocarde de Mimi Pinson, opérette en trois actes, en 1915 ; un film éponyme par Robert Darène en 1958 ; des nombreuses citations dans la chanson contemporaine (Brassens, Ferré, …).

Alfred de Musset, « Mademoiselle Mimi Pinson. Profil de grisette… », Paris, collection Hetzel, Blanchard, 1853, première édition séparée, page de titre. Inv. 706
Alfred de Musset, « Mademoiselle Mimi Pinson. Profil de grisette… », Paris, collection Hetzel, Blanchard, 1853, première édition séparée, incipit, avec gravure ajoutée. Inv. 706

Bien différentes étaient les « lorettes ». Le terme venait de l’église Notre-Dame-de-Lorette, située près du quartier de la Nouvelle Athènes (actuel 9e arrondissement de Paris), tout juste édifié dans les années 1820-1830. Ces logements élégants, mais dont la salubrité était encore à juger, se virent occupés par des jeunes femmes entretenues, placées là par leurs riches protecteurs. Comme devait le définir Balzac (encore lui) en 1844 dans Un homme d’affaires, « “lorette” est un mot décent inventé pour exprimer l’état d’une fille ou la fille d’un état difficile à nommer, et que, dans sa pudeur, l’Académie française a négligé de définir, vu l’âge de ses quarante membres ». Dumas père, de son côté, surenchérissait à cette même époque : « de charmants petits êtres propres, élégants, coquets, qu’on ne pouvait classer dans aucun des genres connus : ce n’était ni le genre fille, ni le genre grisette, ni le genre courtisane. Ce n’était pas non plus le genre bourgeois. C’était encore moins le genre femme honnête. Bref, de jolis petits êtres, sylphes lutins ou démons ».

Maurice Alhoy, « Physiologie de la lorette », Paris, Aubert et Cie, Lavigne, s.d. [1841], édition originale, page de titre. Inv. 2727
Maurice Alhoy, « Physiologie de la lorette », Paris, Aubert et Cie, Lavigne, s.d. [1841], édition originale, pp. 10-11. Inv. 2727
Maurice Alhoy, « Physiologie de la lorette », Paris, Aubert et Cie, Lavigne, s.d. [1841], édition originale, pp. 16-17. Inv. 2727

A la différence de leurs consœurs grisettes, les lorettes se reposaient donc entièrement sur leurs amis, que l’on surnommait les « Alberts ». Avec cette volonté de classification typologique propre à l’époque, on en vint à faire des essais (humoristiques) sur ce groupe social si particulier. Le principal d’entre-eux demeure la Physiologie de la lorette du journaliste et dramaturge Maurice Alhoy (1802-1856)[4], parue en 1841 avec des illustrations de l’incontournable Gavarni.

II. Dumas fils, ou le concept de la « putain au grand cœur »

Peu après la Révolution de Février qui chassa Louis-Philippe du trône, Alexandre Dumas fils (1824-1895) faisait paraître un roman inspiré par sa liaison avec la courtisane Marie Duplessis, morte l’année précédente. Cette pauvre servante passée maîtresse d’un riche commerçant avait fini par devenir, à seize ans à peine, la demi-mondaine la plus convoitée et coûteuse de Paris. Intelligente (elle apprit en peu de temps à lire, écrire, jouer du piano, tout en tenant une conversation stylée sur n’importe quel sujet), elle fut la maîtresse de l’écrivain de septembre 1844 à août 1845[5], avant d’épouser un authentique comte et de mourir minée par la phtisie à l’âge de vingt-trois ans seulement, ruinée et abandonnée de tous[6].

Alexandre Dumas fils, « La Dame aux camélias », Paris, Michel Lévy frères, 1855, première édition illustrée, couverture. Inv. 1616.

De son amour malheureux pour la belle Marie, le fils Dumas tira son plus célèbre roman : La Dame aux camélias. Comme dans la réalité, l’héroïne, Marguerite Gautier, est une demi-mondaine atteinte de tuberculose. Courtisane renommée, elle a gagné son surnom en portant à sa poirtrine des camélias de différentes couleurs, les blancs la proclamant libre pour ses amants. Un jeune bourgeois, Armand Duval, tombe amoureux de la jeune et belle reine de ce monde éphémère de la noce et obtient d’elle le renoncement à cette vie tapageuse, au profit d’une retraite campagnarde non loin de Paris. Mais le père du jeune homme parvint à éloigner Marguerite de son amant, en mettant en avant les fiançailles prochaines de la sœur du jeune homme : la liaison d’Armand avec une courtisane pourrait faire échouer ce mariage. Marguerite décide de se sacrifier, sans rien dire à son ami, persuadée qu’elle est revenue à son vie de débauche. Il n’apprendra la vérité qu’au moment de la mort de la courtisane dans la solitude et le dénuement.

Alexandre Dumas fils, « La Dame aux camélias », Paris, Michel Lévy frères, 1855, première édition illustrée, incipit. Inv. 1616.

L’œuvre a connu de nombreuses adaptations et déclinaisons, au théâtre (par Dumas fils lui-même en 1852), à l’opéra (avec la célèbre Traviata de Verdi en 1853), au ballet, au cinéma (pas moins de 21 adaptations plus ou moins fidèles ou libres entre 1907 et 2001) et à la télévision. Le rôle-titre de Marguerite a été tenu par les plus grandes actrices, de Sarah Bernhardt à Isabelle Adjani et Isabelle Huppert, en passant par Greta Garbo. Les éditions, bien entendu, ont été toutes aussi nombreuses. L’édition originale en deux tomes in-8°, parue chez Alexandre Cadot, est en général considérée comme l’ouvrage romantique le plus rare et le plus difficile à trouver[7]. Comme les deux éditions suivantes, les premières in-12 (Cadot, 1851 et Michel Lévy, 1852) sont à peine plus courantes, j’ai donc dû me contenter d’une édition populaire publiée par Michel Lévy en 1855 : elle semble à vrai dire fort peu commune elle aussi, puisqu’elle est demeurée inconnue de la bibliographie de référence sur le sujet[8]. Cette publication in-4° de 90 pages faisait partie de la collection « Musée contemporain », une série de textes à 20 centimes la parution. Imprimé sur deux colonnes, l’opuscule est illustré d’un charmant bois de Gérard employé à la fois sur la couverture rose et en page 1 : cela fait sans doute de cette publication la première édition illustrée de La Dame aux camélias, avant même l’édition ornée de vingt gravures par l’incontournable Gavarni, parue en 1858 chez Havard.

III. Murger, Baudelaire et les compagnes de la vie de Bohème

Les milieux interlopes réunissant étudiants, citadins dévoyés, artistes et catins méritaient leur peintre, leur chroniqueur et leur ethnologue : ce fut le fils d’un concierge et d’une ouvrière, il avait pour nom Henry Murger (1822-1861). Avec ses amis du « Groupe des Buveurs d’Eau » (faute d’argent pour se payer autre chose), il fréquentait cette faune du Quartier Latin qu’on appelait la Bohème, comme la définit Balzac (encore lui) en 1844 dans Un Prince de Bohème : « Ce mot de Bohème vous dit tout. La Bohème n’a rien et vit de tout ce qu’elle a. L’espérance est sa religion, la foi en soi-même est son code, la charité passe pour être son budget. Tous ces jeunes gens sont plus grands que leur malheur, au-dessous de la fortune mais au-dessus du destin ».

Photographie d’Henry Mürger par Nadar, 1857. Cliché WikiCommons

Devenu un temps secrétaire d’un certain comte Tolstoï, journaliste par-ci par-là, Henry se disait malheureux de l’évolution de la prostitution courante et portait un regard éclairé sur la question, déplorant la disparition des sympathiques « grisettes » du Quartier Latin au profit des « lorettes » pour rupins : « Peu à peu, ils sont parvenus à leur inoculer leur vanité et leur sottise, et c’est alors que la grisette a disparu. C’est alors que naquit la lorette. Race hybride, créatures impertinentes, beautés médiocres, demi-chair, demi-onguents, dont le boudoir est un comptoir où elles débitent des morceaux de leur cœur, comme on ferait des tranches de rosbif. La plupart de ces filles, qui déshonorent le plaisir et sont la honte de la galanterie moderne, n’ont point toujours l’intelligence des bêtes dont elles portent les plumes sur leurs chapeaux »[9]. Ce ressentiment s’expliquait notamment par l’abstinence à laquelle était condamné le pauvre Murger, qui possédait un solide appétit charnel, à en croire les Goncourt : « C’est merveilleux, la maladie utérine de Murger pour la femme, le besoin qu’il éprouve de se frotter à une de ses peaux, de coucher sa muse érotico-lymphatique dans le giron d’une salope. Ne trouvant personne pour aller au bordel, il s’enfuit au foyer des Variétés. C’est étonnant comme cette intelligence n’est faite pour aucun des plaisirs sérieux de l’intelligence, ni les goûte ni les sent et est dépaysée dans une conversation un peu haute, comme une convive de goguette dans un dîner diplomatique »[10].

Henry Murger, « La Vie de Bohème », Paris, Michel Lévy, 1851, édition originale, page de titre. Inv. 2625

Des filles « légères » et des grisettes, il s’en rencontre pas mal dans les principales œuvres de Murger, la plus connue étant bien entendu les Scènes de la Bohème parues chez Michel Lévy en 1851 (le livre ne gagnera son titre définitif de Scènes de la vie de bohème qu’en 1852, dans la troisième édition revue et corrigée). Figurant l’auteur lui-même et ses amis de bamboche sous des pseudonymes, le roman est en réalité constitué de nouvelles indépendantes d’abord parues indépendamment en feuilleton entre 1845 et 1849, avant que Murger n’en tire la matière d’une pièce à succès en 1849 pour le Théâtre des Variétés et ne finisse par les regrouper en un volume romanesque. L’œuvre demeura un symbole de la vie intellectuelle parisienne du XIXe siècle et provoqua là encore des adaptations lyriques, avec le célébrissime La Bohème de Puccini en 1896 et un second opéra de même titre par Ruggero Leoncavallo l’année suivante.

Annotations de Hippolyte de Villemessant sur l’ode à Henry Murger, dans Théodore de Banville, « Odelettes », Paris, Michel Lévy, 1856, édition originale. Inv. 1749

Quoiqu’un peu plus guindé, le poète Théodore de Banville, l’un des maîtres du futur mouvement parnassien, était un ami proche de Murger qu’il salua en lui dédiant en 1856 la première pièce de son recueil Odelettes. Le poème en question parlait bien entendu d’une jeune femme, synthèse de tous les grands archétypes féminins, tenant à la fois des éthérées Ophélie et Juliette, mais aussi des plus terrestres Mimi et Giselle. Banville avait offert un des premiers exemplaires à son « patron », l’homme de presse Hippolyte de Villemessant (1810-1879), tout-puissant directeur du Figaro entre 1854 et 1875. Souhaitant annoncer la sortie du livre dans les colonnes du journal, Villemessant en détacha (au sens propre : les feuilles ont été découpés) le poème dédié à Murger pour le transmettre aux protes avec un petit texte d’accompagnement de sa main : « Nous détachons du frais recueil de poésies que vient de publier chez M. Lévy notre collaborateur et ami T. de Banville cette charmante poësie adressée à Henry Murger ». Cette annonce ne semble toutefois pas être passée, même si Le Figaro se fit l’écho dans plusieurs numéros de la sortie des Odelettes.

Théodore de Banville, « Odelettes », Paris, Michel Lévy, 1856, édition originale, avec envoi à Hippolyte de Villemessant. Inv. 1749

Décidément attaché au principe de la « grisette », libre amoureuse certes, mais indépendante et travailleuse, Murger en mit une en scène dans son roman Les Vacances de Camille – Scènes de la vie réelle. Avant de sa publication en volume, le roman avait paru en feuilleton dans la Revue des Deux-Mondes. C’est au directeur-gérant du périodique, Victor de Mars (1817-1866)[11], que s’adressa Murger, alors en pleine écriture, pour le rassurer sur le respect des délais de livraison du texte :

Henry Murger, Lettre autographe signée à Victor de Mars, S.l.n.d. [Paris, 1857]. Inv. 2635

Mon cher Monsieur de Mars, voici mon travail de cette nuit. Je vais dormir quelques heures, – et je pourrai ainsi m’y remettre dans la journée, de manière à vous en envoyer encore à six heures ce soir, avec les épreuves cette fois. Je crois que cela redevient bon, – entre nous, il était temps. –  Vous voyez que tout est préparé, pour arriver au dénouement dont je vous ai parlé, – XXX de la faiblesse de Léon – son oubli dans le cœur de Camille ; qui sans rien prévoir – rendra logique XXX probable un nouvel amour – que Théodore veut fuir selon son système, – et parce qu’il croit à Camille des goûts de paresse […] Celui-ci, se met à travailler pour ne pas avoir besoin de l’argent de Léon. Elle finit par trouver dans ce travail une distraction, une douceur. La voyant laborieuse, Théodore jette son thermomètre par la fenêtre, et se met en colère au risque de perdre la raison, ça peut finir par un petit tableau frais d’amour jeune […]

L’héroïne était une cousette amoureuse d’un jeune homme nommé Théodore Landry, entre étudiant et artiste, qui réglait ses relations intimes selon un « thermomètre moral » dont la consultation le faisait régulièrement quitter ses éphémères compagnes. Il en sera ainsi pour Camille, jusqu’à un retour en grâce finale plutôt « fleur bleue ». Le volume parut finalement chez Michel Lévy en 1857. Cet exemplaire fut offert par Murger à l’écrivain, dramaturge et futur académicien Camille Doucet (1812-1895)[12], qui devait apporter un peu d’argent public tard venu pour le romancier alors à l’agonie et qui représenta le ministre d’Etat Alexandre Walewski lors des funérailles de Murger[13]….

Henry Murger, « Les Vacances de Camille », Paris, Michel Lévy, 1857, édition originale, exemplaire de Camille Doucet avec envoi autographe. Inv. 2728

Murger partait du principe qu’on sortait de la bohème, période de jeunesse qui n’a qu’un temps, de deux manières seulement : par la réussite (sociale) ou par la mort. Alors que la reconnaissance lui venait et semblait lui permettre une sortie par le premier moyen (il reçut ainsi la Légion d’honneur en 1858), Murger n’eut finalement guère le choix et mourut à trente-huit ans, « d’une maladie où l’on pourrit tout vivant, gangrène sénile compliquée de charbon, quelque chose d’horrible où l’on tombe en morceaux. En voulant lui couper les moustaches, l’autre jour, la lèvre est venue avec les poils. Ricord dit qu’en lui coupant les deux jambes, on le prolongerait peut-être huit jours »[14]. Peu après sa disparition en janvier 1861 parut son second recueil de vers, Les Nuits d’hiver[15].

Henry Murger, « Les Nuits d’hiver, poésies complètes », Paris, Charpentier, 1861, édition originale posthume, couverture. Inv. 1706

On y trouve un effrayant poème, « Courtisane », mettant en scène non plus la sympathique grisette ou la pomponnée lorette, mais la prostituée des rues :

Henry Murger, « Les Nuits d’hiver, poésies complètes », Paris, Charpentier, 1861, édition originale posthume, poème « Courtisane », p. 165. Inv. 1706
Henry Murger, « Les Nuits d’hiver, poésies complètes », Paris, Charpentier, 1861, édition originale posthume, poème « Courtisane », pp. 166-167. Inv. 1706

En ces mêmes années où Hugo invente le parcours terrible de sa Fantine (Les Misérables paraissent en 1862), la prostituée littéraire semble connaître une déchéance qui révèle au grand jour le côté pathétique et sordide de la plupart de ces prétendues « filles de joie ». L’esthète Baudelaire lui-même l’évoqua sans fard dès 1857 dans un poème terrible des Fleurs du Mal, intitulé « Le Crépuscule du soir » :

Baudelaire, « Les Fleurs du Mal », Paris, Poulet-Malassis et De Broisse, 1857, édition originale, couverture. Inv. 1550

A travers les lueurs que tourmente le vent
La Prostitution s’allume dans les rues
Comme une fourmilière elle ouvre ses issues
Partout elle se fraye un occulte chemin
Ainsi que l’ennemi qui tente un coup de main
Elle remue au sein de la cité de fange
Comme un ver qui dérobe à l’homme ce qu’il mange…

Baudelaire, « Les Fleurs du Mal », Paris, Poulet-Malassis et De Broisse, 1857, édition originale, pp. 156-157. Inv. 1550

IV. Les « salauderies » des Goncourt

Pour curieux qu’ait été le fonctionnement de leur couple gémellaire, les frères Edmond et Jules de Goncourt partagèrent un même « odi et amo », « j’aime et je hais », pour la gente féminine, souvent objet de leurs études historiques[16], sans même parler de leurs passions et pulsions. Quoiqu’aussi cérébral en définitif que son frère, Jules, le cadet, était sans doute des deux le plus sensuel, mais il était souvent partageur, le Journal (alors rédigé en commun) notant ainsi d’une grisette : « Elle fait comme le public ; elle accepte notre collaboration »…

Jules de Goncourt, fragment autographe d’un texte érotique (s.d., vers 1865 ?), une page et demie. Inv. 1444

C’est de la main de Jules et d’Edmond, dans les années 1860, que fut rédigé ce fragment de texte érotique inédit, des passages de « salauderies », pour reprendre le mot des deux frères, à la fois amateurs et fustigateurs de salaceries. Le feuillet, qui passa ensuite dans les archives d’Alidor Delzant (1848-1905, disciple et ami des Goncourt, par ailleurs leur premier biographe), comporte une quarantaine de lignes autographes. A quoi devaient servir ces notes fort crues ? A un roman ou plutôt au Journal ? En tout état de cause, il ne semble pas que ces passages aient été repris, même retravaillés. Le fragment débute avec une scène saphique :

Putain entrant chez une autre femme pour tribades avec elle. Passant du massage, et lui soufflant de la poudre de riz sur tout le corps avec son haleine et puis y allant, un joli et très long passage du massage à la cochonnerie. […] Gamahuchage en fourchette, en largeur, langue aigue. La tribaderie à trois. Trois occupées d’une, l’une lui faisant les pieds, l’autre les tétons, l’autre les oreilles.

Puis intervient une autre scène de prostitution lesbienne :

Un horrible pederaste amant de Laferrière vient procurer à Suzanne une petite fille folle d’elle. […] Cette fille arrive, tout honteuse, rechignée et grelottante, la figure toute rouge d’être lavée avec du savon […] Comment dit Aldesenne ! voila comment tu restes avec une grande artiste qui te fait l’honneur de venir – J’ose pas, dit la petite en mettant la tete dans ses epaules avec une bouderie de pauvre honteux et d’enfant. – Eh ! bien t’es joliment élevée – Est-ce que je vous fais peur, mon enfant. – Elle lui prend la main, la petite vient tout d’une pièce. – Comment voulez-vous que je vous le fasse ? – Mettez-vous t’y sur le lit ?

Cet épisode-là semble bien être tiré d’une scène vue ou entendue, puisque les personnages évoqués sont en partie réels : « Laferrière » est sans doute identifiable à l’acteur Adolphe Laferrière (1806-1877, une des têtes d’affiche de la Gaîté et du Théâtre-Historique, avant de passer au Théâtre de l’Odéon en 1855), tandis que « Suzanne » renvoie probablement à la comédienne Suzanne Lagier (1833-1893), la « grosse Lagier », dont le Journal des Goncourt énuméra pendant des années, avec une complaisance à la fois outrée et fascinée, les pratiques et frasques sexuelles. Notons enfin diverses notes éparses, mais de même veine, avant cet aphorisme conclusif parlant avec élégance « des femmes qui ont la paupière couleur trou du cul » (s’agissait-il de la belle et envoûtante Jeanne de Tourbey, évoquée dans Mélanges (43) : Le journal retrouvé d’un suicidé ?).

Sa fréquentation des maisons closes, Jules devait finalement la payer au prix fort : il contracta dès 1850 la syphilis qui devait l’emporter vingt ans plus tard, âgé de seulement trente-neuf ans. Edmond en conserva pour toujours une aversion pour le sexe féminin, bien visible dans plusieurs de ses romans (dans Les Frères Zemmgano, paru en 1879, on voit par exemple une écuyère de cirque séduire et briser un acrobate travaillant de concert avec son frère : les échos autobiographiques sont frappants).

Edmond et Jules de Goncourt, « La Lorette… », Paris, Charpentier, 1883, troisième édition, un des cinquante exemplaires de dédicace, couverture. Inv. 1423

Dès 1853, alors que la mode était encore aux « physiologies », les deux frères avaient livré leur propre analyse des demi-mondaines en écrivant La Lorette. Il s’agissait au départ d’une série d’articles parue dans la revue Paris.  En ethnologues de la société et de la femme légère, les Goncourt décrivaient la « lorette » avec tous ses charmes et tous ses défauts : sans être moralisateurs, mais avec un détachement clinique parfois cruel, ces misogynes convaincus la dépeignaient comme une sorte d’animal capricieux, frivole et bête. Mais, pour être honnêtes, ils n’étaient pas beaucoup plus tendres avec leurs protecteurs, vieux messieurs ou jeunes ambitieux, ceux qu’on surnommait les « Arthurs » et que les Goncourt préféraient appeler les « lorets ». Ces textes alertes, au ton corrosif et sans concession, furent réunis en un volume paru pour la première fois chez Dentu en 1853 : le succès fut immédiat et, selon Alidor Delzant (ami intime, disciple et exécuteur testamentaire de Goncourt), on en vendit plus de 6’000 exemplaires en quelques jours, avec nécessité d’une seconde édition dans la foulée, identique à la première.

Edmond et Jules de Goncourt, « La Lorette… », Paris, Charpentier, 1883, troisième édition, un des cinquante exemplaires de dédicace, frontispice et page de titre. Inv. 1423

Il fallut ensuite attendre trente ans pour qu’une nouvelle édition voit le jour, cette fois chez Charpentier. Goncourt et son éditeur avaient veillé à fournir un volume charmant : le texte se présentait encadré d’un élégant filet rouge ; le frontispice était un dessin de Gavarni (encore et toujours !) gravé sur cuivre par Jules de Goncourt lui-même. Quant au tirage, destiné à un public de bibliophiles, il était réduit à 450 exemplaires publics (dont 50 Whatman et 400 Hollande), auxquels s’ajoutaient 50 exemplaires de dédicace sur Hollande (sur Whatman selon le catalogue Uzanne), se distinguant par une mention imprimée « Exemplaire offert à M. …. », au verso du faux-titre.

Edmond et Jules de Goncourt, « La Lorette… », Paris, Charpentier, 1883, troisième édition, un des cinquante exemplaires de dédicace, envoi autographe à Octave Uzanne. Inv. 1423

Appartenant à ces cinquante exemplaires de dédicace, le présent exemplaire fut offert par Edmond de Goncourt à un littérateur haut en couleurs : Octave Uzanne (1851-1931)[17]. Ce fin et érudit bibliophile était également un grand amateur de femmes : comme devait se le rappeler Rémy de Gourmont, « le livre et la femme, telles furent les premières amours d’Uzanne, et je ne crois pas qu’il les ait reniées, car sa bibliothèque est toujours riche en livres précieux et rares, et le premier ouvrage qu’il ait voulu retoucher et rééditer pour le grand public, c’est précisément une monographie de la Parisienne »[18]. S’il ne dédaignait pas les aventures avec des femmes « honnêtes », ce célibataire invétéré (il rédigea d’ailleurs un Paroissien du célibataire) connaissait bien le monde des lupanars de la ville, qu’il fréquentait assidûment. D’où ce jugement acide d’Edmond de Goncourt sur son compte l’année même où il lui offrait cet exemplaire de La Lorette : « Uzanne, cet homme qui a une goutte de sperme extravasée dans l’œil »[19]… En dépit de ce cadeau, la relation entre les deux hommes de lettres demeura toujours assez froide (comme le montre d’ailleurs le côté « service minimum » de la dédicace), d’autant qu’Octave Uzanne, à cette époque, empiétait sur les plates-bandes d’Edmond de Goncourt en s’intéressant au XVIIIe siècle et aux historiettes croustillantes qui s’y rapportaient. On a pu de ce fait présenter Uzanne comme « un disciple un peu cochon des Goncourt »[20] !

Avant même la mort de Jules, les deux frères avaient envisagé un roman terrible consacré à une prostituée meurtrière : le projet devait finalement voir le jour en 1877 sous le titre La Fille Elisa. Pour connaître la réalité du monde carcéral féminin, ils avaient visité la prison pour femmes de Clermont-d’Oise, une expérience qui les marqua profondément, au point que, dans la préface à son roman, Edmond devait plaider en faveur d’une réforme pénitentiaire. L’histoire, de fait, est terrible. Fâchée avec sa mère, la jeune Elisa entre dans une maison close, où elle finit par rencontrer, au fil des clients, un soldat qui lui témoigne affection et respect. Séduite, elle se met à rêver à un amour vrai, « avec des baisers innocents ». Mais son ami tente finalement de la violer et, en se défendant, elle le tue. Condamnée à la prison à vie, soumise à la cruelle obligation de silence, elle revit chaque jour le drame et finit par mourir folle.

Edmond de Goncourt, « La Fille Elisa », Paris, Charpentier, 1877, édition originale, couverture. Inv. 379

Effrayé par le scandale récent autour du roman Marthe de Huysmans (lequel mettait aussi en scène un destin de prostituée, comme nous le verrons plus loin), Edmond supprima au dernier moment les passages estimés les plus choquants de son livre. Il attendit dans l’angoisse la sortie du livre, craignant à tout moment l’interdiction, la saisie, le tribunal, le scandale. Finalement, avec toutes ces précautions, l’œuvre put paraître, mais n’en fut pas moins éreintée par la presse et les critiques. Elle obtint en revanche un très rapide succès public : sorti en librairie le 21 mars 1877, le volume fut en quelques jours écoulé à 10’000 exemplaires, du jamais vu pour un livre de Goncourt ! Parmi les exemplaires de l’édition originale envoyés comme service de presse, l’auteur en avait réservé un pour le poète Théodore de Banville, avec un bel envoi de la part de « son vieil ami »[21]. De fait, les liens étaient anciens, puisque les deux frères avaient rencontré le poète au début de 1853, le décrivant ainsi parmi les journalistes de la revue Paris : « Banville, avec sa face glabre, sa voix de fausset, ses fins paradoxes, ses humoristiques silhouettes des gens ». En 1860, les Goncourt le connurent assez pour en faire le personnage de Boisroger dans leur roman à clef Les Hommes de lettres. Mais c’est surtout au moment de la disparition de son frère bien aimé en 1870 qu’Edmond put estimer l’amitié de Banville en leur égard, à travers un éloge funèbre très ému.

Edmond de Goncourt, « La Fille Elisa », Paris, Charpentier, 1877, édition originale, exemplaire de Théodore de Banville, avec envoi autographe. Inv. 1229

En ce printemps 1877, alors que la plupart des critiques éreintaient La Fille Elisa, Banville accueillit fort bien le roman et écrivit même une lettre enthousiaste à Goncourt, deux jours seulement après avoir reçu le livre : « J’ai reçu La Fille Elisa hier assez tard ; je viens de la finir, et je suis absolument enchanté. La beauté et la pureté de la conception, la puissance du style qui sait tout décrire, tout peindre, tout exprimer, même l’invisible et l’immatériel, la sincérité complète font de ce livre une merveille, où les moindres détails ont une originalité délicieuse, car le sous-préfet de la fin est un Gavarni ! Je ne sais ce que les théâtres nous réservent cette semaine, mais s’il ne me reste qu’une ligne, elle sera pour vous ; et, si incomplètement que ce soit, je dirai de La Fille Elisa quand je devrais l’écrire en travers sur quelque Lettre de Bucharest ! En attendant, je vous félicite de tout mon cœur et je suis votre dévoué Théodore de Banville ». La promesse fut rapidement tenue : dès le 3 avril, dans son « Feuilleton dramatique » paraissant dans le journal Le National, Banville donna en effet une critique dithyrambique annonçant que « le grand événement littéraire de ce moment est la publication du roman de M. Edmond de Goncourt, intitulé La Fille Elisa ». Il louait notamment « avec quelle simplicité et quelle grandeur tragique se termine ce livre, qui est comme une protestation et comme un cri de révolte de la conscience humaine ». A ses yeux, ce roman n’était « pas seulement une œuvre d’art, mais une revendication »[22].

La réponse de Goncourt à cet article semble être demeurée inédite. Cette lettre fut rédigée le 5 avril et exprime en termes touchants la gratitude du romancier pour le critique et l’ami (ce fut sans doute le point culminant de l’amitié entre les deux hommes qui devait se refroidir à partir des années 1880, sans toutefois jamais disparaître[23]) :

Edmond de Goncourt, lettre autographe signée à Théodore de Banville, S.l. [Paris], 5 avril 1877. Inv. 1422

5 avril 77. Mon cher ami, je vous remercie bien vivement de votre brave et courageux article. Car il y a vraiment du courage à parler de mon pauvre bouquin et de ma lugubre demoiselle. Tudieu, quelle pudibonderie chez mes confrères ! Et la pudeur elle-même du Tintamarre qui dans sa révolte demande ma tête. C’est drôle, n’est-ce pas ? Enfin si les petits camarades ne me font pas poursuivre, ce ne sera pas de leur fait. Et je vous remercie encore de la forme amicalement paratonnerre donnée à votre charmante et bienveillante analyse de la Fille Elisa. Dans toutes les occasions de ma vie, où j’ai eu besoin d’un secours de cœur, je vous ai trouvé là, mon cher ami, et de cela, je vous reste et resterai éternellement reconnaissant. Tout à vous, Edmond de Goncourt. Mes amitiés à Mme de Banville qui m’a laissé sous le coup de sa haute esthétique culinaire

V. Les tapineuses au naturel : Huysmans et Zola

Quelques mois seulement avant la parution de La Fille Elisa de Goncourt, par un de ces hasards littéraires, était paru un autre ouvrage tout entier consacré à une fille de joie, œuvre signée par un auteur encore débutant : Joris-Karl Huysmans. Celui qui devait devenir l’un des piliers du mouvement naturaliste naissant était alors un fort gai luron, s’ « affalant dans les boxons » de France et de Belgique pour y pratiquer toutes sortes d’expériences « bordéliques »[24], pour reprendre son terme (il devait quelques années plus tard connaître un chemin de rédemption, après sa conversion et son retour vers le catholicisme : voir Mélanges (8) : Huysmans et Stock dans le stress des dernières épreuves). Après avoir livré en 1874 une première publication (un recueil de poèmes en prose, intitulé Le Drageoir aux épices), Huysmans s’attaqua au genre romanesque avec Marthe, histoire d’une fille. Comme l’énonce explicitement le titre, le livre mettait en scène la vie et les déboires d’une jeune Parisienne pauvre, contrainte par une société cupide et sans scrupules à tomber dans la prostitution pour survivre. Cette flamboyante rousse, avec sa bouche couleur groseille et sa « prestance de déesse des barrières » couve en elle « une appétence de bien-être et d’éclat » et le souvenir effrayant des jours de misère, dont ne garantit pas le travail honnête. Aussi tombe-t-elle dans cet « odieux métier […] qui vous jette, de huit heures du soir à trois heures du matin, sur un divan […], qui vous force à vous étendre près d’un affreux ivrogne, à le subir, à le contenter ». Tirée de son quotidien sordide, elle pourrait atteindre le salut, et même l’amour, mais tout ira de mal en pis et, recherchée par la police, retombera dans ses anciennes pratiques, préférant d’un protecteur à l’autre : plutôt « les avoir tous qu’en endurer un seul »…

Joris-Karl Huysmans, « Marthe – Histoire d’une fille », Bruxelles, Jean Gay, 1876, édition originale, page de titre. Inv. 2669

Huysmans savait bien que son récit rondement et crûment mené pouvait lui valoir quelques problèmes avec la censure. Aussi, comme il le raconta ensuite à Goncourt, s’était-il adressé aux services compétents pour proposer « de faire mettre des cartons [des pages à texte retouché] », mais il lui fut répondu : « C’est inutile, le sujet même est suffisant pour justifier la saisie du livre »… Fort de cet avertissement, l’apprenti romancier jugea plus prudent d’aller se faire voir chez les Belges, où s’imprimaient, depuis la Restauration, tous les livres frappés d’interdit (ou susceptibles de l’être) en France, pour raison de politique ou d’indécence. C’est finalement à ses frais que le roman parut à Bruxelles en 1876, chez le renommé éditeur Jean Gay (1837-1883), spécialiste des publications jugées « cochonnes »[25]. L’édition originale connut un tout petit tirage de tête sur Hollande (le nombre précis d’exemplaires demeure inconnu : « à petit nombre », comme l’on dit pudiquement dans ces cas-là).

Joris-Karl Huysmans, « Marthe – Histoire d’une fille », Paris, Derveaux, 1879, deuxième édition, couverture. Inv. 2719

La réception du roman dans les milieux littéraires fut affable. Goncourt, qui achevait à ce moment-là, sa Fille Elisa reçut son exemplaire (il l’évoqua dans son journal le 30 octobre 1876), de même que Zola qui, après lecture, affirmait que Huysmans serait « sûrement un de nos romanciers de demain ». La censure ayant laissé passer La Fille Elisa, Huysmans put réfléchir à donner en France une nouvelle édition de son roman. Il fallut quand même attendre trois ans, mais ce fut finalement chose faite en 1879 chez Derveaux. Si le texte n’avait pas connu d’évolution, cette deuxième édition comporte en revanche un très beau frontispice : une célèbre eau-forte de Forain représentant l’héroïne (ce qui rend le volume aussi recherchée que l’édition originale). Le présent exemplaire provient de l’avocat et homme politique versaillais André Damien (1930-2019)[26].

Joris-Karl Huysmans, « Marthe – Histoire d’une fille », Paris, Derveaux, 1879, deuxième édition, frontispice et page de titre. Inv. 2719

En ces années 1870-1880, la « fille de joie » était décidément au centre des préoccupations et des créations littéraires, « véritable icône de la modernité naturaliste alors en pleine effervescence ». Peu après Marthe et La Fille Elisa, ce fut au tour d’Emile Zola de faire paraître en 1880 son propre roman sur la prostitution : Nana. Neuvième roman de la série Les Rougon-Macquart et présenté comme une suite de L’Assommoir paru trois ans plus tôt, Nana traite du thème de la prostitution féminine à travers le parcours d’une « lorette » devenue « cocotte » et dont les charmes affolent les plus hauts dignitaires du Second Empire.

Emile Zola, « Nana », Paris, Charpentier, 1880, édition originale, couverture. Inv. 423

L’histoire commence en 1867, peu avant la deuxième exposition universelle, et dépeint deux catégories sociales vivant en symbiose : celle des courtisanes et celle des noceurs, leurs clients. Le personnage de Nana fut inspiré à Zola par Blanche d’Antigny mais le romancier empruntait également certains traits ou anecdotes à d’autres grandes « cocotes », comme Anna Deslions ou Cora Pearl. D’abord publié en feuilleton dans Le Voltaire du 16 octobre 1879 au 5 février 1880, puis en volume chez Charpentier le 14 février 1880 (avec un tirage de tête de 5 Chine et 375 Hollande), le roman connut un grand succès, précédé par une réputation de scandale : 55’000 exemplaires de l’édition Charpentier furent vendus dès le premier jour de sa publication !

VI. Maupassant et ses filles de joie patriotiques

S’il est bien un auteur dont l’œuvre fut nourrie par le monde de la prostitution, c’est bien Guy de Maupassant (1850-1893), qui, comme Jules de Goncourt, paya de sa vie son mode de vie. Contes, nouvelles, romans, pièces de théâtre, poèmes, chroniques, récits de voyage : dans toute l’œuvre du Normand, les filles de joie sont de loin les personnages féminins les plus représentes[27]. « Les prostituées de Maupassant, agents d’un monde renversé ou les valeurs sont bouleversées, ont de grandes vertus – bonnes mères, pieuses et patriotes -, tandis que les bourgeoises les imitent et se livrent à la prostitution clandestine, conjugale ou familiale. La représentation du monde marginal des filles publiques sert surtout de repoussoir pour ridiculiser les bourgeois. La prostitution n’est plus limitée aux bas-fonds mais atteint tous les milieux. […] Personnage ambivalent et ambigu, la fille est le reflet des angoisses fin de siècle et des fantasmes de son créateur »[28]. Cette profusion fait que nous centrerons le propos sur trois des textes les plus significatifs de Maupassant, en privilégiant des figures de prostituées patriotes.

Le premier est bien entendu Boule de Suif, la nouvelle qui révéla l’auteur débutant en 1880, lorsqu’il parut au sein du recueil collectif Les Soirées de Médan. « Un chef d’œuvre », avait jugé le maître et ami Flaubert. L’histoire met donc en scène cette figure de la prostituée patriote et/ou au grand cœur. Durant la guerre franco-prusienne de 1870-1871, en Normandie, dix voyageurs empruntent la diligence de Dieppe pour fuir Rouen envahie. Parmi figure une fille de joie, Élisabeth Rousset, surnommée « Boule de Suif » en raison de son embonpoint. Généreuse, cette dernière partage ses provisions avec les bourgeois, nobles, marchands, religieuses qui composent ses compagnons de voyage : un résumé de la société de l’époque. Au relais de poste, ils tombent sur des troupes prussiennes, dont l’officier exige que « Boule de Suif » lui cède, si la diligence veut repartir. Patriote, celle-ci refuse et est soutenue par ses compagnons. Mais au fil des jours, leur opinion évolue et tous pressent la jeune femme de céder pour le bénéfice de tous. Une fois la chose advenue, ils n’auront plus que mépris et rejet pour elle, lui refusant même le secours de la nourriture dont ils se sont tous pourvus…

Guy de Maupassant, « Boule de Suif », Paris, Louis Connard, 1908, édition en partie originale, portrait-frontispice de Maupassant par Jeanniot et page de titre. Inv. 2551

Après sa première parution en 1880, le texte ne fut pas réédité du vivant de Maupassant. Il fallut attendre 1897 pour que paraisse la première édition séparée de la nouvelle, chez Armand Magnier, un ouvrage de qualité et à nombre limité (300 exemplaires), illustré de 58 compositions de François Thévenot gravées sur bois par A. Romagnol. Le présent volume appartient lui à la deuxième édition collective des œuvres de Maupassant, donnée par l’éditeur Louis Connard entre 1908 et 1910, tirée sur les presses de l’Imprimerie nationale. Le tirage de tête fut de 100 exemplaires seulement (60 Japon ancien, 20 Japon impérial et 20 Chine). Cette édition complète, en partie originale, était augmentée de notes, de lettres, mais surtout de 35 nouvelles encore inédites, écrites de 1881 à 1892. L’apport inédit de ce volume Boule de Suif consiste donc en plusieurs textes : correspondance de Maupassant ; un récit « Les Soirées de Médan » ; plusieurs nouvelles : « La Main d’écorché », « Le Donneur d’eau bénie », « Coco, coco, coco frais ! » et « Le Mariage du lieutenant Laré » ; enfin, des variantes du manuscrit.

Guy de Maupassant, « La Maison Tellier », Paris, Victor Havard, 1881, édition originale, couverture. Inv. 846

Un an après Les Soirées de Médan, Maupassant fit paraître chez Victor Havard un recueil de nouvelles[29] baptisé du titre de la première de la série : La Maison Tellier. Ce récit est sans doute le texte le plus célèbre de l’auteur avec Boule de suif et Les Contes de la bécasse. Maupassant écrivait d’ailleurs à sa mère : « C’est au moins égal à Boule de Suif, sinon supérieur ». L’histoire se déroule encore en Normandie, mais dans des circonstances bien moins tragiques, puisque tout le drame consiste en la fermeture temporaire, « pour cause de première communion », de la maison close d’une petite ville, tenue par Madame Tellier. Faisant toutes le déplacement avec leur patronne, les « pensionnaires » sont émues par sa jeune nièce communiante, Constance : leur recueillement durant la cérémonie les fera passer pour de saintes femmes au sein de l’église. Joseph Rivet, le frère de Mme Tellier, donne une fête pour ces élégantes visiteuses, mais, le vin aidant, révélera par son attitude la réelle nature de ces dames… Le tirage de tête de cette édition ne fut constitué que de deux exemplaires sur Chine et vingt-cinq sur Hollande, mais, d’une manière générale, le volume est peu commun et « très recherché, même sur papier courant »[30]. Une édition augmentée de trois nouvelles fut ensuite le jour chez Ollendorff en 1891.

Guy de Maupassant, « La Maison Tellier », Paris, Victor Havard, 1881, édition originale, incipit. Inv. 846

L’année suivant, le 23 mars 1882, le journal Gil Blas publie une nouvelle qui donnera bientôt son nom à un nouveau recueil de nouvelles : Mademoiselle Fifi. Maupassant y reprend les thèmes de la guerre et de la prostitution. Brutal, méprisant, arrogant, le sous-lieutenant et marquis Wilhem d’Eyrik, officier des troupes d’occupation prussiennes, est pourtant « un tout petit blondin fier et brutal avec les hommes ». Son aspect physique et son affection pour l’expression de mépris « fi » l’ont fait surnommer par ses camarades « Mademoiselle Fifi ».

Guy de Maupassant, « Mademoiselle Fifi », Paris, Louis Connard, 1908, édition en partie originale, page de titre. Inv. 2545
Guy de Maupassant, « Mademoiselle Fifi », Paris, Louis Connard, 1908, édition en partie originale, incipit. Inv. 2545

Occupant le château d’Uville en Normandie, ils font venir des filles de joie des environs pour rompre l’ennui de ce cantonnement. Parmi ces jeunes femmes se trouve Rachel, prostituée juive. Maltraitée par Fifi et ne supportant par ailleurs pas les insultes de l’officier contre la France, elle finit par lui enfoncer un couteau dans la gorge, mais parvient à se sauver pour épouser, quelque temps après, un patriote de bonne famille. Membre d’une classe réprouvée de la société, Rachel va donc toucher la récompense de son courage et de son action contre l’ennemi. Elle n’est d’ailleurs pas sans rappeler la figure biblique de Judith qui accepta, pour sauver les siens, de coucher avec Holopherne, mais en profita pour le décapiter dans son sommeil. La présente édition appartient aux œuvres complètes données par Louis Connard, elle contient une nouvelle en première édition, « M. Jocaste ».

VII. Pierre Louÿs, ou l’hétaïre antique

Véritable Dom Juan en proie à une addiction sexuelle, l’écrivain Pierre Louÿs (1870-1925) avait tenu dans sa jeunesse un catalogue minutieux de ses relations charnelles, sous forme de fiches personnelles et de comptes-rendus d’ébats, le tout illustré de photographies de ses conquêtes, qu’il s’agisse de professionnelles ou non[31]. Deux ans après la parution de ses importantes Chansons de Bilitis (qui chantaient l’amour lesbien en traduisant soi-disant les vers d’une poétesse grecque antique), l’érudit homme de lettres livra en 1896 son premier roman, intitulé Aphrodite, aux Éditions du Mercure de France. Pour la première fois, l’une de ses œuvres paraissait à grand tirage (toutes ses précédentes publications avaient fait l’objet d’un tirage réduit, voire confidentiel).

Pierre Louÿs, « Aphrodite – Mœurs antiques », Paris, Mercure de France, 1896, édition originale, exemplaire d’Edmond de Goncourt avec envoi, couverture. Inv. 1930

L’histoire mettait en scène une prostituée, plus exactement une grande courtisane, mais de l’Antiquité. La belle Chrysis est en effet l’hétaïre la plus convoitée de l’opulente et décadente Alexandrie, sous le règne des Ptolémées. Son chemin croise celui d’un artiste, le sculpteur Démétrios, dont la beauté le fait désirer par toutes les femmes de la ville. Mais la courtisane refuse tout d’abord ses avances, l’obligeant à commettre pour elle un certain nombre de vols en échange de ses faveurs : le miroir d’argent d’une rivale, le peigne d’ivoire d’une prêtresse et le collier de perles sacré ornant la statue d’Aphrodite. Finalement, alors que Chrysis tombe amoureuse de celui qu’elle a poussé au crime, Démétrios, satisfait dans son désir et son orgueil, la rejette et lui impose de porter en public les objets volés. Condamnée à mort, Chrysis boit la ciguë devant un Démétrios indifférent, qui se sert ensuite du cadavre de sa maîtresse comme modèle de statue…

Pierre Louÿs, « Aphrodite – Mœurs antiques », Paris, Mercure de France, 1896, édition originale, exemplaire d’Edmond de Goncourt avec envoi. Inv. 1930

Parmi les exemplaires offerts par le jeune auteur à ses amis peu après la parution du livre le 28 mars 1896 figurait donc ce volume envoyé à Edmond de Goncourt (1822-1896) en « hommage de respectueuse et profonde admiration »[32]. Les thèmes de ce livre consacré à « la femme et à la lumière » étaient chers à Goncourt, mais celui-ci ne fit pas pourtant mention de Louÿs et de son roman dans les dernières pages de son Journal. Pour autant, on sait que le jeune auteur occupait bien sa pensée dans les dernières semaines de sa vie. En effet, lors de son dernier séjour chez les Daudet, Goncourt raconta à ses amis, le 11 juillet au soir, ses faits et gestes des dernières semaines, parlant notamment de « sa rencontre à la table de Jean Lorrain avec le très savant écrivain d’Aphrodite », autrement dit Pierre Louÿs[33]. Goncourt mourut chez ses amis Daudet cinq jour plus tard, le 16 juillet 1896.

Le destin malheureux de cette hétaïre à la fois cruelle et pathétique passionna les lecteurs de l’époque et lança la carrière de Louÿs, alors connu dans quelques cercles lettrés seulement. Un article critique enthousiaste et même dithyrambique du poète et académicien François Coppée, paru dans Le Journal le 15 avril 1896, accentua cette reconnaissance publique du roman, de même que la réputation sulfureuse de l’œuvre jouait en sa faveur. Les presses du Mercure de France suffisaient à peine à fournir les rééditions exigées par le public. Pour autant, le perfectionniste auteur avouait à son frère aîné bien aimé, son confident depuis l’enfance (on disait même que ce demi-frère n’était autre que son véritable père), ses incertitudes. Cette lettre appartient à la correspondance presque quotidienne reçue par le diplomate Georges Louis[34] de son cadet, mais elle semble encore inédite[35] :

Pierre Louÿs, lettre autographe signé à son frère Georges Louis, [Paris], 11, rue de Chateaubriand, s.d. [22 avril 1896], p.1. Inv. 2015
Pierre Louÿs, lettre autographe signé à son frère Georges Louis, [Paris], 11, rue de Chateaubriand, s.d. [22 avril 1896], p.2. Inv. 2015
Pierre Louÿs, lettre autographe signé à son frère Georges Louis, [Paris], 11, rue de Chateaubriand, s.d. [22 avril 1896], p.3. Inv. 2015
Pierre Louÿs, lettre autographe signé à son frère Georges Louis, [Paris], 11, rue de Chateaubriand, s.d. [22 avril 1896], p. 4 et enveloppe autographe. Inv. 2015

[fragment collé d’une lettre imprimée de Léon Say parlant de sa méfiance envers l’unanimité publique] C’est déjà dans Chamfort mais c’est toujours à redire. Je commence à être un peu inquiet… Deux nouveaux articles aujourd’hui : un d’Henry Fouquier dans l’Echo et un de Formont dans le Gil Blas. Alors pour faire un peu contre poids, je t’envoie les trois lettres d’éreintement que j’ai reçues jusqu’à présent. Celle de Boniface est très juste, d’ailleurs, et je lui ai répondu que j’étais entièrement d’accord avec lui. Je joins à cela une quatrième lettre, qui est de mon oncle. Renvoie-moi surtout celle-là. Elle m’a beaucoup touché et j’y tiens. J’ai oublié de te dire que mercredi dernier après t’avoir écrit, je suis allé voir Chevassu pour lui demander 500 frs en échange d’Aphrodite pour son infâme supplément (Goncourt et Daudet y collaborent bien. Je ne vois pas pourquoi je dédaignerais). Tu ne devinerais jamais ce qu’il m’a répondu : « Il me semble qu’Aphrodite est un peu montée de ton pour le Gil Blas illustré » !!! Et il a réservé sa réponse définitive. C’est à la suite de cette visite que je t’ai télégraphié (le lendemain). Je n’avais plus d’autre ressource que le célèbre usurier. Et d’ailleurs l’article de Coppée me promettait un futur milliard (au moins). Je t’embrasse de tout cœur, Pierre. Mercredi 22 avril. Tu sais que je n’ai pas changé d’opinion depuis neuf mois. Aphrodite est un livre raté. J’en suis tout à fait sûr.

VIII. Le « clochard céleste » et le  « mendiant ingrat » en couple avec des « Gotons »

Il y a les auteurs qui ont parlé des prostituées, ceux qui les ont fréquentées, et enfin ceux qui vivaient avec elles au quotidien : Paul Verlaine et Léon Bloy relevèrent des trois catégories ! Le moins que l’on puisse dire de la vie sexuelle de Verlaine, « le clochard céleste » de la poésie française, c’est qu’elle fut mouvementée ! Ayant quitté sa femme pour une idylle homosexuelle sans lendemain (mais ô combien marquante pour l’histoire littéraire !) avec Rimbaud, Verlaine passa la fin de sa vie « maqué » avec deux prostituées plus ou moins sur le retour, alternant ébats torrides et scènes de ménage. En septembre 1887, il rencontra Philomène Boudin, dite « Esther », qu’il revit en mai 1889, avant de se mettre en ménage avec elle en 1891. Mais voilà qu’en mai de la même année, il se prit d’amour pour une certaine Eugénie Krantz, dite « Nini-Mouton », une ancienne danseuse de cabaret devenue couturière, pour laquelle il éprouva une vive passion. A partir de là, le poète alterna entre les deux femmes jusqu’à la fin de sa vie : quand Eugénie le quitta au milieu de 1892, il revint, malade, chez Philomène qui le veilla avec attention (au point que Verlaine pensa l’épouser). Mais c’est bien chez Eugénie qu’il s’installa dans les derniers mois de sa vie, s’éteignant dans son pauvre logis du 39, rue Descartes le 8 janvier 1896.

Dornac, « Verlaine au café François Ier. », 1892, photographie. DR

Qui vivait aux crochets de qui ? Un peu des deux, sans aucun doute. Les deux femmes étaient des personnalités pittoresques et hautes en couleurs, se jalousant et se détestant cordialement. D’innombrables billets de Verlaine alité circulent sur le marché, priant le plus souvent Vanier de remettre à la porteuse du mot (soit Eugénie, soit Esther) quelques pièces de cinq francs pour un sonnet ou autre texte. Les deux femmes ne manquaient pas de se servir au passage, volant les économies ou les manuscrits de leur protégé/protecteur. Au point que Verlaine, « victime de vols successifs, abus de confiance, d’insultes publiques et d’ennuis sans nombre », dut sévir et déposer une plainte le 28 mars 1893 contre ses deux maîtresses (« la femme Philomène Boudin, dite Esther, et la fille soi-disant Eugénie Krantz et qui passe pour une nommée Victorine Mouton ») et leur prétendu souteneur (qui, selon Verlaine, n’était autre que Rodolphe Salis, dit « Bibi-la-Purée », patron du cabaret célèbre « Le Chat noir ») pour obtenir « immédiate restitution d’effets et de livres évidemment retenus et systématiquement refusés ». L’affaire finit par se tasser et Verlaine pardonna.

Il pardonna même au point de composer beaucoup de ses vers tardifs en l’honneur et par l’inspiration de ses deux compagnes. Dans sa conférence d’Anvers, en 1893, Verlaine avoua : « Comme cela devait arriver, l’humanité trop tendue reprit ou crut reprendre quelque peu ses droits ou ses prétendus droits, d’où une série de volumes : Chansons pour elle, Odes en son honneur, où étaient célébrées des affections nouvelles sur des rythmes appropriés ». Ces amours sensuelles tombaient parfois même dans le sordide, Verlaine n’hésitant pas à se représenter ivre avec sa maîtresse dans le même état : « Jouir et dormir » sont alors ses maîtres mots. Mais l’érotisme est abordé avec naturel et innocence, comme un acte évident et décomplexé. Souvent décriés et dénigrés par les esthètes qui reprochent au poète d’être tombé bien bas, ces poèmes, sans être les plus hautes créations de Verlaine, représentent néanmoins une période à part entière de sa création et de sa vie.

Paul Verlaine, Chansons pour elle [épreuves avec corrections autographes], S.l. [Paris], s.d. [après le 9 septembre 1891, selon le cachet de l’imprimeur], page de titre. Inv. 2000

Le premier recueil des deux recueils naquit de sa passion initiale pour Eugénie Krantz, qui lui inspira donc les poèmes de Chansons pour elle. Ces vingt-cinq poèmes de longueur moyenne, employant volontiers des tournures populaires voire vulgaires, sont tous de tonalité érotique, dans la même veine que Parallèlement (paru en 1889), mais consacrée ici à une personne en particulier. Une partie des poèmes vit le jour dans différentes revues entre mars et l’été 1891. Composées par l’imprimerie Ch. Hérissey à Evreux le 9 septembre 1891, les épreuves du recueil Chansons pour elle comportent au total près de 150 corrections à l’encre verte : ponctuation, orthographe, mais aussi mots modifiés et suppression de toutes les dates des poèmes.

Paul Verlaine, Chansons pour elle [épreuves avec corrections autographes], S.l. [Paris], s.d. [après le 9 septembre 1891, selon le cachet de l’imprimeur], poème V. Inv. 2000
Paul Verlaine, Chansons pour elle [épreuves avec corrections autographes], S.l. [Paris], s.d. [après le 9 septembre 1891, selon le cachet de l’imprimeur], poème IX. Inv. 2000
Paul Verlaine, Chansons pour elle [épreuves avec corrections autographes], S.l. [Paris], s.d. [après le 9 septembre 1891, selon le cachet de l’imprimeur], poème XV. Inv. 2000

Selon le catalogue Sickles (Trésors de la littérature française – Bibliothèque du colonel Daniel Sickles, 4e partie, Paris, 9-10 nov. 1990, n° 1402, comportant alors un billet de Verlaine à Léon Vanier, en date du 26 février 1891, demandant l’envoi d’épreuves), les corrections étaient de la main de Verlaine, mais le titre et la table de la main du typographe. Le catalogue de la collection Fischer (Bibliothèque littéraire Edouard-Henri Fischer, Sotheby’s, Paris, 4 nov. 2014, n° 104, toujours avec le billet) avait dans un premier temps attribué les corrections à Vanier, mais le catalogue de la vente les donnait bien à Verlaine, y compris le titre. En fait, il n’y a guère de doutes pour que les corrections textuelles, le titre et le titre de la table soient bien de la main de Verlaine (le contenu de la table étant peut-être bien de la main de Vanier, qui avait davantage tendance à attacher les mots).

Paul Verlaine, Chansons pour elle [épreuves avec corrections autographes], S.l. [Paris], s.d. [après le 9 septembre 1891, selon le cachet de l’imprimeur], poème XVIII. Inv. 2000
Paul Verlaine, Chansons pour elle [épreuves avec corrections autographes], S.l. [Paris], s.d. [après le 9 septembre 1891, selon le cachet de l’imprimeur], poèmes XXIV et XXV. Inv. 2000

Il arrivait souvent à Verlaine d’employer des encres de couleur pour ses corrections : verte (épreuves de l’article « Léon Vanier » pour la série Les Hommes d’aujourd’hui [vente Fischer 52] ou manuscrit de « Ballade de la mauvaise réputation » [Fischer 74]) ou rouge (manuscrit de la nouvelle L’Abbé Anne [Fischer 73]). A noter que le manuscrit du poème IX de Chansons pour elle (Fischer 107) comportait une version primitive, ici objet de diverses rectifications : ainsi, au vers 2, de « Je t’ai frappée et c’est affreux » à « Je t’ai battue… ») ; la faute du vers 3 « Je m’en repents » est corrigée dans l’imprimé (« repens »), mais celle du vers 7 (« morniffles ») demeure (comme elle sera corrigée en « mornifles » dans l’édition définitive, il faut donc supposer l’existence d’un jeu d’épreuves ultérieur).

Paul Verlaine, Chansons pour elle, Paris, Léon Vanier, 1891, édition originale, un des exemplaires sur papier de Hollande. Inv. 1250

Après ces corrections, le volume complet parut chez Léon Vanier le 26 décembre 1891 (selon les indications du Journal de la Librairie). Tirée sur papier de Hollande (sous couverture rose), cette première édition sortait des imprimeries Hérissey et coûtait 3 francs l’exemplaire. Un tirage de tête se montant à quelques exemplaires sur papier japon (sous couverture bleue) avait été prévu.

Aussitôt qu’il eût terminé Chansons pour elle, Verlaine entreprit, dans le courant de l’été 1891, la composition d’Odes en son honneur, qui devait cette fois venir saluer Esther/Philomène Boudin. A la fin de l’année, il avait déjà écrit 600 vers et, en janvier 1892, il pouvait affirmer à son éditeur Vanier : « Odes en son honneur finies et prêtes à imprimer. Complètement (mieux, plus corsé et en même temps plus sérieux, plus écrit que les Chansons, tout en restant, au fond, chansons… Tirant à l’élégie Tibullienne…) ». En réalité, il passa encore toute l’année 1892 à fignoler son recueil et à l’enrichir de nouvelles pièces, de sorte que le recueil ne parut qu’en mai 1893.

Comme nous le verrons dans le cas de Bloy, Verlaine voyait en sa compagne une sorte d’héroïne déchue de l’amour, blessée par l’existence. Après de nombreuses amours passagères, elle a connu une grande passion, mais fut trahie et abandonnée, menant dès lors une vie misérable et déclassée, tout en conservant malgré tout courage et gaieté. Pour tout cela, Verlaine ressentait pour elle amour, admiration et compassion, et se reconnaissait en quelque sorte lui-même dans ce destin. Dans ces poèmes d’un style reconnu « plus haut » que les Chansons pour elle, il fit de Philomène une sainte et une martyre, l’évoquant comme sa sainte patronne personnelle, dans un amour à la fois charnel et mystique, le corps de Philomène donnant lieu à des blasons magnifiques du corps féminin.

Paul Verlaine, Elégies, Paris, léon Vanier, 1893, édition originale. Inv. 433. Prov. : Prof. Pierre-Georges Castex (1915-1995, historien de la littérature française, grand spécialiste de Balzac, membre de l’Institut et de l’Académie des sciences morales et politiques, auteur de très nombreux ouvrages et études, dont une fameuse « Anthologie du conte fantastique en France de Nodier à Maupassant »).

Paru en 1893, le recueil des Elégies, en dépit de son titre évoquant une douce nostalgie, était loin de réunir de douces poésies amoureuses ! Inspirés là encore par Philomène Boudin, ces vers employaient les termes et évocations crus qu’affectionnait alors le poète Verlaine, dans des amours parfois brutales, plutôt primaires, et souvent monnayées… Dans ce cycle de douze longs poèmes, Verlaine ne dissimulait rien de ses désirs et n’idéalisait rien, quoique l’attendrissant voisine souvent avec le sordide. La pièce VII, notamment, le montrait tiraillé entre son appétit de chair monnayée et la repentance à l’égard de sa compagne du quotidien. Lassé pour un temps de Philomène, voici le poète maudit en goguette, allant s’encanailler pendant trois semaines dans des lits mercenaires, passant tous les soirs de « Goton » en « Goton » (voici un terme peu connu, aphérèse venant du diminutif Margoton/Margot, pour désigner les servantes d’auberge et, partant, les filles légères ou publiques) :

Verlaine et les catins : extrait du poème VII des « Elégies » (Paris, Vanier, 1893, édition originale, Inv. 433)
Verlaine et les catins : fin du poème VII des « Elégies » (Paris, Vanier, 1893, édition originale, Inv. 433)

Enfin vint le départ, la fuite, l’abandon
De toi par moi, mes rencontres d’une Goton
Par nuit, vingt nuits avec des femmes différentes.
Et je m’habituais à ça comme des rentes
Sans même me douter si c’était odieux,
Tant mes sens m’étaient devenus comme des dieux.
De ta saine présence exilés volontaires
Et je les enivrai de ces vingt adultères
Ainsi qu’un vil païen prodiguant son encens
À des idoles, et son cœur avec ou sans.
[…]
L’une, fille du Nord, native d’un Crotoy,
Était rousse, mal grasse et de prestance molle :
Elle ne m’adressa guère qu’une parole
Et c’était d’un petit cadeau qu’il s’agissait.
L’autre, pruneau d’Agen, sans cesse croassait.
En revanche, dans son accent d’ail et de poivre,
Une troisième, récemment chanteuse au Havre,
Affectait le dandinement des matelots
Et m’…engueulait comme un gabier tançant les flots,
Mais portait beau vraiment, sacrédié, quel dommage !
La quatrième était sage comme une image,
Châtain clair, peu de gorge et priait Dieu parfois :
Le diantre soit de ses sacrés signes de croix !
Les seize autres, autant du moins que ma mémoire
Surnage eu ce vortex, contaient toutes l’histoire
Connue, un amant chic, puis des vieux, puis « l’îlot »
Tantôt bien, tantôt moins, le clair café falot
Les terrasses l’été, l’hiver les brasseries
Et par degrés l’humble trottoir en théories
En attendant les bons messieurs compatissants
Capables d’un louis et pas trop repoussants
Quorum ego parva pars erim, me disais-je.
Mais toutes, comme la première du cortège,
Dès avant la bougie éteinte et le rideau
Tiré, n’oubliaient pas le « mon petit cadeau ».

Voici à présent un autre premier roman, mais dont l’auteur était très loin du raffiné et érudit esthète Louÿs et de ses courtisanes antiques. Lorsque le très polémique Léon Bloy (1846-1917) voulut livrer son premier grand texte, il l’intitula Le Désespéré : tout un programme ! Le roman devait voir le jour chez Stock fin 1886, mais l’éditeur, devant certains passages très violents contre certains auteurs en vue, refusa de commercialiser le livre pourtant déjà imprimé. Aussi Bloy s’adressa-t-il à un petit éditeur, Soirat, pour donner une nouvelle édition, la première commercialisée (Stock mit finalement en vente en 1893 ses propres exemplaires demeurés en stock). Le roman livrait une peinture féroce du milieu des lettres et du journalisme, avec un fort aspect autobiographique. Comme son personnage principal, nommé Caïn Marchenoir, Bloy avait connu, entre 1877 à 1882, une passion malheureuse pour Anne-Marie Roulé (Véronique dans le roman), une semi-prostituée qu’il avait recueillie, aimée, convertie, mais sans pouvoir la sauver de la folie. Comme les personnages de son roman, les deux amants avaient, pendant ces cinq années, partager une existence rude où s’étaient mêlées la misère et l’exaltation mystique…

Léon Bloy, « Le Désespéré », Paris, Nouvelle Librairie A. Soirat, 1886, édition originale, page de titre. Inv. 1575

Le présent exemplaire de l’édition Soirat fut offert par Bloy à l’homme de lettres et de presse Léon Deschamps (1864-1899) avec un de ces envois mi-figue mi-raisin dont il avait le secret : « à mon ami Léon Deschamps, souvenir fraternel de Caïn, Léon Bloy ». Deschamps avait créé, au mois d’avril 1889, une revue baptisée La Plume, qui édita notamment Verlaine, les Symbolismes, mais aussi Bloy. Ce dernier avait participé pour la première fois le 14 décembre 1889 à une des soirées de La Plume, faisant ainsi la connaissance de Deschamps qui qualifia bientôt Bloy de « premier prosateur de France ». La collaboration entre les deux hommes fut dans ses débuts très bénéfique, mais, comme toujours chez Bloy, les relations entre l’auteur et son éditeur se dégradèrent dès le début 1892 pour en arriver le 23 mars suivant à « une brouille évidente et sans remède »[36]. Trois mois plus tard, dans son journal intime, Bloy qualifiait Deschamps d’« ignoble valet de tout le monde », tandis que Deschamps, ayant reçu malgré tout une demande d’aide financière de Bloy, l’accusait en octobre 1893 du « plus parfait parasitisme ».

Léon Bloy, « Le Désespéré », Paris, Nouvelle Librairie A. Soirat, 1886, édition originale, envoi autographe à Léon Deschamps. Inv. 1575

Peu soucieux de dissimuler ses attaques, Bloy mit en circulation de nombreuses « clefs » autographes de son Désespéré, confirmant ainsi à ces proches l’identité de ses personnages, la plupart odieux ou grotesques : ainsi, Paul Bourget était Alexis Dulaurier ; Daudet, Gaston Chaudesaignes ; Maupassant, Vaudoré ; etc. Un total, vingt-trois personnages en vue. Du reste, Bloy, qui les connaissait peu, avait utilisé des informations fournies surtout par Huysmans et souvent suivi les rancunes de l’auteur de A rebours, fort heureux de trouver un porte-parole aussi vigoureux. Il existe donc plusieurs exemplaires de cette liste[37], celle-ci ayant été incluse dans un exemplaire de l’édition Soirat provenant d’Emile Barbé et de son frère, amis de Léon Bloy.

Léon Bloy, clef des personnages du « Désespéré », manuscrit autographe, s.d. (vers 1886-1887 ?). Inv. 729.

Paru dix ans après Le Désespéré, le roman La Femme pauvre est sans doute la seconde œuvre capitale de Bloy (en dehors de son œuvre de diariste). Les lettres de l’auteur à ses amis suisses Henriette Lhuillier et Louis Montchal ont révélé à quel point le personnage principal du livre, Clotilde Maréchal, est inspiré de l’ouvrière doreuse Berthe Dumont, secourue de sa misère par Bloy en 1884 : « ma bien-aimée Berthe était l’espérance de ma vie. Je voulais la guérir, en faire ma femme, et me reposer en elle comme dans un asile de paix ». Mais le tétanos finit par l’emporter en 1885…

Léon Bloy, « La Femme pauvre », Paris, Mercure de France, 1897, édition originale. Inv. 2729

La genèse du roman inspiré par cette liaison débuta vers 1887 et le livre fut déjà annoncé trois ans plus tard sous le titre de La Désespérée, étude psychologique, puis de La Prostituée en 1891. A en croire Bloy, dans une lettre à l’éditeur Quantin, pressenti pour sortir le livre, « il n’y a pour la femme que deux façons d’être acceptables : la Sainteté ou la prostitution. Entre les deux, il n’y a que l’Honnête-Femme, c’est-à-dire la femelle du Bourgeois […]. Une sainte peut tomber dans la boue et une prostituée monter dans la lumière, mais jamais ni l’une ni l’autre ne pourra devenir une honnête femme […] qui refusa naguère l’hospitalité de Bethléem à l’Enfant-Dieu »… Ayant laissé son manuscrit de côté après 1891, Bloy le reprit en juin 1896, en pleine misère (il avait été congédié du journal Gil Blas et avait perdu ses deux petits garçons à peine nés) : la publication de ce roman lui permit une « remontée douloureuse d’épave des ténèbres à l’état d’épave de la lumière ».

Formant plus un long poème visionnaire en prose qu’un roman à proprement parler, La Femme pauvre est demeuré célèbre par sa flamboyance verbale baroque. La déchéance de Clotilde n’empêche pas l’héroïne d’être toujours animée par un sincère et profonde sentiment religieux et portée par une forme de grâce divine qui lui permet d’affronter les souffrances de sa vie. Clotilde n’est certes pas une prostituée à proprement parler, mais elle a connu une vie sexuelle libre et a failli devenir modèle (ce que Bloy semble considérer comme une forme de prostitution !). Fidèle à sa vision du monde, Bloy voit en la femme déchue une image du dépouillement et de l’amour total (par opposition à l’« honnête femme ») : « Ô Prostituées sans mensonge pour qui Jésus a souffert ; pitoyables et saintes Putains qui n’avez pas honte des pauvres et qui témoignerez au Dernier Jour »[38].

IX. A l’orée du nouveau siècle : le Bubu de Charles-Louis Philippe

Terminons ce parcours avec un auteur peut-être moins connu, mais qui nous emmène juste à l’orée du XXe siècle : Charles-Louis Philippe (1874-1909). Lui-même peut se ranger dans la série des « auteurs maudits », ayant connu la misère et un trépas rapide (dans son cas, une méningite), un peu à l’image de Murger un demi-siècle plus tôt. Issu d’un milieu très modeste (il affirmait que sa grand-mère avait été mendiante), ce fils de sabotier parvint à étudier grâce à des bourses et décrocha avec l’aide de Barrès un poste de fonctionnaire. Collaborant à La Revue Blanche, il livra de la poésie, quelques récits courts à teneur autobiographique, tout en entretenant une liaison avec une certaine Maria Texier, fille des rues. Cet amour malheureux lui inspira la rédaction d’un grand roman du trottoir parisien : Bubu de Montparnasse.

Charles-Louis Philippe, « Bubu de Montparnasse », Paris, Editions de la Revue Blanche, 1901, édition originale. Inv. 2731

Le livre met en scène un jeune provincial monté à Paris, Pierre Hardy, qui croise un soir de juillet, rue Greneta, Berthe Méténier, une prostituée dont il va tomber amoureux. La jeune femme rêve d’une autre vie avec son amant, mais son souteneur, Maurice Belu, dit Bubu, se trouve être aussi son mari au civil… Les choses tournent encore plus mal lorsque Pierre se découvre contaminé par la syphilis : lui, Berthe, mais aussi Bubu, sont condamnés par cette maladie alors incurable. Alors que Bubu sort de prison, Pierre, moralement trop faible, n’a pas le courage d’assumer son amour et préfère lui abandonner Berthe plutôt que de s’enfuir avec elle…

Très documenté (l’écrivain avait étudié à fond la syphilis, l’alcoolisme et toutes les manifestations de la crapulerie pour expliquer ces « phénomènes quotidiens de l’existence de plus de cinquante mille femmes de Paris », le roman annonçait la littérature du XXe siècle consacrée aux bas-fonds (notamment de Francis Carco), mais fut accueilli fraîchement par le grand connaisseur des milieux populaires qu’était Jules Renard : « Les misérables y raisonnent un peu trop. Ils se vantent. Tel marlou théorise. Une fille qui fait le trottoir est une pauvre femme, mais n’oublions pas que c’est aussi une grue ». De son côté, un autre maître ès littérature des turpitudes, Léon Bloy, était partagé : « Lu un horrible roman prêté par Randon et que j’ai voulu connaître parce qu’il passe pour un chef-d’œuvre : Bubu de Montparnasse, auteur, Charles-Louis Philippe. Talent tout à fait supérieur, jusqu’à donner la sensation du génie, mais quelle ignorance de Dieu et quelle sentimentalité monstrueuse pour le remplacer. La lecture de ce livre m’a pénétré d’horreur ».

Nicolas Ducimetière
Chavannex, 31 octobre 2020


PISTES BIBLIOGRAPHIQUES

  • Un joli monde : romans de la prostitution, éd. par Daniel Grojnowski et Mireille Dottin-Orsini, Paris, Laffont, coll. « Bouquins », 2008 (anthologie comprenant notamment les œuvres citées de Huysmans, Goncourt, Zola, Maupassant, Bloy, Ch.-L. Philippe, mais aussi des textes moins connus de Lorrain, Hennique, Paul Adam).
  • Charles Bernheimer, Figures of Ill Repute : Representing Prostitution in Nineteenth-Century France, 1989
  • Laure Adler, La vie quotidienne dans les maisons closes de 1830 à 1930, Paris, Hachette, coll. « La vie quotidienne », 1990
  • Alain Corbin, Les Filles de noce. Misère sexuelle et prostitution au XIXesiècle, Paris, Flammarion, coll. « Champs », 1999
  • Lynda A. Davey, « La croqueuse d’hommes : images de la prostituée chez Flaubert, Zola et Maupassant », dans Romantisme, 1987, n°58 (« Figures et modèles »), pp. 59-66
  • Alain Lescart, Splendeurs et misères de la grisette. Évolution d’une figure emblématique, Paris, Honoré Champion, 2008
  • Alexandre Parent-Duchâtelet, La prostitution à Paris au XIXesiècle, Paris, Seuil, coll. « Points Histoire », 2008
  • Emmanuel Pierrat, Les Lorettes. Paris capitale mondiale des plaisirs au XIXesiècle, Paris, Le Passage, 2013

ILLUSTRATIONS D’EN-TÊTE ET DE COLOPHON

Photographies extraites du film L’Apollonide : souvenirs de la maison close, de Bertrand Bonello, sorti en salle en 2011 et sélection officielle du Festival de Cannes 2011. Le film relate, à l’aube du XXe siècle, la vie de l’Apollonide, maison close haut-de-gamme, et de ses pensionnaires : Madeleine « la Juive », Léa « la Poupée », Samira « l’Algérienne », Clotilde « Belle cuisse » et Julie « Caca ». Photo DR

NOTES

[1] Il ne faudrait pas juger le XXe siècle plus pudibond à l’égard de la prostitution, mais force est de reconnaître qu’elle est moins présente, au sein de mes rayons, parmi les auteurs de ce temps (de toute manière beaucoup moins nombreux). Notons toutefois celui qui fut le grand romancier des bas-fonds parisiens de son époque : Francis Carco (1886-1958). Le premier roman de « Monsieur Francis » s’intitulait Jésus-la-Caille et parut en 1914 aux éditions Albin Michel.

Francis Carco, « Jésus-la-Caille », Lausanne, Grand-Chêne, 1946, frontispice et page de titre. Inv. 2483

L’histoire nous entraînait dans le Paris contemporain, du côté de Montmartre, où Jésus-la-Caille, jeune gigolo, vient de perdre son amoureux, Bambou, « poissé » par les « bourres » : Pépé-la-vache, dont on ne sait trop d’où provient l’argent, l’aurait dénoncé. Retourné par cette mésaventure, le jeune homme s’entiche de Fernande, prostituée et « môme » de Dominique le Corse, son souteneur. Mais Fernande est aussi convoitée par Pépé-la-Vache, qui dénonce le Corse, pris en flagrant délit de cambriolage. Le Corse à l’ombre et Jésus-la-Caille ayant toujours en tête Bambou, Fernande tombe toutefois dans ses bras, au grand dam de Pépé. Mais ce n’est qu’une passade, et Pépé parvient bientôt à ses fins, jusqu’à ce que Fernande comprenne qu’il est bien un indic. De retour à Montmartre, elle reprend son activité, mais avec moins de succès. Désespérée, elle tente de se retourner vers Jésus-la-Caille, mais Pépé la reprend de force. Jusqu’à ce que le Corse sorte de prison, et règle ses comptes à sa façon…

Francis Carco, « Jésus-la-Caille », Lausanne, Grand-Chêne, 1946, illustration p. 41. Inv. 2483

L’histoire est caractéristique de ce qui allait devenir le « genre Carco ». Le roman reparut en 1920 sous une forme augmentée, ajoutant au texte original celui du roman de 1918 Les Malheurs de Fernande, qui en constituait la suite. Dès lors, cet ajout légèrement remanié constitue le livre troisième de l’ouvrage. La présente édition illustrée, imprimé à l’Imprimerie centrale de Lausanne en août 1946, fut diffusé principalement sous l’adresse « Editions du Livre, Monte-Carlo », les exemplaires à l’adresse du « Grand-Chêne » étant peu courants. L’exemplaire fut offert par Carco à l’écrivain et critique belge Jean Pfeiffer (1913-1985), avec envoi autographe.

Francis Carco, « Jésus-la-Caille », Lausanne, Grand-Chêne, 1946, envoi autographe à l’écrivain belge Jean Pfeiffer. Inv. 2483

La bibliographie de Carco abonde donc en filles de joie et mauvais garçons. Toutes ses créations n’ont toutefois pas abouti à une publication. C’est manifestement le cas de ce manuscrit autographe, un scénario détaillé d’un drame en treize tableaux : L’Homme aux poupées. L’action se déroule dans les bistrots, bals et quartiers populaires de Paris. Un soir, en pleine rue Pigalle, Gaby, jeune marchande de poupées, est blessée d’un coup de feu lors d’une intervention policière visant à arrêter René, qui s’échappe. Remise de sa blessure, Gaby, impressionnée par le fugitif, part à sa recherche et, l’ayant retrouvé, le fait embaucher par la petite fabrique familiale de poupées. Le cachant de la police, elle doit aussi le défendre contre les soupçons de sa sœur aînée et le protéger de la misère de la rue.

Francis Carco, « L’Homme aux poupées », s.l.n.d. [Paris, vers 1930-1935], manuscrit autographe de 14 feuillets in-8°, avec nombreuses ratures et corrections. Inv. 1745

Une péripétie amène Gaby à trouver refuge chez une prostituée du quartier des Halles, Berthe, qui a été la compagne de René et qui en dresse un portrait moral opposé à celui qu’imaginait Gaby… L’arrivée de René brise la complicité des deux jeunes filles. Mais Gaby, amoureuse de ce meurtrier et bagnard en fuite, refuse de renoncer à son rêve romantique d’une vie à ses côtés. Soucieux de la protéger, René la ramène à la maison et se fait aussitôt arrêter par les policiers aux aguets. Ne regrettant rien, il prend la chose avec panache.

Francis Carco, « L’Homme aux poupées », s.l.n.d. [Paris, vers 1930-1935], manuscrit autographe, pages 8 et 9 : la rencontre de la jeune Gaby avec la prostituée Berthe. Inv. 1745

[2] Selon le dictionnaire Trésor de la Langue Française (TLF).

[3] « Nous avons aimé, admiré Gavarni », écrivaient les Goncourt qui étaient pourtant ses cadets d’une génération : ils le rencontrèrent pour la première fois en 1852, alors auréolé d’une notoriété qui éblouit les deux frères. En 1873, treize ans après la mort de l’artiste et trois ans après celle de Jules de Goncourt, sortit la biographie de Gavarni par les Goncourt (leur dernier projet commun), écrite à l’aide de documents communiqués par le fils de l’artiste, Pierre, notamment des fragments de mémoires, carnets, notules : « Gavarni, en effet, fut toujours écrivassier de ses impressions, de ses sensations, de ses aventures psychologiques (…), toute sa vie il l’a écrite ». Cette étude est la première vraie biographie de l’artiste (seul Eugène de Mirecourt avait publié une courte Vie de Gavarni en 1858). Une seconde édition vit le jour en 1879, fortement augmentée (les passages inédits figurant en italiques).

Edmond et Jules de Goncourt, « Gavarni », Paris, Charpentier, deuxième édition, en partie originale, couverture. Inv. 2372

En attendant de mettre la main sur un exemplaire de l’édition originale, mes rayons abritent deux exemplaires à envoi de cette édition de 1879. Le premier fut offert par Goncourt à son ami le poète parnassien François Coppée ; le second fut dédicacé plus laconiquement encore à Lucien Faucou (1861-1894), archiviste, conservateur du musée Carnavalet et de la Bibliothèque historique de la Ville de Paris.

Edmond et Jules de Goncourt, « Gavarni », Paris, Charpentier, deuxième édition, en partie originale, envoi autographe à François Coppée. Inv. 1269
Edmond et Jules de Goncourt, « Gavarni », Paris, Charpentier, deuxième édition, en partie originale, envoi autographe à Lucien Faucou. Inv. 2372

[4] Auteur d’une quarantaine de pièces de théâtre (comédies, vaudevilles, mélodrames et drames) en plus d’être journaliste, Maurice Alhoy écrivit une série d’ouvrages documentaires (presque des reportages) sur le monde pénitentiaire et les bagnes. Mais il donna aussi plusieurs « physiologies » humoristiques : en plus de celle de la lorette, il traita celle du voyageur (1841), du débardeur (1842) et des créancier et débiteur (1842).

[5] Tempérament vigoureux, Alexandre Dumas père trouvait son fils assez pathétique dans ses relations féminines autant que dans son écriture. Selon les Goncourt, il aurait dit de son héritier : « Oh ! Alexandre, il a ce que je n’ai pas, j’ai ce qu’il n’a pas. Qu’on m’enferme dans ma chambre avec cinq femmes, du papier, des plumes, de l’encre et une pièce à faire. Au bout d’une heure, les cinq actes seront écrits et les cinq femmes seront baisées ».

[6] Elle fut inhumée à la fosse commune, mais son mari légitime, le comte Edouard de Perregaux, qu’elle avait pourtant abandonné, fit exhumer le corps pour lui donner une tombe décente au cimetière de Montmartre, où elle peut toujours être vue.

[7] Dans son Guide du bibliophile français du XIXe siècle (p. 110), Marcel Clouzot la présente comme « peut-être le plus rare de tous les romantiques. Un amateur même difficile pourra se contenter d’un exemplaire imparfait, en reliure moderne, rogné et sans couverture. En reliure d’époque de bonne qualité, il est presque introuvable ».

[8] Claude Witkowski, Monographie des éditions populaires / Les romans à quatre sous : les publications illustrées à vingt centimes (1848-1870), Paris, J.J. Pauvert, 1981.

[9] Henry Murger, Scènes de la Bohème, Paris, Lévy, 1851, p. 234.

[10] Edmond et Jules de Goncourt, Journal, 27 décembre 1857.

[11] Le journaliste Victor de Mars (1817-1866) (de son vrai nom Demars) fut nommé par François Buloz, fondateur de la Revue des Deux-Mondes, comme secrétaire de rédaction, puis directeur-gérant en 1838. Il signa la « Chronique de la quinzaine » pendant près de trente ans, un arrangement permettant à Buloz de se mettre, « officiellement du moins, à l’abri des remontrances ministérielles et des poursuites judiciaires ». Sa mort fut annoncée ainsi par le journal : « La Revue vient de faire une perte douloureusement ressentie par tous ses collaborateurs dans la personne de Victor de Mars, frappé il y a peu de jours d’une mort presque subite et prématurée. Cet homme simple et utile, cette douce figure de la vie littéraire de notre époque disparaît en laissant des regrets affectueux aux plus illustres comme aux plus humbles ».

[12] D’abord clerc de notoire, puis secrétaire du baron Fain sous la Monarchie de Juillet, Camille Doucet devint l’homme fort de la scène parisienne en accédant à la fonction directeur général de l’administration des théâtres en 1863. A ce titre, il fit beaucoup pour le développement des théâtres et salles de spectacle parisiens. Si Flaubert se plaignit de lui, il avait une réputation de droiture et de grande gentillesse, soutenant les débuts de Sarah Bernhardt à la Comédie-Française et la faisant ensuite entrer à l’Odéon. Plusieurs fois candidat à l’Académie française, il est élu membre en 1865 et en sera le secrétaire perpétuel à partir de 1876. Il était l’auteur de poésies diverses et de nombreuses pièces de théâtre : vaudevilles, œuvres lyriques, comédies en vers.

[13] Théophile Gautier, « Etude sur Henry Murger », dans Henry Murger, Nuits d’hiver, Paris, Michel Lévy, 1861, p. 261.

[14] Edmond et Jules de Goncourt, Journal, 28 janvier 1861.

[15] Les dernières œuvres de l’auteur disparu étaient suivies d’études-hommages par Jules Janin, Théophile Gautier, P.-A. Fiorentino, Arsène Houssaye et Paul de Saint-Victor.

[16] Citons, au nombre de ces études, les biographies de Marie-Antoinette (1858), des maîtresses de Louis XV (étude parue en 1860, débitée ensuite en volumes séparés : Madame du Barry [1878], la duchesse de Châteauroux et ses soeurs [1879] ou Madame de Pompadour [1878]), d’actrices (La Saint-Huberty [1882], Mademoiselle Clairon [1890], La Guimard [1893]) ou des essais sur la société du temps (La Femme au XVIIIe  siècle [1862], L’Amour au XVIIIe siècle [1875, édition séparée d’un chapitre du précédent ouvrage]), etc.

[17] Présentant, en plus de l’envoi autographe, le bel ex-libris gravé d’Uzanne, le livre passa dans le catalogue de sa vente (Quelques’un des livres contemporains… d’un écrivain et bibliophile parisien, Paris, 1894, n° 204 : « Ex. tiré sur papier Whatman. Joli envoi autographe d’Edm. de Goncourt »). L’exemplaire passe ensuite dans la collection E. Chatoney (ex-libris gravé).

[18] Au nombre de ses publications, on relève Le Calendrier de Vénus (1880), Son Altesse la Femme (1885), La Française du siècle : modes, mœurs, usages (1886), La Femme à Paris : nos contemporaines, notes successives sur les Parisiennes de ce temps dans leurs divers milieux, états et conditions (1894), etc.

[19] Goncourt, Journal, 20 septembre 1887.

[20] André Salmon, Souvenirs sans fin, 1903-1940, Paris, Gallimard, 1955.

[21] L’exemplaire est recensé dans la très belle étude-inventaire de Christian Galantaris, Les Goncourt dédicateurs, sous le n° 455.

[22] Citée d’après l’article fondamental d’Eileen Souffrin, « Banville et les Goncourt », dans Revue d’histoire littéraire de la France, janv.-mars 1949, pp. 49-50.

[23] En novembre 1882, un peu vexé de ne pas figurer dans les Souvenirs de Banville, Goncourt les jugea avec ironie « très amusants » : « Pas un mot de vérité vraie, des modernes de contes de fée, mais vus avec une optique toute particulière à l’homme : l’optique de l’hyperterrestre funambulesque ». En mai 1884, les rapports étant donc refroidis, une visite de Banville provoqua d’abord quelques inquiétudes chez Goncourt (qui, selon son habitude, avait récemment laissé échapper quelques ragots vipérins sur le poète). En janvier 1887, un dîner chez Banville réunit pourtant Goncourt, Daudet et Coppée : « Banville avec son ironie à lui, ironie toute charmante dans sa forme bonhomme ».

Théodore de Banville, « L’Âme de Paris », Paris, Charpentier, 1890, édition originale, exemplaire d’Edmond de Goncourt avec envoi. Inv. 1255

En 1890, Banville fit paraître un recueil d’articles savoureux sous le titre L’Âme de Paris. La description des « dîners Magny » et de leurs convives débutait sur un portrait des frères Goncourt, ce qui rachetait leur absence complète dans le premier livre de mémoires de Banville, les Souvenirs parus en 1882. L’un des meilleurs chapitres de l’ouvrage, « Quai Voltaire », consacré aux bouquinistes et aux trouvailles bibliophiliques, était justement dédié « A Edmond de Goncourt », lui-même grand chineur et bibliophile (ch. VI, pp. 72-80). A noter que Goncourt, en plus du présent exemplaire dédicacé sur papier courant, possédait un second exemplaire de L’Âme de Paris, sans envoi, mais l’un des 20 exemplaires sur Hollande (n°4), relié en percaline rouge par Pierson (n° 124 du catalogue Bibliothèque des Goncourt – Livres modernes).

Théodore de Banville, « L’Âme de Paris », Paris, Charpentier, 1890, édition originale, envoi à Edmond de Goncourt. Inv. 1255

Enfin, le vendredi 13 mars 1891, en apprenant la disparition du poète, Goncourt nota avec émotion : « Je lis ce soir, dans un journal, la mort de ce vieux camarade de lettres, de Banville. Diable, diable, les gens de mon âge s’en vont autour de moi. Il faut cette année pousser les préparatifs de sa sortie de scène. Au fond, malgré du froid arrivé entre nous, je lui suis resté et lui reste toujours reconnaissant de son article sur mon frère ».

[24] Citons notamment la virée qu’il fit en août 1878 avec son ami Henry Céard (autre membre fondateur du naturalisme, auteur d’une des nouvelles des Soirées de Médan) dans les riddecks anversois. Il y regrettait notamment, selon une lettre envoyée à Bloy, « l’absence de Flamandes aux cheveux jaunes et la trop grande abondance de vaches françaises »… Le 16 août, toujours à Bloy, il avoue avoir « vu et sondé les bordels – il en est d’un luxe inouï – et d’un vrai. D’autres, pour matelots, intéressants » : bref, on le sent prêt à écrire un guide ! Voir Christian Berg, « Bordel ou caboulot ? Huysmans et les mysticismes des riddecks », dans Joris-Karl Huysmans, CRIN (Amsterdam), n° 42, 2003, pp. 27-40.

[25] La librairie-maison d’édition Gay et Doucé fut active à Bruxelles entre 1877 et 1883. Leur catalogue compte une soixantaine de titres officiels et au moins autant de publications « sous le manteau ». Voir Jacques Duprilot, Gay et Doucé, éditeurs sous le manteau (Astarté, 1998).

[26] André Damien (1930-2019), avocat, homme politique et écrivain français, fut bâtonnier de l’ordre des avocats versaillais, maire de Versailles (1977-1995), conseiller d’Etat. Il fut élu à l’Académie des sciences morales et politiques en 1994 et devint président de l’Académie en 2006. Il a écrit plusieurs livres sur les décorations et ordres de chevalerie, ainsi que sur l’histoire de Versailles. Il semble avoir été un grand amateur de Huysmans, plusieurs éditions originales à envoi provenant de sa bibliothèque ayant été dispersés en 2020 notamment chez Sotheby’s.

[27] Les principaux textes de Maupassant sur ce thème ont été réunis dans Les Prostituées – Onze nouvelles (Paris, Gallimard, « Folio Classique », 2015), avec une présentation de Daniel Grojnowski et des annotations de Louis Forestier.

[28] Noëlle Benhamou, auteur de Filles, prostituées et courtisanes dans l’œuvre de Guy de Maupassant : représentation de l’amour vénal, thèse soutenue en 1996.

[29] Les autres nouvelles, alternant tragique et émotion, sont : « Sur l’eau », « Histoire d’une fille de ferme », « Histoire de famille », « Le papa de Simon », « Une partie de campagne », « Au printemps » et « La femme de Paul ».

[30] Clouzot, Guide du bibliophile français du XIXe siècle, p. 197.

[31] Ce document couvrant la période entre 1888 et 1892 (Louÿs avait entre 18 et 25 ans) comportait 60 fiches descriptives de ces amantes, avec tout un luxe de détails. Le cahier est passé dans la collection de Michel Simon, avant d’intégrer celle de Gérard Nordmann (vente « Bibliothèque érotique Gérard Nordmann », 1ère partie, Christie’s, Paris, 27 avril 2006, n° 234).

[32] Le livre passa dans la vente Bibliothèque des Goncourt – Livres modernes (1897, n° 537, alors broché) et se retrouve, relié en vélin blanc par Durvand, dans la collection du colonel Daniel Sickles (1900-1988) (vente, IVe partie, 1990, n° 1254).

[33] Sur la rencontre Louÿs-Goncourt (qui est donc absente du Journal), voir ce récit peu connu d’Alphonse Daudet, Ultima, ou les dernières heures d’Edmond de Goncourt, Paris, Mille-et-une nuits, 2013, p. 14.

[34] Demi-frère aîné et peut-être père de l’homme de lettres, le diplomate Georges Louis (1847-1917) fut notamment délégué de la France à la Commission de la Dette Égyptienne [1893-1903], puis ambassadeur de France en Russie [1909-1913].

[35] Cette lettre de quatre pages est en tout cas absente des monumentales Mille lettres inédites de Pierre Louÿs à Georges Louis (1890-1917), Paris, Fayard, 2002. Louÿs annonçait à son frère la parution de l’article de Coppée et ses premières réactions dans une lettre du 20 avril (n° 111), mais la lettre suivante (n° 112) est datée du 1er mai suivant seulement (Louÿs y raconte sa timidité face à une jeune et accorte servante d’auberge, imaginant que cette gêne surprendra fort les lecteurs d’Aphrodite qui se faisaient sans doute des idées sur l’auteur d’un livre si leste !).

[36] Bloy décida d’arrêter sur-le-champ son feuilleton « Le secret de M. Pérégrin Germinal » qui paraissait dans La Plume, faisant publier qu’il ne sentait plus le « droit de livrer au public un secret de cette importance » (sic).

[37] Calligraphiée à l’origine pour Emile Barbé et son frère, amis de Léon Bloy, cette clef a été présentée dans un billet de l’expert bloyen Benoît Galland sur le blog Léon Bloy en 2013. On peut retrouver, au fil des catalogues de vente, d’autres clefs autographes. Ainsi, un exemplaire de même présentation (24 noms sur deux colonnes et une page) figurait ainsi à la vente Livres et autographes de Beaussant-Lefèvre (03/12/2001, n°72), relié dans un exemplaire de l’édition Soirat (demi-maroquin tête-de-nègre par Semet et Plumelle).

Léon Bloy, clef manuscrite autographe du « Désespéré », vente Beaussant-Lefèvre, 2001. Photo DR

Plus récemment, un exemplaire de l’édition Soirat relié en maroquin brun par Marcel Martin présentait, entre autres documents truffés, une autre clef autographe (vente Livres anciens et modernes, livres illustrés, Etude Arcadia, Amiens, 27 janvier 2018, n°530).

Léon Bloy, clef manuscrite autographe du « Désespéré », vente Arcadia, 2018. Photo DR

« Last, but not least », notons enfin, dans la collection Benoît Galland (communication personnelle 2020), l’existence d’un exemplaire de l’édition Soirat présentant des clefs autographes marginales, dont voici quelques exemples :

Léon Bloy, clef autographe marginale dans un exemplaire de l’édition Soirat. Collection et photo Benoît Galland
Léon Bloy, clef autographe marginale dans un exemplaire de l’édition Soirat. Collection et photo Benoît Galland
Léon Bloy, clef autographe marginale dans un exemplaire de l’édition Soirat. Collection et photo Benoît Galland

[38] Léon Bloy, Exégèse.

MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (16) : AUTEURS VS. ACTEURS

MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (16)


AUTEURS VS. ACTEURS

Sans même parler des dramaturges, le monde du théâtre et du spectacle a toujours exercé une importante fascination sur les auteurs, qui l’ont décrit à plaisir dans leurs mémoires et mis en scène dans leurs poèmes ou leurs romans. Pour ne parler que de quelques noms du XIXe siècle (parmi tant d’autres), le facétieux jeune Mérimée alla jusqu’à usurper l’identité et les traits d’une prétendue actrice espagnole créée de toutes pièces, Clara Gazul[1], quand Théodore de Banville, quelques années plus tard, donna ses titres de gloire aux clowns et pierrots funambulesques[2]. Même fascination chez Edmond de Goncourt qui fut un historien minutieux du théâtre du XVIIIe siècle, donnant les premières biographies de certaines des plus grandes actrices du Siècle des Lumières (comme La Sainte-Huberty [1882][3] ou Mademoiselle Clairon [1890][4], établies sur une documentation venant souvent de sa propre collection). Quant à Daudet, on retrouve plusieurs chapitres de ses livres de souvenirs évoquant ce milieu du théâtre, et même un ouvrage entier : Entre les frises et la rampe (1894)[5].

J’avais donc envie de consacrer cette nouvelle chronique à certains exemplaires de ma bibliothèque relevant de cette thématique, non pas en listant des pièces de théâtre (cela aurait vite été fastidieux[6] !), mais en privilégiant les rapports personnels entre auteurs et monde du théâtre (en premier lieu acteurs et actrices, mais aussi directeurs de salle, metteurs en scène, etc.). Ces rapports se concrétisent ici par une vingtaine de documents : des études monographiques dans certains cas (Janin, Goncourt), des provenances (la Clairon), mais aussi et surtout par des lettres ou envois autographes échangés entre des auteurs et leurs acteurs ayant incarné les personnages sortis de leur imagination. Depuis le milieu du XVIIIe siècle jusqu’au début des années 1970, voici quelques tandems qui font se croiser Victor Hugo, Lucien Guitry, Jules et Edmond de Goncourt, Lino Ventura, Pierre Louÿs, Porel, Octave Mirbeau, Rachel, Edmond Rostand, Polaire, etc. Montez donc sur scène pour parcourir quelques morceaux d’histoire théâtrale souvent hauts en couleurs ! Attention, silence… Tam-tam-tam-tam. Tam. Tam. Tammm. Lever de rideau.

I. Hauteroche et LA CLAIRON (vers 1750)

Sur l’auteur : fils d’un huissier voulant devenir comédien, Noël Le Breton (v. 1630 – 1707), dit le sieur de Hauteroche, commença sa carrière au théâtre du Marais avant de gagner celui de Bourgogne, se retirant en 1684 avec une pension de 1000 livres. Acteur célèbre, il connut aussi le succès comme auteur, ses pièces valant surtout par leur vivacité et leurs rebondissements, moins par leur valeur psychologique. Elles parurent entre 1668 et 1691.

Mademoiselle Clairon en Médée, par Charles-André Van Loo

Sur la provenance : depuis mes années d’étudiant, après les incontournables péchés de jeune collectionneur, je m’abstiens en général comme de la peste des tomes isolés. Mais ce tome d’une réédition des Œuvres de  Hauteroche parue en 1742 méritait l’attention en raison de sa provenance : il appartint en effet à la plus grande actrice et tragédienne du XVIIIe siècle : Claire Léris (1723-1803), dite Mademoiselle Clairon. Venue d’une famille très modeste (origine qu’elle tenta par la suite à embourgeoiser en prenant le patronyme de « Léris de La Tude », alors qu’elle était la fille d’un sergent et d’une batelière),  elle débuta sa carrière à la Comédie-Italienne en 1736. Reçue à la Comédie-Française en 1743, elle triompha dans le rôle de Phèdre et fit évoluer peu à peu son art vers plus de vérité, d’authenticité et de naturel dans le jeu, supprimant aussi les perruques, les robes extravagantes pour plus de dépouillement. Elle joua dans des pièces de Marivaux, Racine, Corneille, Crébillon, Marmontel, et surtout Voltaire, dont elle créa certaines des plus grandes tragédies. Plébiscitée  par Diderot et d’autres éminents philosophes, elle fut aussi une grande collectionneuse, à la tête d’un cabinet de curiosités (momie égyptienne, livre malabar, parasol en plumes d’autruche, etc.) et d’une collection de tableaux et d’estampes (notamment de Rembrandt) que la fin de sa relation avec le comte de Tourves l’obligea à vendre en 1773[7]. Devenu la maîtresse du margrave d’Ansbach, elle y demeura dix-sept ans, pour revenir à Paris au début de la Révolution. Réfugiée chez sa fille adoptive, elle  mourut oubliée et ruinée.

Selon le discours de réception d’Alfred de Vigny à l’Académie le 29 janvier 1846, son prédécesseur, Charles-Guillaume Etienne (1777-1845), avait  « connu une imposante et très-dramatique personne qui, dans sa vieillesse, l’accueillait avec des sentiments tout maternels. C’était la grande tragédienne de Voltaire, mademoiselle Clairon, qui lui légua sa bibliothèque, comme à Voltaire enfant Ninon avait légué la sienne. – On voit que le théâtre faisait les premiers pas vers lui. – Des feuilles de ces livres moqueurs sont sortis sans doute les esprits familiers de la comédie et du journal qui, toute sa vie lui parleront à l’oreille ». Comme le décrit Edmond de Goncourt, « les livres de Clairon, généralement reliés en veau, portent sur le plat en caractères d’or : Mlle Clairon »[8]. Il possédait lui-même les Œuvres de Saint-Evremond ayant appartenu à l’actrice[9]. Les reliques de la Clairon sont aujourd’hui aussi peu communes qu’émouvantes.

Noël Le Breton (v. 1630-1707), dit le sieur de Hauteroche, Les Œuvres de théâtre de Monsieur de Hauteroche [Tome second], Paris, Compagnie des Libraires associés, 1742. Exemplaire de la Clairon. Inv. 167.

Comme je le disais plus haut, Edmond de Goncourt consacra en 1890 une importante biographie à Mademoiselle Clairon : en voici l’exemplaire n°2 sur Japon, offert à Julia Daudet.

II. VICTOR HUGO et Salvador (1851)

Le texte : « Pourriez-vous, Monsieur, disposer en ma faveur d’une loge pour la représentation de ce soir. Je vous en serais obligé. Recevez, Monsieur, avec mes remerciements, l’assurance de ma considération très distinguée, Victor Hugo. Mercredi 5 novembre. Monsieur Salvador, administrateur de l’Ambigu ».

Seul « portrait » retrouvé de l’acteur Salvador !

Le contexte : élu membre de l’Assemblée législative en 1849, Victor Hugo rompit avec le président Louis-Napoléon Bonaparte après le soutien de ce dernier au retour du pape à Rome. Entré dans l’opposition, il participa à la ligne éditoriale du journal Le Bien-Être universel, qui se qualifiait de « Moniteur du progrès social » et parut de février à novembre 1851. Cela explique que la présente lettre soit rédigée sur un papier à en-tête de ce journal. Le destinataire en était Jean-Baptiste Tuffet, dit Salvador (1803-1873), acteur et dramaturge devenu l’administrateur et secrétaire général du Théâtre de l’Ambigu-Comique. Je n’ai malheureusement pas pu identifier la pièce que Hugo voulait aller voir ce soir-là en sortant des locaux du journal.

Un mois après ce courrier, le prince-président lançait son coup d’Etat, le 2 décembre 1851. Se sachant sur la liste des proscrits, Hugo tenta de s’enfuir, puis se ravisa et voulut se constituer prisonnier, mais un commissaire refusa de l’arrêter. Il prit alors le chemin de l’exil vers Bruxelles, puis Jersey.

Victor Hugo (1802-1885), lettre autographe signée à Salvador, administrateur du Théâtre de l’Ambigu-Comique. S.l. [Paris], mercredi 5 novembre [1851]. Une page sur un bi-feuillet in-8°, à en-tête du journal « Le Bien-Être universel ». Adresse autographe au verso : « Monsieur l’administrateur du théâtre de l’ambigu », avec les mentions « Victor Hugo » et « Pressé ». Ajout manuscrit : « une loge 4 places, Salvador », avec date « 5 novembre » au composteur avec cachet humide du théâtre. Inédit. Inv. 2132.

III. JULES JANIN et Rachel (1859)

Le texte : Jules Janin (1804-1874) fut avant tout un romancier, révélé par le succès de L’Ane mort et la femme guillotinée, roman fantastique paru en 1829. Il donna aussi des contes, des nouvelles et de nombreux volumes d’histoire. Janin fut aussi un bibliophile de goût, auteur de L’Amour des livres, un ouvrage toujours très recherché. Il écrivit enfin de nombreux ouvrages sur l’histoire du théâtre, des acteurs et actrices : Mademoiselle Mars en 1843, et surtout ce Rachel et la tragédie, l’un des tous premiers livres au monde à être illustré de photographies. La célèbre Rachel Félix (1821-1858) redonna son lustre aux tragédies classiques de Corneille ou Racine, boudées par les romantiques. Sa célébrité était énorme dans toute l’Europe. Morte de tuberculose, pleurée par tout Paris, elle laissa un enfant de sa liaison avec le comte Waleski, fils naturel de Napoléon : les actuels comtes Waleski sont leurs descendants.

Les photographies illustrant ce volume furent réalisées par Henri de La Blanchère : elles représentent Rachel dans ses principaux rôles (Hermione, Camille, Monime, Phèdre, Roxane, Athalie), ainsi qu’au naturel, copiant son portait par Muller (frontispice). Ces tirages précieux sur papier albuminés furent collés individuellement sur les planches hors-texte. Selon Clouzot, il existe « quelques exemplaires (50 ?) grand in-4, avec les photographies aggrandies (premier ouvrage ayant utilisé ce procédé ?), le plus souvent richement reliés. Très recherché dans cette condition. Existe avec fer de reliure représentant Rachel sur scène »[10].

La provenance : esprit ouvert et cultivé, Charles Monselet (1825-1888) était, tout comme son ami intime Janin, un polygraphe de génie, livrant aussi bien des romans ou des pièces (Ariel, drame fantastique en 1845) que des études historiques (Histoire du Tribunal révolutionnaire en 1852, Les Galanteries du XVIIIe siècle en 1862). Mais il fut avant tout, comme Brillat-Savarin, l’un des plus grands « écrivains gastronomiques » du XIXe siècle. Depuis toujours amateur de bonne chère, il franchit le pas justement en 1859 en publiant son premier ouvrage lié à l’art culinaire : La Cuisinière poétique, aujourd’hui très recherché des amateurs. Puis, entre 1862 et 1869, vient la série des Almanachs gourmands ; en 1874, sa Gastronomie, récits de table ; en 1877, ses Lettres gourmandes ; en 1880, les périodiques Mois gastronomiques et les « Dindons de la farce. On voit le pourquoi des « agapes » rappelées par Janin dans sa dédicace. Par ailleurs, ce Rachel ne pouvait que passionner Monselet qui livra lui-même de nombreux écrits sur l’histoire du théâtre : Les Tréteaux, en 1859 ; Les Femmes qui font des scènes, en 1865 ; Les premières représentations célèbres, ainsi que Acteurs et actrices, en 1867 ; Chanvallon – Histoire d’un souffleur de la Comédie-Française en 1872 (exemplaire offert à Théodore de Banville : voir note [11]); ou encore Une troupe de comédiens, en 1879.

Jules Janin, Rachel et la tragédie, Paris, Amyot, 1859. Provenance : Charles Monselet (1825-1888, écrivain) (envoi autographe : « Pour mon cher et fidèle / Charles Monselet, / en souvenir de nos / fraternelles agapes. / Vous auriez préféré certes / des recettes inédites. / Consolez-vous en pensant / que le théâtre, en son genre, / est un genre de cuisine. / Bien affectueusement, à vous / Jules Janin » ; ex-libris portant son nom sur papier photographique glacé, gratté ; reproduction d’un autre de ses ex-libris gravés). Inv. 555.

IV. JULES DE GONCOURT et Gisette (1863)

Le texte : « Madame et ami [sic], Voici ma prise de Pékin. Mon monstre, celui du couvercle, et moi, nous vous souhaitons la bonne année. Vous savez que ces bêtes-là avalent les mauvais sorts en Chine. Je désire de tout mon cœur qu’il en soit de même à Paris. Et je vous embrasse avec la permission des autorités, Jules de Goncourt ».

Si on trouve deux bustes de D’Ennery dans le musée du même nom, impossible de trouver la moindre représentation de sa femme, la vraie collectionneuse !

Le contexte : à l’époque de cette lettre, Clémence Lecarpentier (1823-1898), veuve Desgranges, est encore très connue à Paris sous le sobriquet de « Gisette ». Actrice modeste, elle est devenue au début des années 1850 la maîtresse d’un auteur dramatique en pleine ascension, Adolphe d’Ennery (1811-1899). Ce dernier, surnommé « le Shakespeare du peuple » et dénigré comme un « fabricant de pièces » (il en a écrit plus de 250 !), remplissait les salles… et son portefeuille. Ce qui permit à son amie de quitter les planches et de commencer sa véritable passion : la collection d’objets asiatiques (chinois et japonais), dont elle devint l’un des plus grands spécialistes de son époque.

« Si vous veniez voir mes monstres ? » : ainsi invita-t-elle Jules de Goncourt, en 1859,  à visiter sa collection, alors installée rue de l’Echiquier. Les frères Goncourt partageaient cette passion pour les « chinoiseries » (Edmond devait, trente ans plus tard, être l’un des principaux acteurs de la mode du « japonisme »). La collection Desgranges était alors constituée de 150 chimères chinoises, point de départ modeste au regard des 7’200 pièces que compta finalement cet ensemble extraordinaire (légué à l’Etat en 1899 et aujourd’hui musée présentant les lieux dans leur état d’origine, en un magnifique hôtel particulier de l’avenue Hoch). L’écrivain, pourtant avare de compliments, ressortit enchanté de sa visite et devint l’un des habitués de la maison, évoqua dans son Journal « un des plus singuliers salons du monde », « la ménagerie de la fantaisie », « toutes les chimères d’un rêve d’opium ». Il est vrai qu’avec son parler un peu cru, ses manières de théâtre, la vive et séduisante Clémence Desgranges faisait tourner les têtes et attirait à ses dîners les meilleurs auteurs et artistes du moment.

Ce billet un peu cryptique « était accompagné comme étrennes, d’un brûle-parfum en bronze du Tonkin, dont le couvercle était formé par un chien de Fô ». C’est Edmond de Goncourt lui-même qui expliqua ce contexte, en reproduisant cette lettre dans son édition de la correspondance de son frère en 1885, chez Charpentier. S’il établit la date du courrier (« Janvier 1863 »), tout en donnant en note des explications sur son contenu, il ne livra en revanche pas l’identité de la destinataire, remplaçant son nom par « A Madame *** » (ce qui en fait d’ailleurs la seule destinataire anonyme de tout le recueil). A noter que la mention de « la prise de Pékin » renvoyait avec humour à une pièce de même titre écrite par D’Ennery deux ans plus tôt (La Prise de Pékin, drame militaire à grand spectacle en cinq actes et onze tableaux, représenté pour la première fois au Théâtre Impérial du Cirque le 27 Juillet 1861).

Jules de Goncourt, billet autographe signé [à Clémence Desgranges-Dennery, dite Gisette]. S.l. [Paris], s.d. [janvier 1863]. Une page à l’encre noire, sur un bi-feuillet in-8° de papier bleu. Inv. 1591.

Bibliographie : Jules de Goncourt, Lettres, Paris, Charpentier, 1885, p. 193. Sur le Musée d’Ennery, voir un très joli article de Laurence Mouillefarine paru dans la Gazette Drouot en 2018.

V. GEORGE SAND et Edmée Ramelli (1864)

Sur l’œuvre : George Sand effectua un voyage en Auvergne en juin 1859. De ce séjour découla l’action de trois romans : Jean de la Roche, La Ville noire et Le Marquis de Villemer. Dans ce dernier, le Velay est le lieu des racines et de l’authenticité, opposé à Paris, aristocratique et artificiel. L’intrigue amoureuse entre le marquis de Villemer et la belle Caroline de Saint-Geneix se déroule au cœur des paysages visités par la romancière : Le Puy-en-Velay et sa cathédrale, Espaly et ses orgues, Polignac et son château forment le théâtre de cet amour grandissant. Quant aux Estables, sur les flancs du mont Mézenc, elles jettent la lumière crue d’un beau soleil levant sur un épilogue parfaitement maîtrisé. Le Marquis de Villemer complète le cycle des romans auvergnats de George Sand. Il met en scène de façon très réaliste une paysannerie encore anonyme et une aristocratie à l’influence finissante. Le succès du roman sorti en  provoqua son adaptation sur la scène, d’où cette pièce de même nom, créée le 29 février 1864 au théâtre de l’Odéon. Plusieurs éléments contribuèrent à faire de cette pièce intimiste, dont la mésalliance et les préjugés de classe sont au centre de l’intrigue, un événement parisien et médiatique. La distribution, sa connaissance du jeu dramatique et son style en rupture avec l’indigence de la production théâtrale contemporaine, firent du Marquis de Villemer une véritable réussite. Elle avait en outre bénéficié de l’appui et des conseils de Dumas fils.

Portrait photographique d’Edmée Ramelli, par Pierre Petit

Sur la provenance : de son vrai nom Edmée Broussin, l’actrice Edmée Ramelli (morte en 1899) a créé le rôle de la marquise de Villemer. Maîtresse du fils de George Sand, Maurice, qui la surnommait parfois « la Maussadina » en rainson de ses caprices, elle n’était guère aimée par la sœur de son amant, Solange Sand, qui précisa sur une lettre qu’ « elle était très brune et de caractère exigeant ».

Inv. 2460 – George Sand, Le Marquis de Villemer, Paris, Michel Lévy Frères / A la Librairie nouvelle, 1864. In-8°, de 1 f. bl., 2 ff. n.fol., 165 pp. et 2 ff. bl. Demi-reliure de chagrin maroquiné cerise, dos à nerfs orné de filets gras à froid, filets en pointillés dorés sur les nerfs, triples caissons d’encadrement dorés, titre doré, toutes tranches mouchetées (reliure de l’époque). Provenance : Edmée Ramelli (18..-1899, Edmée Broussin, dite…, actrice, créatrice du rôle de la marquise de Villemer) (envoi autographe : ‘ »à l’excellente artiste / et femme Mlle / Ramelli / G. Sand »).

VI. ALBERT GLATIGNY et Coquelin aîné (1867)

Sur le texte : la bibliographie du poète, dramaturge et acteur Albert Glatigny (1839-1873), ami intime de Banville et grand représentant de la Bohème littéraire sous le Second Empire, comporte de nombreuses pièces courtes, des « prologues » donnés pour l’ouverture de salles théâtres. Ainsi, L’Ombre de Callot, en 1863, pour l’inauguration du théâtre de Nancy, qui fut sa première pièce. Le présent Prologue est sa deuxième pièce de théâtre, écrite à l’âge de 18 ans : elle fut représentée pour l’ouverture du Théâtre des Délassements comiques (dirigé par Hugot et Maillot), le samedi 4 mai 1867. L’œuvre est dédiée à Mme Raynard. La bibliographie des œuvres de Glatigny par Claretie, établie en 1875, ne mentionne que le tirage courant sur papier vergé ; Clouzot complète en indiquant « quelques Hollande et 5 Chine ».

Raimundo de Madrazo y Garreta, « Portrait de Coquelin aîné dans le rôle de Don César du « Ruy Blas » de Victor Hugo », 1879. Collection privée. Source : WikiCommons

Sur la provenance : Benoît-Constant Coquelin (1841-1909), dit Coquelin aîné, demeure l’un des plus importants acteurs de son temps. Actif à la Comédie française entre 1864 et 1886 (rcéant plus de 40 rôles), puis en tournée dans le monde avant de prendre la direction du Théâtre de la Porte Saint-Martin en 1896. L’année suivante, il crée le rôle de Cyrano de Bergerac dans la pièce de Rostand, ce qui lui assurera une gloire éternelle. Glatigny lui dédia un Prologue d’une comédie bouffonne en 10 quatrains, paru dans le recueil Les Flèches d’or en 1864. C’est peut-être grâce à Coquelin que Glatigny obtint l’emploi de rédacteur en chef du journal Vichy-Saison. En 1868, Glatigny dédia à Coquelin sa première pièce d’importance, Le Bois, comédie en un acte. Pendant le siège de Paris encore, Coquelin cadet donne à lire à Edouard Thierry « des vers de Glatigny pour l’anniversaire de Corneille » : preuve que l’amitié de Glatigny s’étendait aux deux frères.

Inv. 2432 – Albert Glatigny, Prologue représenté pour l’ouverture du Théâtre des Délassements-Comiques…, Paris, Alphonse Lemerre, 1867. In-12, de 16 pp. Broché, sous couvertures imprimées jaunes. Provenance : Benoît-Constant Coquelin, dit Coquelin aîné (1841-1909, acteur et directeur de théâtre, créateur du rôle de Cyrano de Bergerac) (envoi : « à mon cher Coquelin, Albert Glatigny »).

VII. VICTOR HUGO et Ritt & Larochelle (1873)

Le texte : « Mes chers directeurs, je croyais (à tort) à la répétition le jour ; je ne suis malheureusement jamais libre le soir, à cause de mon fils qui a besoin de moi. Est-ce que les répétitions ne sont plus possibles le jour ? Je compte pourtant que vous me ferez la grâce de dîner un de ces soirs avec moi, je ne pourrai venir ce soir. Ecrivez-moi, je vous prie, un mot qui me fixe, et recevez mon plus cordial serrement de main, Victor Hugo ».

Le tandem Larochelle et Ritt

Le contexte : cette lettre inédite s’inscrit dans le cadre de la reprise de la pièce Marie Tudor, jouée pour la première fois en 1835, avec Juliette Drouet dans le rôle-titre. Dès 1872, Eugène Ritt (1817-1898) et Henri Larochelle (1827-1884), acteurs devenus les directeurs du Théâtre de la Porte-Saint-Martin[12], avaient demandé à Hugo de pouvoir reprendre l’une de ses pièces, leur choix s’étant fixé sur Le Roi s’amuse. La correspondance échangée entre Hugo, alors à Guernesey, et son disciple Paul Meurice témoigne des étapes du montage de la pièce, entre l’automne 1872 et le début de juillet 1873, avec notamment moult discussions autour du choix des acteurs, finalement confirmé par une lettre adressée à Ritt et Larochelle, en date du 29 juin 1873. Mais, le 2 juillet, les journaux annoncèrent que la pièce, tendancieuse vis-à-vis de tout pouvoir, était interdite par le général de Ladmiraut, par la seule vertu de l’état de siège ! Deux jours plus tard, les directeurs du théâtre indiquent à Hugo qu’ils vont finalement reprendre Marie Tudor. Nouveaux échanges de correspondance sur la distribution au cours de l’été 1873 : sont retenus Dumaine pour le rôle de Gilbert, Marie Laurent pour celui de Marie Tudor, Jane Essler enfin pour celui de Jane. Dès le 7 juillet, Hugo confirme à Meurice : « On peut mener Marie Tudor aussi vite qu’on voudra. Dites-le de ma part à MM. Ritt et Larochelle ». A la fin de l’été 1873, il est de retour à Paris pour les premières répétitions. Il y retrouve son fils François-Victor, très malade depuis plus d’un an (atteint d’une grave tuberculose rénale), sans que son père en ait eu tout de suite conscience. En juillet, Edmond de Goncourt avait vu le père et le fils, côte à côte, et était revenu effrayé par l’inévitable comparaison entre l’homme âgé, mais plein de vie, et son fils, miné par la maladie, à la figure crayeuse, déjà annonciatrice de la mort, qui finalement le prendra « après une agonie d’un an », le 26 décembre 1873. Dans notre lettre, Hugo indique bien, en effet, que la santé de son fils le préoccupe et que ces soirées doivent être libres. Certes, mais cette raison n’est pas la seule !

En effet, à cette même époque, Hugo, âgé de 71 ans, entretient une relation passionnée avec une jeune femme d’une vingtaine d’années, Blanche Lanvin, que Juliette Drouet a commis l’erreur de prendre à son service. La liaison dure maintenant depuis le début de 1872 et la fine Juliette commence à avoir des soupçons, à juste titre d’ailleurs : les petits carnets écrits au jour le jour par Hugo attestent qu’après chaque répétition de Marie Tudor, c’est sa jeune maîtresse qu’il court retrouver en fin d’après-midi-début de soirée, revenant ensuite dîner en famille avec Juliette et, effectivement, son fils ! C’est d’ailleurs trois jours plus tard qu’éclate le drame : le 19, Juliette ouvre une lettre de Blanche, adressée à Hugo, mais signée heureusement « Cosette ». Comprenant néanmoins que son ami entretient une nouvelle liaison, elle part dans l’instant, en empruntant 200 frs à son couturière, alors qu’il y avait 120’000 frs d’actions au porteur dans son tiroir ! Elle laisse une lettre de rupture que Hugo retrouve le soir : désespéré, il entreprend des recherches fiévreuses pendant plusieurs jours, télégraphiant à tour de bras, pour finalement la retrouver à Bruxelles, réfugiée chez son neveu Louis Koch. Il note : « Tous les supplices à la fois. Nécessité du secret : je dois garder le silence et avoir mon air normal. Pas de torture pareille. Je vais à mes répétitions (lundi soir), j’ai des amis à dîner (dimanche chez Victor) … ». Finalement, Hugo trouvant un « alibi », Juliette accepte de revenir le 26 Septembre : « j’ai été dire à la Porte St. Martin que je n’assisterais pas à la répétition générale de Marie Tudor ». Il attend en effet le train de Juliette, debout sur un quai de la gare du Nord, pendant plus d’une heure. Enfin, elle arrive : retrouvailles et grand bonheur de Juliette que Hugo emmène quelques jours plus tard à une représentation de Marie Tudor, dont la première aura eu finalement lieu le 27 septembre 1873, remportant un véritable triomphe (Hugo n’y assistait pas, selon son habitude : il dînait chez lui avec Juliette et François-Victor). Mais, pour être honnête, reconnaissons que Hugo, lorsqu’il dit être déjà pris pour le soir de ce 16 septembre, ne pensait pas à son adorée Blanche : au terme de cette journée qui avait vu les troupes prussiennes évacuer la France et – coïncidence ? – sa propre plaquette La Libération du Territoire sortir en librairie, l’ « Homme-Océan » avait invité pour dîner Mme Hollis, une médium américaine très réputée. Après le dîner eut lieu une séance de spiritisme, domaine qui passionnait Hugo depuis son exil. Et ce soir-là, – coïncidence ? -, c’est la première femme qu’aima Hugo qui se manifesta : sa femme légitime, Adèle, à cette époque morte depuis cinq ans… De l’au-delà, elle lui affirma être très heureuse…

Victor Hugo (1802-1885), lettre autographe signée à Ritt et Larochelle, s.l. [Paris], « mardi 16 » [septembre 1873]. Une page à l’encre noire, sur un feuillet in-16. Au verso : identification des destinataires par une note manuscrite d’époque au crayon. Montée en tête d’une édition de Lucrèce Borgia – Marie Tudor – Angelo (Paris, Lemerre v. 1895). Provenance : A.T. (vignette ex-libris gravée, avec initiales entrelacées, épée et plume croisées et la devise « Vita sine litteris est mors »). Inv. 469.

Bibliographie : Nicolas Ducimetière, article « Victor Hugo, auteur et père : une lettre inédite autour de la reprise de Marie Tudor (1875) », publié sur le site du « Groupe Victor Hugo » de la Sorbonne. Accessible via :

http://groupugo.div.jussieu.fr/Groupugo/Textes_et_documents/Lettre_VH_16-09-1873.htm

VIII. FRANCOIS COPPÉE et Eugénie Doche (1876)

Sur l’œuvre : issu d’un milieu modeste, François Coppée fut le poète populaire et sentimental de Paris et de ses faubourgs, des tableaux de rue intimistes, du monde des humbles : rencontrant un grand succès avec ses recueils et ses pièces, il devint archiviste de la Comédie-Française en 1878, puis fut élu à l’Académie française en 1884. Le Luthier de Crémone raconte l’amour malheureux d’un apprenti-luthier de génie, mais bossu, pour la fille de son patron. Bien qu’ayant gagné le concours qui devait le marier à la jeune fille, il décide, par esprit de sacrifice, de laisser la place à son rival. Ecrit à Milan en mars 1876, ce manuscrit est donc antérieur de deux mois à la première représentation de la pièce, donnée à la Comédie-Française le 23 mai 1876. Ayant reçu un accueil triomphal (selon un télégramme à Eugénie Doche : « Première hier. Hurlement. Très grand succès. Ecrirai détails. Amitiés »), la pièce fut imprimée peu après par Lemerre (tirage de tête : 12 Chine et 6 Whatman).

Eugénie Doche vers 1850

Sur la provenance : François Coppée avait rencontré la grande actrice Eugénie Doche (1823-1900), créatrice du rôle de la Dame aux Camélias (« quand une artiste a ce talent, elle devient une collaboratrice », avait affirmé Dumas fils) dès ses débuts littéraires et leur liaison avait beaucoup fait jaser, notamment en raison de leur différence d’âge (Goncourt parlant méchamment le 25 janvier 1876 de « l’accouplement d’un squelette avec un fœtus moisi »). Leur amour se changea en une amitié qui dura jusqu’à la mort d’Eugénie Doche. Coppée lui offrit toutes ses œuvres, dédicacées au fur et à mesure de sa carrière, ainsi que toute une série de manuscrits (pièces ou poèmes épars) qu’elle faisait relier de manière uniforme par Pierson, en vélin blanc avec titrage aux encres de couleur.

François Coppée (1842-1908), Le Luthier de Crémone, manuscrit autographe signée, Milan, mars 1876. Envoi autographe : « A Eugénie Doche, ce manuscrit autographe est offert par son ami dévoué, François Coppée ». Inv. 1880.

 IX. ALPHONSE DAUDET et Gustave Worms (1877)

Sur l’œuvre : dans ce roman parisien, Daudet décrit une fois de plus un aspect de la vie dans la capitale sous le Second Empire, à travers les affaires, la politique et les mœurs. Fournissant en perles de jouvence le duc de Mora, un haut dignitaire de l’Empire, le docteur Jenkins lui présente Jansoulet, dit « le Nabab », un aventurier de basse extraction qui a réalisé une colossale fortune en Tunisie. Depuis son retour en France, de nombreux solliciteurs gravitent bien sûr autour de ce « Nabab », à l’indignation de son secrétaire, l’honnête Paul de Géry. Le roman fut adapté au théâtre dans une pièce de même titre, représentée pour la première fois au Théâtre du Vaudeville le 30 janvier 1880.

Worms dans le rôle de Charles-Quint

Sur la provenance : fils d’un contrôleur-en-chef de l’Opéra-comique, Gustave Worms (1836-1910) entra à la Comédie-Française en 1858, devenant sociétaire en 1863. Mais ce titre ne fut pas confirmé par le ministère et Worms partit pour Saint-Pétersbourg où il joua au Théâtre-Michel. Rentré en 1875, il fut engagé au Théâtre du Gymnase, avant que la Comédie-Française ne le réclame en 1877. Ce retour fut plus que brillant et Alphonse Daudet le loua notamment pour son rôle de Charles-Quint dans la reprise d’Hernani de Hugo en novembre 1877 : « nous n’avions vu M. Worms que dans ces rôles de jeune premier où il apportait d’éminentes qualités de diction, de chaleur, de jeunesse (…) Mais le Charles-Quint de l’autre soir nous a montré en outre une science exquise de composition, une rare possession de soi-même, enfin des facultés d’étude (…) Tour à tour hautain, passionné, ironique, Worms a notamment enthousiasmé la salle par la façon dont il interprète l’incomparable monologue du 4e acte. (…) Des bravos prolongés l’ont bien récompensé de ses efforts ». Daudet offrit sans doute son Nabab, paru depuis peu, à la suite de cette mémorable représentation.

Alphonse Daudet (1840-1897), Le Nabab, Paris, Charpentier, 1877, édition originale. Provenance : Gustave Worms (1836-1910, acteur, sociétaire de la Comédie française, époux de la comédienne et sociétaire Blanche Barreta [1855-1939]) (envoi : « à Worms, avec tous mes bravos, Alphonse Daudet ») ; Librairie Eric Fosse (Paris). Inv. 1074.

X. EDMOND DE GONCOURT et Paul Porel (1882)

Sur l’œuvre : appartenant à la série des romans féminins de Goncourt, La Faustin a pour décor l’univers du théâtre et comme protagoniste une comédienne, Juliette Faustin, employée au Théâtre-Français. Elle se perd au contact d’un amant anglais, William Rayne, personnage trouble, ambigu et débauché. Goncourt initiait là le type littéraire du pédéraste-sadique.

Paul Porel, photographié par Nadar

Sur la provenance : La Faustin connut un succès immédiat, appuyé par une grande campagne de presse et de publicité. Encouragé, Goncourt travailla dans la foulée à une adaptation pour le théâtre, entre mai 1892 et septembre 1893. Il la proposa d’emblée à son vieil ami Paul Porel (1842-1917). Ce dernier, acteur, directeur de théâtre et mari de la très célèbre comédienne Réjane, avait déjà monté toutes les autres pièces de Goncourt depuis 1884 et avait repris, après sa démission de l’Odéon, l’immense « Eden-Théâtre », rebaptisé « Grand-Théâtre » (et en faillite dès 1893). Comme le prouve cet exemplaire, Goncourt voulait depuis longtemps adapter son roman sous la mise en scène de Porel avec « Sarah Bernard » (sic) dans le rôle-titre. De fait, le 17 octobre 1893, la pièce fut lue chez Sarah Bernhardt, qui montra peu d’enthousiasme. Puis ce fut au tour de Goncourt d’être déçu après avoir vu l’actrice jouer : « Eh bien, cette voix d’or, c’est très joli pour des vers peut-être, mais elle est d’un factice, d’un artificiel qui fait qu’elle n’est pas la voix qu’il faut pour un drame moderne » (Journal, 5 novembre 1893). Pour finir, le 22 février 1894, Sarah Bernhardt renvoya à Goncourt le manuscrit de La Faustin sans un mot d’explication. En juin 1896, Jules Claretie proposa à Goncourt de monter la pièce au Théâtre-Français ; même proposition d’Antoine pour l’Odéon. En fait, la pièce ne sera jamais jouée en France et ne sera publiée qu’en 1910 grâce à Léon Hennique, président de l’Académie Goncourt et ami de l’auteur.

Edmond de Goncourt (1822-1896), La Faustin, Paris, Charpentier, 1882, édition originale, avec envoi autographe : « A Porel, son très reconnaissant Edmond de Goncourt, qui lui demande de voler une heure à son théâtre pour lire ça, et lui indiquer, s’il sait diable qui pourrait en faire une pièce – une pièce qui serait curieuse à voir jouer par une Sarah Bernard ou une sous Sarah Bernard ») [NB : cet envoi date peut-être des premiers contacts entre Porel et Goncourt, vers 1885, car l’auteur ne parle pas encore d’écrire l’adaptation lui-même et orthographie mal le nom de Sarah Bernhardt]. Inv. 810.

XI. EDMOND DE GONCOURT et Albert Lambert (1885)

Sur l’œuvre : drame en trois actes et en prose, Henriette Maréchal avait été représenté pour la première fois à la Comédie Française le 5 décembre 1865, causant un grand scandale, les représentations étant fort chahutées (c’est à l’occasion de l’une d’elle que Daudet rencontra sa femme). Vingt ans plus tard, la pièce fut reprise par la prestigieuse troupe de l’Odéon et donna lieu à cette nouvelle édition, précédée d’une préface inédite d’Edmond de Goncourt.

Albert Lambert père
Albert Lambert fils

Sur la provenance : parmi les acteurs de cette reprise de 1885 figuraient un père et un fils : les Lambert. Acteur des boulevards, puis au Théâtre de l’Odéon à partir de 1880, (Léon)-Albert Lambert (1847-1918) interprétait, dans la pièce de Goncourt, le personnage de Pierre de Bréville (soi-disant ex-consul à Caracas et chercheur d’or en Californie), quand son fils, (Raphaël-)Albert Lambert (1865-1941, future star de la Comédie-Française) jouait le rôle de Paul de Bréville. Selon le Journal, Lambert fils, « jeune cabot du Quartier latin », s’était attiré une remarque méprisante de Léonide Leblanc durant les répétitions : « Vous mettrez des bottines vernies ? Mais vous aurez l’air d’un étudiant sur son trente-deux. C’est étonnant que vous ne puissiez pas vous habituer à ressembler à des gens du monde ! » (26 fév. 1885). Quant au père, il s’attira l’ironie de Goncourt au cours des mêmes répétitions : « “Ne croyez-vous pas que comme consul à Caracas, je ne devrais pas porter une décoration étrangère … une décoration ridicule, la décoration du « Lapin blanc de Sumatra » ?”. C’est Lambert aîné, parlant sur le ton de blague, mais au fond très désireux d’avoir un ordre étranger à sa boutonnière » (27 fév. 1885). L’interprète de M. Maréchal demandera d’ailleurs le même jour à Goncourt d’affubler son personnage du ruban rouge de la Légion d’honneur ! La générale eut lieu le 2 mars au soir et la première, le lendemain, fut un grand succès. Mais cela dura peu : si la pièce ne provoqua pas les mêmes réactions passionnées qu’en 1865, elle ne trouva pas son public et dut cesser, dans l’indifférence, au bout de deux mois.

Edmond et Jules de Goncourt (1822-1896 / 1830-1870), Henriette Maréchal, Paris, Charpentier, 1885. Provenance : (Léon)-Albert Lambert (1847-1918) (envoi autographe : « A Albert Lambert, Edmond de Goncourt »). Inv. 1252.

XII. ALPHONSE DAUDET et Paul Porel (1896)

Sur l’œuvre : ce second volume du théâtre complet de Daudet contient La Lutte pour la vie, L’Obstacle et Numa Roumestan (inspiré du roman homonyme et créé par Porel au Théâtre de l’Odéon en 1886). La publication du Théâtre de Daudet fut très étalée dans le temps : la première série avait paru chez Charpentier en 1880 avec les pièces de jeunesse (dont L’Arlésienne) ; la troisième série, posthume, contiendra en 1899 les pièces les plus tardives (Sapho, Jack et Le Nabab).

Paul Porel avec son fils, photographiés par Nadar (1905)

Sur la provenance : d’abord comédien, puis directeur du théâtre de l’Odéon fin 1884, Porel (de son vrai nom Paul-Désire Parfouru) modernisa la salle et la programmation, travaillant avec les meilleurs auteurs dramatiques du moment, notamment avec Goncourt (dont il monta plusieurs pièces). Il entretenait avec Daudet les meilleurs rapports et reprit notamment sa pièce L’Arlésienne : créée en 1872 sans le moindre écho, elle fut redonnée au Théâtre de l’Odéon, sous la direction de Porel, le 5 mai 1885, et connut enfin le succès. Le 15 février 1887, il créa à l’Odéon la pièce Numa Roumestan (adaptée du roman du même nom et que l’on retrouve dans le présent recueil), qui rencontre là encore les faveurs du public.

Alphonse Daudet (1822-1896), Théâtre (2e série) : La Lutte pour la vie, L’Obstacle, Numa Roumestan, Paris, G. Charpentier et E. Fasquelle, 1896, première édition collective. Provenance : Paul Porel (1843-1917, acteur et directeur de théâtre, mari de la comédienne Réjane) (envoi autographe : « A Porel, en souvenir, Alph. Daudet »). Inv. 1909.

XIII. ANATOLE FRANCE et Sybil Anderson (1896)

Le texte : « Je veux vous redire encore, Madame, toute la reconnaissance que je vous ai d’avoir fait vivre ma Thaïs d’une vie poétique et profonde. Voluptueuse et pénitente, vous avez égalé et surpassé les rêves du poète. J’emporte de vous vingt images animées et chantantes, plus belles – un autre vous l’a dit – que les peintures des vases grecs et que les figurines de Tanagra. Je vous embrasse, Anatole France. Mes meilleurs souvenirs à votre frère ».

Sybil Sanderson dans le rôle de Thaïs

Le contexte : paru en 1891, le roman Thaïs prend place dans l’Alexandrie du IVe siècle. Après une jeunesse débauchée, Paphnuce, après des années de retraite à la tête d’un groupe de moines cénobites, revient sur les lieux de sa jeunesse pour tirer la comédienne Thaïs d’une vie dissolue qui la conduit tout droit à la damnation. Il y parviendra, la convaincant de rejoindre un couvent. Mais lui-même finira par renier sa foi, s’apercevant qu’il était toujours amoureux de la pécheresse.

« Thaïs » fait la une du « Petit Journal » après la première

Avec quelques adaptations (Paphnuce devenant Athanaël), le roman donna matière à un opéra de même titre composé par Jules Massenet[13]. L’œuvre fut écrite en 1894 pour la soprano Sibyl Sanderson, muse du compositeur à cette époque. Typique de son temps, l’œuvre baigne dans un climat de volupté et de religiosité sulpicienne. Louis Gallet, le librettiste, n’a pas retenu l’aspect sceptique, ironique et discrètement anticlérical du roman d’Anatole France. En revanche, il a organisé le drame de manière rigoureuse et efficace. Le nœud de l’histoire est marqué, à l’acte II, par la célèbre « Méditation religieuse », confiée au violon solo et connue sous le nom de « Méditation de Thaïs », souvent jouée en concert.

Sybil Sanderson jouant Thaïs, face à Delmas (acte II)

La provenance : native de Sacramento, la soprano Sybil Sanderson (1864-1903) chanta surtout un répertoire français. Après des études au Conservatoire de San Francisco, elle vint à Paris compléter sa formation, mais débuta à La Haye, en 1888, sous le nom d’Ada Palmer. Revenue à Paris, elle chanta au Palais Garnier, notamment Gilda et Juliette. Elle fut très admirée de Jules Massenet, qui écrivit pour elle Esclarmonde (1889) et Thaïs (1894). Elle créa aussi Phryné (1893) de Camille Saint-Saëns. Elle paraît aussi à Londres en 1891, à Saint Petersbourg en 1892, puis à New York en 1895 et 1901. Sa grande beauté, ses dons d’actrice, mais aussi sa voix d’une exceptionnelle étendue (trois octaves) lui valurent une grande popularité. Elle se retira de la scène après son mariage et mourut prématurément d’une pneumonie.

Anatole France (1844-1924), lettre autographe signée à la cantatrice Sibyl Sanderson, Paris, 10 mars 1896, deux pages sur un bi-feuillet in-16. Provenance : Sibyl Sanderson (1864-1903, soprano américaine, égérie de Massenet et première interprète du rôle de Thaïs dans l’opéra du même nom en 1894) ; Vente « Livres anciens et autographes », étude Audap et Miraud, Paris, 7 novembre 2012, n° 12. Inv. 1602.

XIV. JEAN RICHEPIN et Caroline-Eugénie Segond-Weber (1897)

Sur le texte et le contexte : si son recueil poétique La Chanson des Gueux lui avait valu dès 1876 une réputation flatteuse, Jean Richepin (1849-1926) se heurta longtemps à l’indifférence du public dans le domaine dramaturgique. Il n’atteignit le plein succès qu’avec sa pièce Le Chemineau, drame de cinq actes en vers représenté pour la première fois au Théâtre de l’Odéon le 16 février 1897, avec dans les rôles principaux Decori (le chemineau) et la tragédienne Segond-Weber (Toinette). Plus de cent soixante représentations devaient suivre sur cette seule scène, sans compter de nombreuses reprises dans le demi-siècle suivant.

Le 16 avril 1897, dans le cadre du spectacle-concert du Vendredi-Saint offert par le Théâtre de l’Odéon, Richepin composa tout spécialement un épilogue (certains dirent un « sixième acte ») à sa pièce, avec un acte isolé, en vers, intitulé La Rose du pauvre : Decori reprenait le rôle du pauvre mendiant, alors que Mme Segond-Weber assumait celui, nouveau, de l’ange. Représentée trois fois avec succès durant l’année 1897, cette courte et émouvante pièce mettait en scène la mort du chemineau, tombant accablé de fatigue sur une grand-route enneigée. L’ange le console, lui assure qu’il trouvera au Ciel le pain et l’idéal qui lui ont toujours manqué ; il tend enfin au mourant sa rose : « La rose du pauvre, la rose tremière / Cette fleur qui fleurit demain / L’espérance dans la lumière ». Le texte fut publié pour la première fois dans La Revue illustrée du 1er juin 1897 (inv. 1598), mais ne fut pas repris dans les nombreuses éditions du Chemineau.

Mme Segond-Weber dans le rôle de Marie (« Les Jacobites » de François Coppée, 1885)

Sur la provenance : l’actrice et tragédienne Caroline-Eugénie Weber, dite Madame Segond-Weber (1867-1945), fut l’une des principales rivales de Sarah Bernhardt. Pensionnaire puis sociétaire de la Comédie-Française entre 1887 et 1926, elle interpréta durant ses quarante années de carrière presque toutes les grandes tragédies du répertoire classique, mais joua aussi dans des pièces de contemporains (Jean Richepin, Anatole France, François Coppée, etc.).

Jean Richepin (1849-1926), La Rose du Pauvre [manuscrit autographe signé], S.l.n.d. [Paris, mars-avril 1897], 7 pp. sur 7 ff. in-folio, reliés en veau glacé café. Provenance : Caroline-Eugénie Weber, dite Madame Segond-Weber (1867-1945, actrice) (envoi : « A Madame Segond-Weber, avec mon affectueuse et admirative gratitude, Jean Richepin »). Inv. 1599.

XV. OCTAVE MIRBEAU et André Antoine (1897)

Le texte : « 3, Boulevard Delessert. Mon cher ami, vous avez encore, je crois une copie, – celle que je vous avais envoyée – de ma pièce. Je vous serais fort obligé de vouloir bien me la faire remettre. Mille remerciements et tout à vous, Octave Mirbeau ».

Le contexte : c’est en 1897 qu’Octave Mirbeau (1848-1917) s’installe dans un bel appartement du 3, boulevard Delessert, à Paris : il y restera domicilié jusqu’à son déménagement avenue du Bois en novembre 1901. Ce billet évoque une célèbre pièce de Mirbeau représentée durant ce laps de temps : Les Mauvais Bergers. L’histoire en est proche de celle de Germinal, présentant le récit l’histoire d’une grève ouvrière écrasée par la troupe (voir numéro suivant pour une description plus complète). A l’origine, la pièce avait été promise au directeur du Théâtre-Antoine, l’acteur et metteur en scène André Antoine (1858-1943), avec lequel Mirbeau était en rapport depuis longtemps mais sans succès : dans cette relation toujours délicate, les deux hommes se cherchaient en effet sans toujours se trouver. Dans le cas présent, Mirbeau avait bien l’intention de lui confier ses Mauvais Bergers et il lui en lit d’ailleurs la moitié au printemps 1897. Ce billet semblerait indiquer également l’envoi d’une copie manuscrite. Mais Mirbeau s’est ensuite dédit pour confier sa pièce à Lucien Guitry et Sarah Bernhardt, qui la jouèrent au Théâtre de la Renaissance le 14 décembre 1897. En compensation, Mirbeau finira par confier à Antoine une autre de ses pièces, L’Épidémie, en 1898[14].

Provenance : André Antoine (1858-1943, acteur, fondateur et directeur du Théâtre libre [1887-1894], puis du Théâtre Antoine, l’un des premiers metteurs en scène modernes français). Inv. 2163.

 XVI. OCTAVE MIRBEAU et Berthe Bady (v. 1898-1900)

Le texte : dans sa pièce Les Mauvais Bergers, représentée pour la première fois le 15 décembre 1897 au Théâtre de la Renaissance, l’écrivain Octave Mirbeau, très marqué à gauche et préoccupé par les questions sociales de son temps, traitait de l’histoire d’une grève ouvrière. Un peu comme dans Germinal de Zola, l’action s’achevait sur une tragédie, avec l’intervention sanglante de la troupe, requise par un patronat intransigeant. Le meneur du mouvement, Jean Roule, est tué aux côtés de sa jeune maîtresse Madeleine (enceinte), ainsi que le propre fils du patron, Robert Hargand (qui avait rompu avec les siens pour épouser la cause des ouvriers). Bref, cette pièce marquée du sceau du pessimisme (et presque du nihilisme) diffère du roman zolien par l’absence totale de toute espérance finale. En fait, pour Mirbeau, les « mauvais bergers » sont autant les patrons inflexibles et l’Etat complice que les idéalistes gauchistes qui mènent leurs disciples à la mort. Portée par les deux « monstres sacrés » qu’étaient Lucien Guitry (dans le rôle de Jean Roule) et Sarah Bernhardt (dans celui de Madeleine), la pièce connut une très importante réception.

La provenance : actrice d’origine belge, Berthe Bady (1872-1921) était une célébrité de son temps : elle joua dans de nombreuses pièces mises en scène par Lugné-Poe au Théâtre de l’Œuvre, avant de devenir l’égérie et la compagne du dramaturge Henry Bataille (dont elle interpréta cinq pièces entre 1902 et 1913). Mais contrairement au souhait énoncé par Mirbeau sur cet exemplaire, probablement vers 1898-1900, elle ne joua jamais pour l’auteur des Mauvais Bergers. Les fortunes gagnées sur les planches furent dilapidées pour soutenir son amant Bataille et Berthe Bady s’éteignit finalement dans la misère, oubliée de tous, dans un hôtel sordide (un destin tragique évoqué par Aragon dans Blanche, ou l’oubli)… ‎

Octave Mirbeau (1848-1917), ‎Les Mauvais bergers Pièce en cinq actes. Représentée à Paris sur le Théâtre de la Renaissance le 14 décembre 1897‎, ‎Paris, Charpentier et Fasquelle, 1898 18 x 12 cm, demi-chagrin havane, dos à nerfs, titre doré, tête dorée, couv. non conservées, 3 ff. n. ch., 152 pp. Edition originale sur papier d’édition. Envoi autographe signé de l’auteur : « A Mademoiselle Berthe Bady / avec l’espoir charmant qu’elle / voudra bien, un jour, jouer une pièce / de moi. Octave Mirbeau ».

 XVII. OCTAVE MIRBEAU et Maurice de Féraudy (1901)

Sur l’œuvre : Vieux ménages est une comédie en un acte, créée au Théâtre d’Application le 20 décembre 1894, mais publiée seulement en 1901 (avec un tirage de tête de 20 ex. sur Hollande), avant d’être recueillie en 1904 dans le recueil Farces et moralités  (avec un titre modifié en Vieux ménage). Mirbeau y traite de l’enfer conjugal et illustre une nouvelle fois les turpitudes et la tartufferie de la bourgeoisie. Il met en scène un vieux couple anonyme, qui passe son temps à se déchirer, mais qui reste uni par la pourriture et la haine, liens bien plus durables et solides que l’amour. Le Mari, « respectable » magistrat à la retraite, catholique proclamé, impitoyable aux pauvres, et qui prétend ne pas transiger avec ses principes de haute moralité, se révèle être un coureur de jupons, voire un amateur de chair adolescente. Quant à la Femme, vieille podagre aigrie et solitaire, qui ne peut plus accomplir son « devoir conjugal », elle lui conseille cyniquement de jeter son dévolu sur sa nouvelle et jolie voisine divorcée, qui n’a donc plus de propriétaire en titre, plutôt que de lui « prendre [ses] bonnes », qu’elle se plaît à houspiller, dernier plaisir qui lui reste.

Sur la provenance : entré à la Comédie-Française en 1880, Maurice de Féraudy (1859-1932) connut la célébrité dans les rôles comiques, grâce à son jeu plein de gaité, et était le doyen de l’institution lors de sa retraite en 1929. Il joua par ailleurs dans de nombreux films muets : Louis de Funès a rendu hommage à son influence importante non seulement pour le cinéma français, mais aussi pour lui-même. Mais le rôle de sa vie, qu’il a joué 1 200 fois en près de 30 ans et dont il avait le monopole, est celui d’Isidore Lechat dans la pièce Les affaires sont les affaires d’Octave Mirbeau, créée en avril1903, ce qui donne toute sa valeur à cet envoi autographe. Après la première, décourant un Féraudy, à la fois burlesque et terrible, Mirbeau,  ravi,  le couvre de compliments : « Vous avez donné à Isidore Lechat – et cela miraculeusement – non seulement sa stricte enveloppe physique, ses habitudes de famille, ses gestes, ses tics, sa marque sociale mais encore et surtout son âme ». Féraudy créa également le personnage de Biron dans la pièce Le Foyer du même Mirbeau en 1907.

Inv. 2472 – Octave Mirbeau, Vieux Ménages, Paris, Librairie Charpentier-Fasquelle, 1901. In-12, de 35 pp. Broché, sous couvertures imprimées vertes. Couvertures et papier jaunis. Provenance : Maurice de Féraudy (1859-1932, acteur, sociétaire de la Comédie-Française entre 1887 et 1929, créateur du rôle d’Isidore Lechat dans Les Affaires sont les affaires de Mirbeau) (envoi autographe : « A Maurice de Féraudy, son ami Octave Mirbeau »).

XVIII. ANATOLE FRANCE et Lucien Guitry (1902)

Le texte : œuvre à succès d’Anatole France, le court roman Crainquebille livre une critique en règle de l’institution judiciaire, aveugle et inhumaine, créatrice d’injustices poussant les pauvres gens au crime. Ainsi, le père Crainquebille, marchand de quatre-saisons très estimé dans son quartier, se voit condamné pour avoir soi-disant insulté un agent de police lors d’une discussion un peu vive. Le pauvre homme sort de prison aigri et tombe dans la déchéance avant de trouver la rédemption. La première édition, illustrée par Steinlen, vit le jour en 1901 chez l’éditeur Edouard Pelletan, ami proche d’Anatole France. Cette deuxième édition, en partie originale, est la « première complète en un volume ordinaire » (pour reprendre les propres de Péguy dans l’avant-propos) : elle contient en effet les chapitres I et IV en intégralité. Premier numéro de la quatrième série des « Cahiers de la Quinzaine », le mince volume fut tiré à 5’000 exemplaires.‎

Lucien Guitry, par Constantin Egorovich Makovsky (vers 1905)

La provenance : considéré comme l’égal masculin de Sarah Bernhardt, Lucien Guitry (1860-1925) créa certains des plus grands rôles de son temps, à Paris ou Saint-Pétersbourg (où naquit son fils Sacha). Il joua notamment dans les premières créations de La Princesse lointaine, de L’Aiglon ou de Chantecler d’Edmond Rostand, des Mauvais bergers d’Octave Mirbeau, etc. Il tint le rôle principal dans plusieurs adaptations de romans d’Anatole France, notamment L’Affaire Crainquebille, d’abord en 1903 (Théâtre de la Renaissance), puis en 1910 (Théâtre de la Porte-Saint-Martin). A partir de l’édition Calmann-Lévy de 1904, Crainquebille sera d’ailleurs dédiée « À Alexandre Steinlen et à Lucien Guitry, qui ont su donner, l’un en une suite d’admirables dessins, l’autre par une belle création de son génie dramatique, un caractère de grandeur tragique à l’humble figure de mon pauvre marchand des quatre-saisons ».

Guitry dans le rôle de Coupeau (« L’Assommoir » d’Emile Zola)

Anatole France (1844-1924), L’Affaire Crainquebille, Paris, Cahiers de la Quinzaine, 1902, deuxième édition, en partie originale. Provenance : Lucien Guitry (1860-1925, acteur, créateur du rôle de Crainquebille au théâtre) (envoi autographe : « A Lucien Guitry, C’est ne lui donner rien, C’est seulement lui faire un présent de son bien (Cinna, a. 1, sc.), son collaborateur et ami Anatole France »). Inv. 2012.

XIX. PIERRE LOUYS et Polaire (1908)

XX. PIERRE LOUYS et Régina Badet (1910)

Pour ces deux documents, voir un billet à venir des Mélanges tirés d’une petite bibliothèque.

XXI. EDMOND ROSTAND et Pierre Magnier (1910)

Le texte : après le succès planétaire de Cyrano en 1898, puis de L’Aiglon deux ans plus tard, Edmond Rostand (1868-1918) reprend un vieux projet : porter sur scène une tragédie animalière. Il lui faudra huit ans pour mener à bien cette entreprise, dont il conçoit également les costumes et les maquettes de décor. La pièce fait intervenir plus de 70 personnages, avec 195 costumes somptueux ayant demandé 35 000 heures de travail. Le rôle-titre, celui du coq Chantecler, est tenu par le grand Lucien Guitry. Le soir de la première au Théâtre de la Porte-Saint-Martin, le 7 février 1910, le public, venu du monde entier, est dans une attente d’une extraordinaire ferveur, qui a encore été attisée par des retards répétés. Las, les aventures de ce coq trop imbu de lui-même, qui pensait faire naître le soleil par son chant et qui doit regagner la confiance de la basse-cour en luttant contre un épervier, est finalement un relatif échec, dû (selon Rostand) au peu de conviction de Guitry. En fait, le public est dérouté devant ces acteurs grimés en poulets, mais qui s’expriment dans des alexandrins raffinés. Pourtant, l’œuvre avait de véritables qualités d’avant-garde, avec la présence un peu surréaliste d’animaux parlants et l’aspect satirique de l’œuvre. Blessé, Rostand ne donna plus de pièce de son vivant. Mais il attaqua en fait dès 1911 un « poème dramatique en deux actes et un prologue » baptisé La Dernière nuit de Don Juan. La guerre, puis la mort prématurée de l’auteur en 1918 (de la grippe espagnole) empêchèrent de représenter la pièce avant 1921.

Pierre Magnier dans le rôle de Cyrano de Bergerac (1922)

Le contexte et la provenance : il est émouvant de découvrir cette dédicace, car  l’acteur Pierre Magnier (1869-1959), grande star du cinéma muet, intervint dans de nombreuses pièces de Rostand au cours de sa carrière. Au printemps 1910, il tint le rôle-titre de Chantecler, lorsque la pièce partit en tournée à Bruxelles (d’où cette dédicace), puis le reprit en juin au Théâtre de la Porte-Saint-Martin, lorsque Guitry, dégoûté, jeta l’éponge après 150 représentations. Magnier demeura ensuite fidèle à l’œuvre de Rostand, même après la mort prématurée de celui-ci. En 1922, il joua le personnage principal dans la création de La Dernière Nuit de Don Juan, au Théâtre de la Porte-Saint-Martin (voir fragment manuscrit ci-dessous [Inv. 2170]). En cette même année, Magnier incarna Cyrano de Bergerac dans une importante adaptation cinématographique franco-italienne de l’œuvre de Rostand, muette mais colorisée à l’époque au pochoir (travail dantesque qui repoussa la sortie en salle de trois années !).

La célèbre reliure en veau souple estampé, signée du maître-verrier René Lalique

Edmond Rostand, Chantecler, Paris, Charpentier et Fasquelle, 1910, édition originale, en reliure de veau souple estampé (Lalique). Exemplaire nominatif sur Japon impérial pour l’acteur Pierre Magnier, avec envoi autographe : « en remerciement du cop plein de foi qu’il a été à Bruxelles ! son tout dévoué, Edmond Rostand ». Inv. 2200.

Fragment du manuscrit autographe de « La dernière nuit de Don Juan » d’Edmond Rostand : dernière réplique de Don Juan dans le prologue de la pièce. Pierre Magnier créa le rôle en 1922. Inv. 2170.

XXII. ALAIN DECAUX et Lino Ventura (1972)

Le texte : intéressante entreprise que celle d’Alain Decaux dans cette grande fresque en dix volumes, examinant bien sûr les femmes célèbres de l’histoire de France, mais aussi, d’une manière plus large, la place de la femme dans la société française au fil des siècles. Ce premier tome faisait le portrait aussi bien de Blanche de Castille que de Catherine de Médicis, de Jeanne d’Arc que de Mme de Sévigné. On y retrouve les belles Frondeuses galopant en quête de leur liberté, les précieuses réformant le langage, les villageoises inconnues de la Gaule, les épouses mérovingiennes naissantes, etc.

Sur la provenance : cet exemplaire associe deux personnes que j’admire beaucoup : Alain Decaux et Lino Ventura. Autant le dire : j’ai été surpris, voire choqué de la globale indifférence avec laquelle la mort d’Alain Decaux, l’année dernière, a été traitée par les médias et le public français… Voilà un homme qui a passé sa vie à passionner les foules en rendant l’Histoire accessible et vivante pour le plus grand nombre, dans tous les foyers français, et que les oraisons funèbres n’ont présenté que comme un « vulgarisateur », avec un ton condescendant. Incroyables journalistes, incapables de saisir les propos de chercheurs les plus pointus, mais prêts dans le même temps à mépriser ceux qui s’efforcent à rendre leur science accessible ! Je l’avoue sans détour : enfant, les livres d’Alain Decaux ont beaucoup fait pour développer mon goût pour l’histoire. C’est pourquoi j’ai été heureux, par la suite, de lui faire connaître mes travaux de recherche, après l’avoir rencontré dans le cadre de l’exposition Mignonne, allons voir… au château de Chantilly (dont il était le principal responsable au nom de l’Académie).

Quant à Lino Ventura, il est sans doute l’un de mes acteurs préférés, en premier lieu pour sa magistrale interprétation du personnage de Philippe Gerbier dans L’Armée des Ombres, film de Jean-Pierre Melville (1969), inspiré du roman du même nom de Joseph Kessel, l’un des plus beaux livres de la littérature de résistance, paru en 1943.

Lino Ventura dans le rôle de Philippe Gerbier (« L’Armée des Ombres » de Jean-Pierre Melville, d’après le roman de Josepk Kessel, 1969)

Le contexte : il peut sembler difficile d’associer ces deux personnages, mais n’avaient-ils pas en commun l’écran, petit ou grand ? De fait, ils se retrouvèrent au moins sur un grand projet cinématographique : l’adaptation des Misérables de Hugo par Robert Hossein en 1982. Decaux en était le scénariste et le dialoguiste[18] ; Ventura interprétait le personnage de Jean Valjean. Mais cet exemplaire à la dédicace si élogieuse semble faire remonter leurs rapports à 1972 pour le moins (à moins qu’il ne s’agisse d’un cadeau plus tardif de dix ans ?).

Lino Ventura dans le rôle de Jean Valjean (« Les Misérables » de Robert Hossein, d’après le roman de Victor Hugo, 1982)

Alain Decaux (1925-2016), Histoire des Françaises [tome I], Paris, Perrin, 1972. Provenance : Lino Ventura (1919-1987, acteur) (envoi autographe : « pour Lino Ventura que j’admire tant, en signe de ma vive sympathie, Alain Decaux »). Inv. 2046.

Nicolas Ducimetière
Douvaine, 13 mars 2017
(mise à jour : 16 déc. 2019 [notices V, VI et XVII])


En guise de cul-de-lampe final, de magnifiques bacchantes, les vraies et leur version autoportraiturée par l’auteur !


NOTES

[1] L’édition originale de 1825 présentait même un portrait frontispice qui n’était autre que celui de l’auteur grimé en femme ! La deuxième édition, parue en 1830, était augmentée deux pièces encore inédites (« L’Occasion » et « Le Carrosse du Saint-Sacrement ») (inv. 494).

[2] En plus des célèbres Odes funambulesques (1857) (inv. 1510), on peut citer Les pauvres saltimbanques (Paris, Michel Lévy, 1853) (inv. 401), qualifié de « peu commun » par Clouzot.

[3] Paris, Charpentier, 1882. Exemplaire offert à François Coppée, avec envoi autographe (inv. 380).

[4] Paris, Charpentier, 1890. Un des 5 exemplaires sur Japon (n° 2), avec envoi autographe à Julia Daudet (inv. 1609).

[5] Paris, Dentu, 1894. Exemplaire du poète parnassien et futur académicien François Coppée, avec un amusant envoi à teneur théâtral : « A François Coppée, ami des bons cabots » (inv. 666).

[6] Suite à une demande récente d’un dix-septièmiste célèbre, j’ai fait un petit inventaire de mes pièces de théâtre XVIIe en édition d’époque et suis parvenu, un peu surpris, au chiffre rondelet de 68 ! C’est fou comme les livres s’accumulent au fil des années… C’est le siècle le mieux représenté dans ma collection, juste après le XIXe s.

[7] Catalogue du cabinet d’histoire naturelle de Mlle C***, dont la vente se fera rue du Baq, près le Pont Royal, dans le mois de février 1773, Paris, Michel Lambert, 1773. L’ensemble fut racheté en bloc par le comte Demidoff pour 30’000 livres.

[8] Edmond de Goncourt, Mademoiselle Clairon, Paris, Charpentier, 1890, p. 326, note 2.

[9] Œuvres de Saint-Evremond…, s.l. [Paris], 1740, 10 vol. in-12, fig. de Picart, veau fauve, avec super-libris. Cette série se retrouve dans le catalogue Bibliothèque des Goncourt – XVIIIe siècle : livres, manuscrits, autographes…, Paris, Duchesne et Morgand, 1897, p. 102, n° 658.

[10] Clouzot, Guide du bibliophile français du XIXe siècle, p. 159.

[11] J’en possède l’exemplaire offert au poète Théodore de Banville, ami de longue date de Monselet (en 1859, ce dernier écrivait : « Au premier rang de nos meilleurs poètes, entre Musset et Gautier, on doit placer M. Théodore de Banville, dont plusieurs recueils, Les Cariatides ou Les Stalactites attestent l’éclat, la grâce et l’esprit »). Relié en demi-toile bradel rouge (dans l’habituelle et très reconnaissable « reliure Banville » à tête rouge), l’exemplaire comporte l’ex-libris gravé de Banville (inv. 598).

[12] Sur ces deux personnages, voir Geneviève Faye, « Henri Larochelle : une réussite exemplaire », dans Pascale Goetschel et Jean-Claude Yon (dir.), Directeurs de théâtre (XIXe – XXe s.) : histoire d’une profession, Paris, Publications de la Sorbonne, 2008, pp. 131-142.

[13] Pour une très belle présentation de cet opéra et de ses représentations, voir ce site : http://www.artlyriquefr.fr/oeuvres/Thais.html

[14] Sur ces épisodes, voir : André Antoine, Mes souvenirs sur le Théâtre Antoine et l’Odéon, Paris, 1928 ; Pierre Michel, «Les Mauvais bergers et Le Repas du lion », dans Cahiers Octave Mirbeau, n° 3, 1996, pp. 213-220.

[18] Decaux devait consacrer une importante biographie à Victor Hugo deux ans plus tard (Paris, Perrin, 1984). Mon exemplaire est celui offert par l’historien au producteur de cinéma Bernard Artigues.

MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (11/2) : FAMILLES, JE VOUS HAI…ME ! (2/2)

MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (11/2) :

FAMILLES, JE VOUS HAI…ME ! (suite et fin)

Second volet de cet article sur les envois ou lettres autographes de grands auteurs à leurs proches parents. Entre 1881 et 1927, nous croiserons cette fois-ci l’hommage de Gide à sa trop belle cousine (enfant, il avait planté ses dents dans cette chair séduisante !), l’émouvant aveu du romancier Léon Cladel à sa femme, l’affection de Daudet et de sa femme pour leur belle-mère et mère, les relations triangulaires compliquées des filles d’Heredia et de leurs époux (Pierre Louÿs, Henri de Régnier et Maurice Maindron), le triste épisode de l’amour filial rompu entre Anatole France et sa fille Suzanne, ou la correspondance du romancier de guerre Henri Barbusse avec sa marraine (de guerre bien entendu!). Bonne lecture à tous !

1881 : LEON CLADEL à sa femme (inv. 710)

11-12-Cladel

Léon Cladel (1834-1892), Les Va-nu-pieds, Paris, Charpentier, 1881, deuxième édition. Envoi autographe : « A Julia Mullem, ma sœur d’armes, et la mère de mon œuvre et la femme de mon cœur. L.A. Cladel. Paris, 5 mars 81 ». Corrections autographes dans l’épître dédicatoire.

Sur la provenance : fils d’un bourrelier de Montauban, Léon Cladel (1834-1892) se fit vite connaître comme romancier naturaliste, sans renier ses origines paysannes. Son premier roman, Les Martyrs ridicules (1862), fut préfacé par Baudelaire. Après la Commune (durant laquelle il faillit être fusillé par les Versaillais), il épousa à Paris, le 14 novembre 1871, une jeune musicienne : Julia Mullem (1843-1923, sœur de l’écrivain et journaliste Louis Mullem). Läics et républicains, ils voulurent toutefois marquer leurs origines culturelles respectives, catholique et juive, à travers les prénoms donnés à leurs cinq enfants : Judith-Jeanne, Sarah-Marianne, Rachel-Louise, Eve-Rose, Pierrine-Esther, Saül-Alpinien. En dépit de fréquentes et violentes disputes (les deux époux avaient un caractère passionné), leur complicité fut indéniable tout au long de leur vie commune. Cet exemplaire du recueil Les Va-nu-pieds est en fait un exemplaire de dédicace, attendu que les volume avait été dédié à Julia Mullen depuis la première édition. En plus de l’envoi, il contient quelques corrections de Cladel, à l’encre et au crayon, sur l’épître dédicatoire datée de mai 1873 : il change ainsi « ma chère femme » en « ma gentille femme », et donne à Julia Mullen un rôle déterminant dans la composition de son œuvre par ses conseils et appréciations[1].

L’œuvre : ce recueil de douze nouvelles à consonnances sociales, très influencées par l’expérience de la Communce, est constitué des premiers textes de Cladel, d’abord parus dans divers journaux. L’édition originale, déjà dédiée à Julia Mullem, sortit en 1873 chez Alphonse Lemerre.

1892 : JULIA DAUDET à sa mère (inv. 1060)

11-13-Julia Daudet

Julia Allard-Daudet (1844-1940), Œuvres : L’Enfance d’une Parisienne – Enfants et mères, Paris, Lemerre, 1892, deuxième édition, première collective. Envoi : « à maman chérie / de tout esprit et / de tout coeur / Julia A. Daudet ».

La provenance : Julia Daudet avait donc offert ce petit volume à sa mère, Léonide Allard, née Navoit (1822-1909), avec un tendre envoi. Le thème des deux romans, très autobiographiques et portant sur les rapports parents-enfants, rend d’autant plus attachante la provenance de cet exemplaire. Le livre revint à son auteur après la mort de sa mère en 1909 et Julia le conserva dans sa bibliothèque jusqu’à sa propre disparition en 1940. Sa fille Edmée (née en 1886 et filleule de Goncourt) étant morte trois ans plus tôt, la bibliothèque de Julia fut sans doute partagée entre ses deux fils, également écrivains : Léon (1867-1942, marié en premières noces à Jeanne, la petite-fille de Hugo) et Lucien (1878-1946, homosexuel ayant eu une liaison platonique avec Proust). Lucien semble avoir offert à ses ami(e)s plusieurs volumes provenant de sa mère[2]. Dans le cas présent, il écrivit cet ex-dono : « à toi, mon cher petit / qu’elle aimait tant ! / Sept. 1940 / Lucien Daudet ».

L’œuvre : fille de commerçants aisés, Julie Allard épousa Alphonse Daudet, jeune auteur encore inconnu, en 1867. Elle devint vite plus qu’une compagne : une collaboratrice à l’influence très importante sur l’écriture des principaux romans de Daudet. Edmond de Goncourt connaissait d’ailleurs parfaitement son rôle et l’admirait beaucoup. Elle-même s’était lancée dans la publication de ses œuvres, donnant notamment des Impressions de nature et d’art en 1879, puis deux romans, L’Enfance d’une Parisienne et Enfants et mères en 1892.

1894 : JOSÉ-MARIA DE HEREDIA à son gendre (inv. 2014)

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José-Maria de Heredia (1842-1905), La Nonne Alferez, Paris, Lemerre, 1894, édition originale. Envoi autographe : « A Pierre Louÿs, son confrère et son ami, José-Maria de Heredia » (en partie effacé).

La provenance : la première rencontre entre José-Maria de Heredia (1842-1905), l’un des papes du mouvement du Parnasse et futur académicien, et le jeune poète débutant Pierre Louÿs (1870-1925) eut lieu le 13 décembre 1890, à l’instigation de leur ami commun Henri de Régnier. Les deux jeunes auteurs étaient amoureux de la fille de leur hôte, Marie de Heredia, qui se maria avec Régnier en 1895, pour vite devenir la maîtresse de Louÿs. Ce dernier épousa de son côté Louise de Heredia, sœur de Marie, en 1899. Heredia partageait de nombreuses passions avec son gendre : la poésie (Ronsard, Chénier et Hugo), la bibliophilie et l’archéologie. Louÿs devait écrire à son aîné : « Vous avez été mon maître en bibiophilie comme en littérature ». Mort en 1905, Heredia ne vit pas les relations du couple se dégrader jusqu’à la séparation. Ayant rompu les ponts avec les deux sœurs, Louÿs les mit en scène, avec leur mère et la troisième fille Heredia, dans un roman franchement pornographique devenu un classique du genre : Trois filles de leur mère (1928). Inutile de dire que l’érotomane raffiné n’était plus en odeur de sainteté dans la famille !

Ce climat familial particulier pourrait expliquer qu’on ait tenté d’effacer cet envoi chaleureux[3]. En dépit des relations très amicales entre Heredia et son beau-fils, les envois du premier au second semblent très rares. Ainsi, le Dr Robert Fleury, bibliophile spécialiste de Heredia et de ses proches, ne possédait pas d’Heredia avec envoi à Louys (il avait en revanche le Byblis changé en fontaine [1898] offert « A José-Maria de Heredia, son respectueux élève et ami, Pierre Louÿs »[4]). Curieusement, les catalogues des ventes Louÿs de 1927 et 1930 ne présentèrent aucune des œuvres dédicacées d’Heredia (peut-être avaient-ils récupérés par la famille ?). Néanmoins, en plus du présent volume qui semblait inconnu des chercheurs, on peut repérer pas moins de trois exemplaires de l’œuvre majeure d’Heredia, Les Trophées, offerts à son gendre :

1/ un des 70 hollande avec EAS (« à Pierre Louys, son confrère, son admirateur et son ami, JM de Heredia ») et sonnet autographe, relié en maroquin orange richement orné par Loiselier (Libr. Lardanchet, 1969, cat. 62, n° 352 ; Henri Burton ; Sotheby’s, vente « Fine Books », New York, 11 juin 2013, n°34, 6’250 $) ;

2/ ex. du tirage courant avec EAS (« Au poète Pierre Louys, son confrère et ami, JM de Heredia »), enrichi du poème autographe « Hercule pontique », demi-maroquin rouge à coins de Loisellier (Libr. Berès, 1939, cat. 21, n°101) ;

3/ ex. du tirage courant, sans envoi, mais avec un poème auto. sur la garde (« Malaguena »), en demi-maroquin citron de Loisellier.

L’œuvre : bien que le nom d’Heredia soit avant tout lié à son recueil poétique des Trophées (façonné pendant des années, il lui ouvrit les portes de l’Académie), ses deux premiers volumes publiés furent écrits en prose. En 1877-1878, ce natif de Cuba donna en effet une traduction de l’Histoire véridique de la conquête de la Nouvelle-Espagne de Diaz del Castillo, puis celle d’un autre grand classique de la littérature espagnole, La Nonne Alfarez, l’autobiographie de Catalina de Erauso (1585-1650), une moniale espagnole devenue conquistador et spadassin dans le Nouveau-Monde !

1895 : ALPHONSE DAUDET à sa belle-mère (inv. 1234)

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Alphonse Daudet (1840-1897), La Petite Paroisse, Paris, Lemerre, 1895, édition originale. Envoi autographe : « A notre chère mère Léonide Allard, tendrement, Alph. Daudet ».

La provenance : épouse de Jules Allard (1813-1889), Léonide Navoit (1822-1909) était la mère de Julia Allard, l’épouse et la collaboratrice d’Alphonse Daudet depuis 1867. L’auteur entrenait les meilleurs rapports possibles avec ses beaux-parents, chez qui il séjourna chaque année à Champrosay, à la belle saison, depuis les débuts de son mariage et jusqu’à l’achat de sa propre maison en 1877. Daudet leur dédia, souvent avec sa femme, l’ensemble de ses ouvrages au fur et à mesure de leur publication, la plupart étant revêtus de la même reliure en demi-maroquin rouge orné[5]. A noter l’écriture tremblante de Daudet, typiquement des dernières années de sa vie, alors que la maladie qui devait l’emporter (atteinte nerveuse consécutive à la syphillis) lui causait d’immenses douleurs…

L’œuvre : pour ce roman paru moins de deux ans avant sa mort, Daudet s’inspira de la chapelle Sainte-Hélène, voisine de sa maison de Champrosay où il recevait ses amis peintres et écrivains (notamment Goncourt, qui y décéda en 1896). C’est cette maison qui sert de lieu central dans ce roman que Daudet souhaitait « pas trop cruel. J’ai eu la dernière fois le sentiment que j’étais allé trop loin [dans L’Immortel]. Pauvres humains ! il ne faut pas tout leur dire, leur donner mon expérience, ma fin de vie douloureuse et savante. Traiter l’humanité en malade, dosages, ménagements ; faisons aimer le médecin au lieu de jouer au brutal et dur charcuteur. Et ce prochain livre qui serait tendre et bon, indulgent, j’aurais un grand mérite à l’écrire, car je souffre beaucoup. Fierté de ne pas imposer aux autres la mauvaise humeur et les injustices sombres de ma souffrance ».

1896 : PIERRE LOUYS à son frère (inv. 2015)

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Pierre Louÿs (1870-1925), lettre autographe signée à son frère Georges Louis, [Paris], s.d. [22 avril 1896]. Concernant les suites de la publication de son premier roman à succès, Aphrodite, paru le mois précédent.

Fera l’objet d’un article particulier sur Louÿs. Mais on peut déjà retenir que, là encore, ce n’est pas triste : il semble à peu près certain que Georges Louis, demi-frère de Pierre Louis (dit Louÿs), était en fait son père ! Le futur ambassadeur, alors jeune homme, avait le même âge que la seconde épouse de son propre père et il semble que la marâtre et son beau-fils se soient trouvés à leur goût… Quelle famille !

1897 : HENRI DE REGNIER à son beau-frère (inv. 2029)

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Henri de Régnier (1864-1936), lettre autographe signée à son futur beau-frère Pierre Louÿs, [Paris], « Mercredi » [5 mai 1897]. Enveloppe conservée, cachets postaux.

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Le texte : « Mercredi. Mon cher ami, M. et Mme de Heredia viennent dîner demain jeudi à 8 heures, voulez-vous vous joindre à eux. Vous nous ferez à tous grand plaisir. Votre : Henri de Régnier. Si vous venez, ne répondez pas ».

Le contexte : le billet n’est pas long, mais il évoque une drôle d’histoire de famille ! C’est le 13 décembre 1890 que le jeune poète (et érotomane pratiquant) Pierre Louÿs (1870-1925) fait son entrée dans le salon du célèbre José-Maria de Heredia, conservateur de l’Arsenal et futur académicien, auprès duquel il est introduit par un récent ami commun, Henri de Régnier. Le poète d’origine cubaine, l’un des piliers du mouvement du Parnasse, a trois filles fort jolies et d’un tempérament chaleureux. Au printemps 1895, alors que Heredia vient d’être reçu à l’Académie, les deux jeunes auteurs, tous deux amoureux de Marie de Heredia, passent un pacte secret pour ne pas demander la main de la jeune fille sans se consulter. Mais Régnier rompt cet accord quelques semaines plus tard et se déclare. Poussée par sa famille (Régnier est riche et Heredia ruiné par des dettes de jeu), Marie accepte ce mariage, mais préfère en réalité Louÿs : dès septembre 1895, elle s’offre à lui, mais se voit repoussée dans un premier temps. C’est le 17 octobre 1897 qui débute finalement la liaison tumultueuse entre Louÿs et Marie de Heredia. Le 8 septembre 1898, Marie met au monde un petit garçon, Pierre (surnommé Tigre), qui est en fait le fils de Louÿs. Et en 1899, Louÿs épouse Louise de Heredia, la fille cadette de l’académicien, tout en continuant sa liaison avec son aînée jusqu’en 1902… Vous avez tout compris ? 🙂

1899 : ANDRÉ GIDE à sa cousine (inv. 585)

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André Gide (1869-1951), Le Prométhée mal enchaîné, Paris, Mercure de France, 1899, édition originale. Envoi autographe : « à ma chère cousine la Comtesse de Flaux, en respectueux hommage, André Gide ».

La provenance : la parentèle de Gide était nombreuse et souvent titrée ! Parmi les nombreuses cousines figurait Clémence Pascal, comtesse de Flaux depuis son mariage en 1844. Cette provenance particulière est piquante, quand on sait que la destinataire, cousine et amie de Paul et Charles Gide (père et oncle de l’auteur), procura au romancier l’un de ses premiers souvenirs marquants d’enfance, évoqué dès la deuxième page de Si le grain ne meurt en 1924 : « Ma cousine était très belle et le savait. Ses cheveux très noirs, qu’elle portait en bandeaux, faisaient valoir un profil de camée et une peau éblouissante. De l’éclat de cette peau je me souviens très bien ; je m’en souviens d’autant mieux que, ce jour où je lui fus présenté, elle portait une robe largement échancrée. « Va vite embrasser ta cousine », me dit ma mère lorsque j’entrai dans le salon… Je m’avançai. La cousine de Flaux m’attira contre elle en se baissant, ce qui découvrit son épaule. Devant l’éclat de cette chair, je ne sais quel vertige me prit : au lieu de poser mes lèvres sur la joue qu’elle me tendait, fasciné par l’épaule éblouissante, j’y allai d’un grand coup de dents. La cousine fit un cri de douleur ; j’en fis un d’horreur ; puis je crachai, plein de dégoût. On m’emmena bien vite, et je crois qu’on était si stupéfait qu’on oublia de me punir ». Gide avait alors quatre ou cinq ans (en 1875 environ). Il passa ensuite de nombreux étés dans le château de Flaux, non loin d’Uzès, d’où venait la famille Gide.

L’œuvre : mal enchaîné, en effet, ce Prométhée, puisque le voici à Paris, en 1899, débarquant du Caucase ! Cet amoureux des hommes n’a plus besoin de chaînes : il est devenu amoureux de son oiseau ; il le nourrit, dans l’espoir que ce vautour déplumé qui ressemble à une conscience deviendra le bel aigle du Progrès, de l’Idéal, de l’Essor… À ce régime, Prométhée dépérit. Mais le décès de son ami Damoclès, mort d’avoir trop cru à ces espoirs, le fait changer d’opinion et c’est finalement d’un aigle bien gras dont se régaleront les amis du disparu, à la fin des funérailles !

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1900 : HENRI DE REGNIER à son autre beau-frère (inv. 1612)

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Henri de Régnier (1864-1936), lettre autographe signée à son beau-frère Maurice Maindron, [Vendée], « Mardi » [août 1900].

Le texte : « Mardi. Mon cher Beau-Frère, C’est loin de Paris, au fond de la Vendée, où j’étais allé à l’enterrement d’une petite cousine, que j’ai appris par le journal la bonne nouvelle de votre décoration. J’en ai été tout à fait heureux. Elle vous était due si l’on doit, en France, quoique ce soit à qui sait écrire fortement et savoureusement. Je lis Blancador. Je vous dirais le plaisir qu j’y prends si je n’avais à l’épaule un cruel rhumatisme qui me fait tomber la plume des mains. Toutes mes amitiés à Hélène. Cette femme de Légionnaire est une personne que j’aime beaucoup. Avec encore mes compliments, croyez-moi sincérement et cordialement à vous, Henri de Régnier ».

La provenance : aussi discret qu’érudit, Maurice Maindron (1857-1911) est le moins connu des trois gendres Heredia. Ecrivain et entomologiste, il se fit connaître dans le monde savant par de nombreuses expéditions à travers le monde entre 1876 et 1904, voyages dont il ramena d’importantes collections d’insectes et autres animaux pour le Muséum d’histoire naturelle. Outre ses œuvres savantes et de nombreux ouvrages de vulgarisation, ce savant s’essaya aussi avec succès à la littérature. Il rencontra ainsi José-Maria de Heredia, dont il épousa la fille Hélène en 1899, devenant ainsi le beau-frère de Pierre Louÿs et de Henri de Régnier. En août 1900, il fut décoré de la Légion d’honneur, ce dont le félicite ici Régnier, qui fait également allusion à sa lecture du roman Blancador l’avantageux (sur manuscrit, puisque le livre ne sortit qu’en 1901).

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1903 : ANATOLE FRANCE à sa fille (inv. 1625)

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Anatole France (1844-1924), Histoire comique, Paris, Calmann-Lévy, 1903, édition originale.Envoi autographe : « à ma fille, Madame Mollin, A.F. ».

Sur la provenance : triste histoire de celle d’Anatole France et de sa fille Suzanne… Née du mariage d’Anatole France avec Valérie Guérin de Sauville, Suzanne France (1881-1918) vécut une enfance ballotée par les mauvaises relations régnant entre ses parents, puis par leur divorce en 1893. Aimant beaucoup son père, elle fut souvent confiée aux « amies » de celui-ci, que ce soit Jeanne Arman de Caillavet (la maîtresse de son père, qui l’emmena en voyage en Italie en 1900) ou la romancière Gyp (marquise Riquetti de Mirabeau à l’état-civil, chez laquelle elle passa des vacances). Le 10 décembre 1901, Suzanne France épousa le capitaine Henri Mollin, officier d’Etat-major et officier d’ordonnance du général André (ministre de la Guerre). France avait été peu consulté pour ce mariage (voir la façon plutôt sèche dont il en parle dans la lettre publiée ci-dessous[6]), mais accueillit tout de même la noce dans sa demeure « Villa-Saïd ». Le gendre était d’ailleurs de tendance dreyfusarde et franc-maçon, ce qui n’était pas pour déplaire à Anatole France. Malheureusement, l’effet de l’uniforme étant vite passé, la jeune femme constata vite qu’elle n’avait guère de points communs avec son époux et le milieu militaire en général. Prenant prétexte de l’implication de son mari dans le « scandale des fiches » (qui éclaboussa le ministère de la Guerre et provoqua le renvoi d’officiers franc-maçons, dont son mari), elle demanda vite le divorce. Il fut bien prononcé le 24 mai 1905, mais aux torts de la jeune femme, car Suzanne France avait entrepris une liaison, trop visible, avec un jeune lycéen surdoué, Michel Psichari, petit-fils de Renan, de cinq ans son cadet. Leur amour fit scandale, on la menaça de poursuites pour détournement de mineur. Finalement tombée enceinte, elle put épouser Psichari le 28 avril 1908, mais sans la bénédiction d’Anatole France, qui n’assista pas à la cérémonie, refusa de voir son petit-fils Lucien et rompit toute relation avec sa fille. Elle tiendra également un rôle important dans l’amertume qu’Anatole France concevra des femmes. La fin de l’histoire est encore plus triste. Michel Psichari fut tué au front en avril 1917 ; sa veuve, qui vivait séparée depuis quelques mois, contracta la grippe espagnole et en mourut le 28 octobre 1918. Prévenu trop tard, Anatole France ne put la revoir et se réconcilier avec elle : « Je n’ai pu lui donner le dernier baiser, mais je l’ai du moins accompagnée au cimetière », écrivit-il. Il recueillit le jeune orphelin et l’éleva avec tendresse.

Sur l’œuvre : paru en 1903, ce roman, en dépit de son titre, n’a rien de comique : il raconte l’histoire d’un amour contrarié et dramatique dans la bonne société de la Belle Epoque et dans les élans du romantisme un peu bourgeois. Cette œuvre peu connue d’Anatole France fut écrite comme un divertissement alors que l’auteur travaillait à son livre sur Jeanne d’Arc. Rédigé dans cette langue pure qui faisait l’admiration de Barrès, cet ouvrage est pourtant plus profond qu’il n’y parait et présente un portrait intéressant et vrai de la société de son époque. Je possède également l’exemplaire offert, avec envoi, au futur président Raymond Poincaré, qui, au début de sa carrière, avait été l’avocat d’Anatole France (inv. 1849).

1915 : HENRI BARBUSSE à sa marraine de guerre (inv. 1977)

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Henri Barbusse (1873-1935), lettre autographe signée à sa marraine de guerre Jeanne Charrot, [au front], 25 janvier 1915.

Le contexte : connu du grand public depuis le succès de son roman L’Enfer (1908), l’écrivain Henri Barbusse (1873-1935) , en dépit de son âge, de problèmes pulmonaires et de ses positions pacifistes, se porta engagé volontaire et fut versé en décembre 1914 au 6e bataillon du 231e régiment d’infanterie, en qualité de brancardier. Poilu parmi les poilus, il subit alors leur sort, les observe et en tire la matière d’un roman de guerre, Le Feu – Journal d’une escouade, qui remporte le prix Goncourt en 1916, devenant le roman français de référence sur la première Guerre mondiale, aux côtés des Croix de bois de Dorgelès.

Le texte : « 25 janv. 1915. Chère amie, je finis demain mardi mes 4 jours de tranchée. 4 jours de repos au cantonnement vont suivre, où l’on va dormir et se restaurer. J’ai l’intention pendant ces périodes de calme, de reprendre mon roman. Je travaillerai dans quelques coins de cuisine, une heure ou deux par jour. Je vous serais très obligé si vous vouliez bien m’expédier chaque semaine un flacon de 60 francs d’extrais fluide américain de coca … pris à petites doses, cela remplace le café ou le thé … même mieux, ça nourrit et fortifie en même temps . Merci ma chère petite, et bien affectueusement à vous, Henri Barbusse. J’écris dans l’ombre … ».

La provenance : durant ses mois au front, Barbusse entretint une correspondance suivie avec une marraine de guerre parisienne, Jeanne Charrot, son amie depuis au moins 1910. Journaliste, elle devait être une proche des milieux dadaïstes après-guerre. Ces lettres lui décrivent les conditions matérielles de la vie du soldat Barbusse (tabac, vêtements, etc.), mais évoque aussi un roman en gestation : le futur Le Feu. La correspondance a été entièrement morcelée dans diverses ventes en 2012-2013. Une partie (41 pièces) est conservée à l’Arsenal (cote Ms. 14702). J’ ai pour ma part pu garder cohérent un lot de douze lettres datant de 1915, qui étaient proposées à la pièce…

Pour la publication intégrale de cette correspondance, voir Mélanges tirés d’une petite bibliothèque (38) : Ecrire dans la boue des tranchées (mars 2020).

1927 : ANNA DE NOAILLES à son cousin (inv. 684)

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Anna de Noailles (1876-1933), L’Honneur de souffrir, Paris, Grasset, 1927, édition originale, exemplaire réimposé in-4° sur Japon. Envoi autographe : « A mon cher cousin Basile Photiades, qui ressuscite le passé par les lignes créatrices – ces chants pour les ombres. Avec toute mon amitié. Anna de Noailles ».

La provenance : plus connue sous son nom d’épouse Anna de Noailles (elle s’était mariée au comte Matthieu de Noailles), Anna-Elisabeth Brancovan (1876-1933) était issue de la famille des princes de Valachie et Bassarabie et dotée d’une nombreuse parentèle. Ce cousin « Basile » se nommait en fait Vassily Photiadès (1903-1975) de son vrai nom, Basile étant la forme française de Vassily. Artiste, il laissa un ensemble de gravures entre les années 1930 et 1960, avec quelques illustrations de livres (un texte de Kessel, Makhno et sa juive, paru en 1926 avec un frontispice gravé sur bois par Photiadès ; une traduction des poèmes de Constantin Kavafis en 1947). On lui doit aussi deux romans : Marylène, ou A qui de le dire ? (Paris, Grasset, 1936, qui reçut de très élogieuses critiques : « on peut attendre beaucoup de M. Vassily Photiadès » selon Jacques de Lacretelle, « M. Photiadès est sûrement un écrivain » pour André Theuriet, « Marylène m’a enchanté » avouait Robert Kemp), puis Les Transparents (Paris, Stock, 1958). Par ailleurs collectionneur d’art, sa femme Irène et lui léguèrent leur fonds de dessins et gravures au Musée de Genève. Il fit l’objet d’une monographie écrite par Claude Roger-Marx en 1966 (Neuchâtel, Ides et Calendes / Paris, Bibliothèque des Arts). Son frère aîné, l’officier et écrivain Constantin Photiadès (1883-1949), primé trois fois par l’Académie, était un proche d’Anna de Noailles et fut l’un des fondateurs, peu avant la Seconde Guerre mondiale, de l’ « Association des Amis de la comtesse de Noailles ».

L’œuvre : Anna de Noailles connut la célébrité littéraire avec la parution de son premier recueil poétique, « Le Cœur innombrable », en 1901. Suivirent de nombreux autres recueils ou récits, souvent autobiographiques, qui chantaient souvent les bords du Léman, où la poétesse avait passé toute son enfance et qu’elle fréquentait encore, possédant la magnifique villa Bassaraba, à Evian, achetée par ses parents en 1875. Auteur à succès et reine du Tout-Paris, elle fut frappée encore jeune par la maladie qui firent des années d’après-guerre, jusqu’à sa mort, une longue période de souffrance : elle ne pouvait presque plus quitter le lit. A ce titre, le recueil L’Honneur de souffrir, un de ses derniers écrits, publié en 1927, est particulièrement poignant, livrant en vers le récit de son combat contre la douleur.

Nicolas Ducimetière
Douvaine, 28 février 2016
Revu et augmenté : 26 déc. 2020


NOTES :

[1] Dans un autre envoi entrevu (sur un exemplaire d’une réédition du roman Titi Foissac IV), Cladel parlait de sa femme comme de « ma grisonne toujours jeune et gentille » et signait « son vieux compagnon de chaîne » !

[2] Vu en vente en 2010 : un exemplaire de l’édition originale du recueil poétique Les Archipels Lumineux (Paris, Lemerre, 1913) portant cet ex-dono de Lucien Daudet, daté de septembre 1940 : « Ma chère amie, voici un des volumes de vers de ma mère bien aimée. Elle avait un très grand talent et ce nest pas un des moindres aspects de mon désespoir que l’impossibilité de rééditer tout cela en ce moment ».

[3] A noter que, de la même façon, dans un des catalogues de vente Louÿs, une plaquette de Francis Jammes (Quatorze prières, 1898, cat. 1930, n° 551) comportait un envoi à Pierre Louÿs « dont le nom a été effacé ».

[4] Catalogue Bibliothèque du docteur Robert Fleury, vente Paris, 1997, n° 395.

[5] Vu en vente en 2011 : ‎Robert Helmont (1874, édition originale, avec envoi : « à Léonide et Jules Allard / tendrement et respectueusement offert par Julie et Alph. Daudet »).

[6] Autour du premier mariage de Suzanne France : lettre autographe d’Anatole France à son ami Fernand Calmettes (1846-1914, chartiste et éditeur) (inv. 1603) : « Mon cher Fernand, indique moi donc un jour où tu seras chez toi, dans l’après-midi. Je voudrais te parler du mariage de ma fille. Je ne t’ai pas annoncé plus tôt ce mariage, auquel je n’ai guère été mêlé, hors pour ce qui est du contrat. Je n’ai pas été des premiers à en savoir la date et je n’assisterai pas à la cérémonie. Mais je recevrai le 10, comme une carte jointe à la lettre de faire part te l’apprendra, après la cérémonie civile, à 4 h. Les difficultés qui sont survenues ne me donnent nullement de ce mariage une idée défavorable. J’ai au contraire sur mon gendre les meilleurs renseignements. C’est pour lui témoigner ainsi qu’à Suzanne des sentiments affectueux que je reçois chez moi. Et je compte bien que Julie viendra avec toi et tes chers enfants. A bientôt, ton vieil ami, Anatole France ».