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MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (18) : LES PREMIERS SERONT LES DERNIERS … LE PRIX NOBEL OUBLIÉ

LES PREMIERS SERONT LES DERNIERS …

LE PRIX NOBEL OUBLIÉ

A la manière des comètes périodiques, les Prix Nobel reviennent pour quelques jours en « une » des gazettes. Du côté de la littérature, c’est le romancier japonais Kazuo Ishiguro, écrivant en anglais, qui est distingué pour son œuvre à cheval sur deux cultures et qui a notamment produit ce magnifique livre que sont Les Vestiges du jour. Il succède ainsi au choix plutôt inattendu de Bob Dylan, l’année précédente. La France, au fil des années, n’a pas démérité, avec des noms qui sonnent encore à toutes les oreilles[1]. Mais qui se souvient encore du premier de cette longue série, qui fut en même temps le tout premier des prix Nobel de littérature ? C’est en effet un poète français, et alors non des moindres, qui fut le premier récipiendaire du Prix Nobel de littérature : Sully-Prudhomme (1839-1907). Bonne occasion de revenir sur l’une des gloires de la France de la Belle Epoque, aujourd’hui bien oubliée…

I. Un premier recueil remarqué : Les Stances et Poëmes (1865)

Né à Paris dans une famille modeste, orphelin de père de bonne heure, René Armand François Prudhomme s’était d’abord destiné à une carrière d’ingénieur, avant de se tourner vers le droit et le notariat. Rien de bien poétique là-dedans donc, mais le jeune homme rimait quand même à ses heures et faisait connaître ses premiers vers au sein de la société étudiante « La Conférence La Bruyère ».

Portrait photographique de Sully-Prudhomme, dans les années 1880

Publié discrètement en 1865 (il a 26 ans), son premier recueil, Stances et Poëmes, va le propulser du jour au lendemain dans la lumière et en faire une icône du mouvement parnassien. Le poème « Le Vase brisé », métaphore d’un chagrin d’amour, va bientôt être sur toutes les lèvres, et pour des décennies : « Le vase où meurt cette verveine // D’un coup d’éventail fut fêlé ; // Le coup dut l’effleurer à peine : // Aucun bruit ne l’a révélé. (…) ». Au nombre des plus enthousiastes lecteurs, on compta le sévère Sainte-Beuve, mais aussi et surtout Théophile Gautier. Grand nom et symbole du romantisme français, le célèbre romancier était aussi poète et son recueil Emaux et Camées (paru en 1852, puis augmenté au fil des années) a été considéré, comme le vers de Théodore de Banville, comme l’acte initiateur du Parnasse. A ce titre, il était vu comme le précurseur et le maître à penser de ce nouveau courant littéraire, dont Sully-Prudhomme devenait alors l’un des principaux représentants, avec Leconte de Lisle, François Coppée (cf.  Mélanges… 13), José-Maria de Heredia ou un certain Paul Verlaine. Dans une lettre du 8 avril 1865, Antoni Deschamps, ami proche de Gautier, annonçait au maître l’arrivée prochaine de l’exemplaire envoyé par le jeune débutant : « M. Sully Prudhomme, jeune poète d’un vrai sentiment et de beaucoup de talent, doit vous faire hommage de son recueil Stances et Poëmes (…) ». C’est cet exemplaire Gautier, enrichi d’une belle dédicace, que j’ai eu la chance d’acquérir il y a quelques années.

Sully-Prudhomme, « Stances et Poëmes », Paris, Achille Faure, libraire-éditeur, 1865. In-12, de (2) ff., 240 pp. et (8) pp. (catalogue). Demi-reliure de chagrin bleu, dos à nerfs orné de fleurons dorés, tranches mouchetées (reliure de la fin du XIXe siècle). L’exemplaire comporte quatre corrections autographes de l’auteur aux pages 73, 117, 137 et à la table. Inv. 1279.
Provenance : Théophile Gautier (1811-1872, romancier et poète) (envoi : « A monsieur Théophile Gautier, hommage respectueux, Sully Prudhomme » ; « Catalogue des livres composant la bibliothèque de feu M. Théophile Gautier », 24-25 fév. 1873, p. 32, n° 193, broché, en lot avec « Les Epreuves » [Paris, 1866] et « Les Solitudes » [Paris, 1869]) ; Fernand Vandérem (1864-1939, bibliophile, bibliographe et romancier) (ex-libris monogrammé ; « Catalogue d’ouvrages d’auteurs du XIXe siècle », 1939, 1e partie, n° 635, 520 frs. ; selon le Dr. Lascoutx, préfacier du catalogue de la vente, « le petit ex-libris de F. Vandérem confère à tous ses livres, et jusqu’au plus modeste, la valeur même d’un cachet de garantie qui les signalera à la faveur et leur assurera la survie »).

Cette offrande allait être grandement récompensée, puisque Théophile Gautier devint l’un des plus vifs soutiens du jeune poète. Dans son Etude sur la poésie française (1830-1868), commande personnelle de Napoléon III, Gautier, après avoir cité en quatre lignes Coppée, Heredia et Verlaine (autres gloires montantes du Parnasse), consacra en effet trois pleines pages enthousiastes à Sully-Prudhomme : « Un des plus nouveaux venus de cette jeune troupe est Sully-Prudhomme, et déjà il se détache au milieu de ses compagnons […]. Dans son premier volume, qui date de 1865 et qui porte le titre de Stances et poëmes, les moindres pièces ont ce mérite d’être composées, d’avoir un commencement, un milieu, une fin, et de tendre à un but, d’exprimer une idée précise. […] Dès les premières pages du livre on rencontre une pièce charmante, d’une fraîcheur d’idée et d’une délicatesse d’exécution qu’on ne saurait trop louer et qui est comme la note caractéristique d’un poète : “Le Vase brisé”. […]. Sully-Prudhomme nous semble destiné à prendre le premier rang parmi ces poëtes de la dernière heure … »[2]. Cet hommage du vieux maître au poète débutant rend donc particulièrement significatif et émouvant son exemplaire des Stances et poëmes.

II. Un pilier du Parnasse, au sein de l’ « écurie Lemerre »

Après ces débuts fulgurants, la carrière de Sully-Prudhomme ne connut aucune éclipse. Il poursuivit dans un premier temps la veine sentimentale de ses premières poésies, notamment dans le recueil Les Epreuves, paru en 1866.

Sully-Prudhomme, « Les Epreuves », Paris, Alphonse Lemerre, 1866. In-12, de 80 pp. et (3) ff. Broché, sous couvertures imprimées jaunes. Edition originale, un des 50 exemplaires sur Hollande (n° 38), numérotés et contresignés par l’éditeur. Inv. 1636.

 

Membre de l’ « écurie Lemerre » (l’éditeur qui publiait la majeure partie des auteurs parnassiens), Sully-Prudhomme croisait bien sûr dans les bureaux du passage Choiseul (ou dans les salons de la capitale) la fine fleur du monde des lettres, dont beaucoup étaient ou devenaient ses amis.

Paul Chabas, « Chez Alphonse Lemerre, à Ville D’Avray ». Ce tableau commandé par Alphonse Lemerre réunit les principaux auteurs figurant au catalogue de l’éditeur : Sully-Prudhomme, Paul Bourget, Alphonse Daudet, Leconte de Lisle, etc.

 

Parmi ceux-ci, un peu en marge (voire carrément marginal), se trouvait Albert Glatigny (1839-1873), le fils spirituel de Banville. Sully-Prudhomme s’était pris d’affection pour son strict contemporain et plusieurs dédicaces croisées manifestèrent leur amitié : Glatigny lui avait ainsi offert des pièces dans son recueil Les Vignes folles (« Rien n’est plus ennuyeux de ces villes banales… ») ou dans Gilles et Pasquins (sonnet « A Sully-Prudhomme » : « Des princes vagabons illustrent leurs annales… »). Mais ce bohème fantasque et errant fut emporté à 33 ans par une maladie de poitrine sournoise (il l’avait contractée quatre ans plus tôt en Corse dans la cellule où un gendarme obtus l’avait enfermé, le prenant par erreur pour un assassin célèbre…). Sully-Prudhomme le pleura et lui rendit hommage dans un sonnet « Aux mânes d’Albert Glatigny » : « Si quelqu’un de tes fils, parjure ingrat du Beau, / Muse consolatrice, ose en toi méconnaître / La vertu d’essuyer les pleurs que tu fais naître, / Prends à témoin celui qui dort dans ce tombeau ! […] ». Il semble que ces vers ait fait l’objet d’une première publication séparée, en deux feuillets seulement, en 1891[3]. Curieusement, ce sonnet funèbre ne vit jamais le jour en volume du vivant de Sully-Prudhomme : sa première édition intervint seulement en 1908 dans le recueil posthume Les Epaves[4].

Sully-Prudhomme, « Aux mânes de Albert Glatigny – Sonnet », manuscrit autographe, s.l.n.d. [vers 1873 ?]. Inv. 1498.

A partir des années 1870 (le poète ayant été profondément marqué par la guerre de 1870), l’inspiration de Sully-Prudhomme se modifia, associant une recherche stylistique formelle (bien dans le goût des préoccupations esthétiques des auteurs du Parnasse) à son vieil intérêt de jeunesse pour la science et la philosophie. En témoigne un recueil comme Le Prisme, paru en 1886, deux ans avant qu’il n’arrête la poésie pour se consacrer entièrement à des essais philosophiques. L’exemplaire avait été offert à l’homme politique Pierre Tirard (1827-1893), futur président du Conseil [5].

Sully-Prudhomme, « Le Prisme – Poésies diverses », Paris, Lemerre, 1886. In-12, de 173 pp. Demi-reliure de chagrin rouge à coins, dos à nerfs richement orné, titre doré, tête dorée (reliure de l’époque). Inv. 996.
Provenance : Pierre Tirard (1827-1893, président du Conseil, ministre à plusieurs reprises, député, puis sénateur de la Seine) (envoi autographe : « A Monsieur P. Tirard, bien affectueux souvenir, Sully Prudhomme »).

 

III. Au sommet des honneurs : le prix Nobel (1901)

Faisant partie des auteurs les plus en vue de son temps, élu à l’Académie française en 1881, couvert de décorations et d’honneurs, Sully-Prudhomme fut donc aussi, en 1901, le premier lauréat du Prix Nobel de littérature tout juste créé.

Sully-Prudhomme vers 1900

La récompense lui avait été décernée « en reconnaissance spéciale pour son oeuvre poétique, qui a donné des preuves de son idéalisme tranquille, de sa perfection artistique, et d’une rare combinaison de qualités de coeur et d’esprit ». Il était alors plus ou moins reclus dans sa propriété de Châtenay-Malabry, souffrant d’attaques récurrentes de paralysie. Ce nouvel honneur était donc aussi pour lui source de soucis et c’est ce qu’il exprime dans cette lettre à son vieux camarade Catulle Mendès (1841-1909), ex-beau-fils de Gautier et autre grande figure du mouvement parnassien en son temps :

« Que devez-vous penser de moi, mon cher ami ? Vous m’avez adressé vos félicitations par un télégramme d’une cordialité qui m’a vivement touché et je n’y ai pas répondu ! Pardonnez-le moi. Je suis malade depuis le commencement du printemps dernier, je le suis encore : ma guérison est d’une lenteur désespérante, bien que je souffre moins. C’est dans les plus pénibles conditions que j’ai appris la nouvelle de mon prix Nobel ; j’ai été pris de découragement devant les obligations que cet honneur inattendu me créait et je ne pouvais me résigner à n’envoyer qu’une carte de remerciement aux plus anciens témoins de mes débuts. Mal m’en a pris, j’ai été débordé. C’est aujourd’hui seulement que je remercie Heredia ! J’ai pu lui écrire assez lisiblement, mais j’ai des mouvements nerveux qui m’empêchent de manier correctement ma plume. J’espère toutefois que vous déchiffrerez ces lignes trop tardives où j’évoque nos communs souvenirs de jeunesse. Vous vous rappellerez la visite du débutant au directeur de revue, qui n’était guère son aîné. Que ce temps est loin ! Vous avez raconté notre première entrevue dans un article tant sympathique. Nous avons suivi des voies différentes, divergentes même ; je n’en ai pas moins trouvé, comme tous nos confrères du Parnasse, un fidèle et sûr camarade en vous. Vous n’avez jamais failli à la solidarité littéraire, je veux dire au respect des lettres dans leurs représentants dévoués. Je tenais à vous rendre ce témoignage en échange du vôtre, et je regrette beaucoup de le faire si tardivement. Je vous serre les mains, Sully Prudhomme »

Sully-Prudhomme, lettre autographe signée à Catulle Mendès, Châtenay-Malabry, 17 janvier 1902, p. 1.
Sully-Prudhomme, lettre autographe signée à Catulle Mendès, Châtenay-Malabry, 17 janvier 1902, p. 2.

Disposant déjà d’une certaine aisance, le lauréat profita de l’essentiel de son prix pour créer un prix de poésie géré et décerné par la Société des Gens de lettres. Il mourut six ans plus tard et fut inhumé en grande pompe à Paris, au cimetière du Père-Lachaise (44e division).

Tombe de Sully-Prudhomme au cimetière du Père-Lachaise

Sic transit gloria mundi… Le nom de cette gloire des lettres françaises, le premier prix Nobel de littérature, a été depuis bien oublié… Son « Vase brisé » doit encore hanter un coin de Lagarde et Michard, mais n’affole guère les listes de ventes sur Amazon. Alors ayez une petite pensée pour lui lorsque vous découvrirez, dans les média, le prochain palmarès venu de Stockholm ! 🙂

Nicolas Ducimetière

Douvaine, 8 oct. 2017


NOTES

[1] Lauréats français : Frédéric Mistral (1904), Romain Rolland (1915) Anatole France (1921), Bergson (1927), Roger Martin du Gard (1937), André Gide (1947), François Mauriac (1952), Albert Camus (1957), Saint-John Perse (1960), Claude Simon (1985), Jean-Marie Le Clézio (2008) et Patrick Modiano (2014).

[2] Théophile Gautier, Histoire du Romantisme, 1874, pp. 364-367.

[3] Bibliothèque nationale de France, Richelieu 4-RF-42970.

[4] Sully-Prudhomme, Les Epaves, Paris, Lemerre, 1908, pp. 145-146.

[5] Homme politique natif de Genève, Pierre Tirard (1827-1893) fut élu maire du 2e arrondissement de Paris en 1870 et tenta, sans succès, de jouer les conciliateurs entre les insurgés de la Commune de Paris et le gouvernement réfugié à Versailles. Député de la Seine de 1871 à 1883, il fut à cette date désigné comme sénateur inamovible par la Chambre des députés. Il occupa également de nombreuses fonctions ministérielles : ministre de l’Agriculture et du Commerce (1879-1882 et 1889-1890), des Finances (1882-1888 et 1892-1893), tout en assumant à deux reprises la Présidence du Conseil (11 déc. 1887 au 30 mars 1888, puis 22 fév. 1889 au 13 mars 1890). Sully-Prudhomme fut amené à côtoyer Tirard à plusieurs reprises au cours de cérémonies : ainsi, en 1882, se trouva-t-il à un banquet avec « à sa droite M. Tirard et à sa gauche M. Théodore de Banville », et son éditeur, Lemerre, en vis-à-vis (selon les souvenirs de Jules Claretie, La Vie à Paris – 1882, p. 145).

MONETA (14) : AU LARGE DU KENT, L’ « ADMIRAL GARDNER »

LE TRESOR DE L’ADMIRAL GARDNER

 (GOODWIN SANDS, 1809)

Faisons résonner Rule Britannia ou plutôt Heart of Oak ! Petit accroc aujourd’hui à la thématique générale de mes billets estivaux : pour changer un peu, nous parlerons d’un naufrage impliquant non pas de bonnes grosses « pièces de huit » espagnoles en argent, mais une « monnaie de singe » anglaise en cuivre. Epave assez récente (enfin de 1809 quand même), coulée dans les eaux froides de la Manche avec une cargaison de 48 tonnes (!) de cash, de flouze, bref de pièces de cuivre destinées aux salariés indigènes de la toute puissante Compagnie anglaise des Indes orientales. Partez sur les traces de cet indiaman à la croisière brutalement interrompue : l’Admiral Gardner.

I. Le bateau

Propriété de la puissante Compagnie anglaise des Indes orientales (« The Honourable East India Company », en abrégé HEIC), l’Admiral Gardner faisait partie de la classe des navires surnommés indiamen, des bâtiments conçus pour transporter en toute sécurité marchandises et passagers vers les possessions britanniques des Indes. Souvent très bien armés, ces trois-mâts étaient, par leur profil et leurs peintures (avec une bande blanche ou jaune courant tout le long de la coque, à hauteur des sabords), taillés pour ressembler aux navires de guerre de la Royal Navy (et leur possibilité de défense se rapprochait, à vrai dire, d’un vaisseau de seconde ligne, autrement dit d’un « deux ponts »[1] : lors de la bataille de Poulo Aura, en 1804, on vit ainsi un convoi d’indiamen repousser une escadre française !). Comme les navires de guerre, leur coque « frégatée » était plus large à la ligne de flottaison afin de conserver la stabilité du navire en dépit de sa lourde charge de canons (sans même parler de la cargaison). Passant par le cap de Bonne-Espérance pour gagner Bombay, Madras ou Calcutta, leur voyage aller-retour vers les Indes durait en général 18 mois.

L’indiaman « Repulse » en 1820, aux East India Docks de Londres

Construit en 1797 dans les chantiers navals de Limehouse, l’Admiral Gardner était un indiaman de beau gabarit, jaugeant 813 tonneaux. Avec ses 145 pieds de longueur et son armement respectable de 23 canons, il était l’un des fleurons de la flotte de la Compagnie.

Le « Admiral Gardner » d’après une gravure de l’époque

Son nom de baptême lui venait de l’amiral Alan Gardner (1742-1809), premier baron Gardner, l’un des plus respectés officiers supérieurs de la Royal Navy, dont le dernier poste, de 1807 à sa mort, fut le commandement en chef de la flotte de la Manche, fonction de première importance face à la France impériale toute proche. Le vieux marin s’était éteint le le 1er janvier 1809 ; par un curieux coup du destin, le bateau qui portait son nom ne devait pas lui survivre un mois…

L’amiral lord Alan Gardner (1741-1809), 1er baron Gardner, par William Beechey

Le 24 janvier 1809, l’Admiral Gardner, sous le commandement du capitaine John Eastfield, appareilla du port de la Compagnie, à Blackwall, près de Londres. Destination : Madras. A défaut d’être précieuse, sa cargaison était volumineuse et fort lourde : il s’agissait d’un chargement d’ancres, de chaînes, de canons et de lingots de fer (ces derniers pour le compte de la Rose Copper Co., de Redruth, Cornouailles). Le navire transportait aussi et surtout 48 tonnes (!) de pièces de cuivre fraîchement frappées, courant 1808, par un procédé moderne récent : la presse monétaire à vapeur inventée par Matthew Boulton (1728-1809) et mise en œuvre dans sa fabrique de Soho (Soho Mint)[2].

La presse monétaire à vapeur de Boulton-Watt

Stockées à bord dans de petits fûts de bois, ces centaines de milliers de rondelles étaient de deux types : des pièces de 10 « cash » [25,8 mm pour 4,66 grs] et 20 « cash » [30,6 mm de diamètre pour 9,33 grs]. Ce terme de « cash » était une dénomination largement employée dans les Indes pour désigner le petit numéraire, d’après un terme anglais remontant à la fin du XVIe siècle – et dont la première attestation chez un écrivain français se rencontre chez Claudel en 1894 ! Ces pièces constituaient un peu une « monnaie de singe », car il ne s’agissait pas de numéraire frappé par la Couronne, mais d’une émission monétaire privée : des « token » (jetons) que la puissante Compagnie, alors à son apogée, véritable état dans l’état régnant directement sur une bonne partie de l’Asie, réservait au paiement de ses employés et soldats indigènes aux Indes[3].

Pièce de dix « cash », provenant de l’épave de l’ « Admiral Gardner »
Pièce de vingt « cash », provenant de l’épave de l’ « Admiral Gardner »

L’avers représentait les armes accordées à la Compagnie en 1698, l’écu encadré de deux lions portant le drapeau anglais et surmontant la devise « Auspicio regis et senatus Angliæ » (Sous le patronage du roi et du Parlement d’Angleterre). Au revers figurait la valeur, en chiffres romains (« X. CASH. », « XX. CASH. »), mais aussi en farsi, langue en usage dans l’Inde moghole (ده کس دو فلوس است [Dah kas do falus ast], soit « Dix cash font deux fulûs » ; بست کس چهار فلوس است [Bist kas chahar falus ast], soit « Vingt cash font quatre fulûs »). A noter que  ce terme de « fals », « fulûs » au pluriel, était à l’origine une monnaie frappée par les califes des dynasties ommeayades et abbassides : ce nom, venu du follis byzantin, donna bien des siècles plus tard notre argotique flouze !

Le sceau de la Très honorable Compagnie des Indes orientales

 

II. Le naufrage

A peine sorti de la Tamise dans la Manche, en compagnie de deux autres indiamen, le Britannia et l’Apollo, l’Admiral Gardner dut affronter un grain sévère. Dans la lutte contre les éléments, le pilote du navire, John Palmer, se trancha deux doigts accidentellement, en tentant de couper une aussière à la hache. En état de choc, il fut incapable d’assumer sa tâche et le bateau fut poussé irrémédiablement vers les Goodwin Sands. Situé à une dizaine de kilomètres au large des côtés du Kent, ce dangereux et large banc de sable, un redoutable piège à bateaux, culmine jusqu’à seulement 50 centimètres de fond à marée basse…

Les redoutables Goodwin Sands, vus d’avion

Au plus sombre de la nuit du 24 au 25 janvier 1809, ayant perdu son ancre et ses mâts, l’Admiral Gardner désemparé percuta de plein fouet le banc, comme son sister-ship le Britannia. On tenta de mettre la chaloupe à la mer, mais elle fut submergée et coula en un instant. La seule solution était de se cramponner à l’épave en attendant la fin de la tourmente. L’équipage fut finalement être secouru, ne déplorant qu’une dizaine de morts et disparus.

Le naufrage de l’ « Admiral Gardner », d’après une gravure de l’époque

Un jour plus tard, les épaves avaient déjà disparues, balayées par les éléments et littéralement aspirées dans les profondeurs sablonneuses du banc. Une semaine après les faits, on estima que la cargaison était à jamais irrécupérable et aucune tentative de sauvetage ne fut tentée : la perte sèche se monta à 200’000 £ pour la Compagnie.

III. La redécouverte

Oubliée pendant plus de 150 ans, l’histoire de ce naufrage resurgit soudain en 1976. Après avoir dragué du sable dans les Goodwin Sands pour alimenter des chantiers de construction à Douvres, on y trouva par hasard des token de la Compagnie des Indes orientales. Le souvenir de la tragédie fut ranimé dans les esprits, et notamment chez les pêcheurs locaux, et l’épave fut vite identifiée comme l’Admiral Gardner (le Britannia, toujours non localisé, étant porteur d’une importante cargaison de token d’argent, et non de cuivre).

Localisation moderne de l’épave, sur les Goodwin Sands, au large du Kent

Il fallut toutefois attendre 1983 pour que le site exact soit repéré grâce à un pêcheur dont les filets remontèrent de nouveaux token. L’année suivante intervint la première entreprise de récupération, menée par les plongeurs de la EIC Diving Group. Les résultats furent immédiats et conséquents : durant cette campagne, ce sont plus d’un million (!) de token qui auraient été ramassés au fond, sans parler d’un baril intact contenant à lui seul 28’000 jetons.

Un baril retrouvé intact, avec ses 28’000 « token » soudés en bloc

Les conditions de plongée étaient difficiles, en raison des courants et de la faible visibilité, limitant les fenêtres opérationnelles à deux heures par jour. Il fallait aussi compter avec la très grande mobilité des sables : le site découvert par les courants risquait d’être à nouveau enseveli à la moindre tempête un peu sérieuse.

Un tapis de « token » de cuivre, parmi les débris de leurs barils
Les monnaies neuves, à peine sorties des presses, ont subi les atteintes de l’eau salée pendant 175 ans : leur cuivre a souvent pris une patine oxydée noire et les plus exposées ont vu leur gravure s’estomper

 

L’entreprise attira l’attention des autorités qui classèrent le site en 1985… avant de s’apercevoir qu’il n’était pas dans la limite des eaux territoriales (3 nautiques seulement à cette époque). Quatre ans plus tard, cette limite étant portée à 12 nautiques, le site fut à nouveau inscrit et protégé. Entre-temps, les mouvants Goodwin Sands s’étaient refermés sur l’épave, qui réapparut de manière sporadique au fil des ans : le site de l’Admiral Gardner fut ainsi à nouveau accessible en août 1993, puis en mai 1995 (donnant lieu à une mission de l’Archaeological Diving Unit, qui put observer la structure du bateau et ses canons de fer). En juin 1999, un examen au magnétomètre à protons montra que le site, à nouveau légèrement recouvert, demeurait fort bien préservé ; un an plus tard, il était complètement enseveli sous le sable.

Des « token » sortis par milliers du sable des Goodwin Sands

Ce sont donc des centaines de milliers de pièces qui ont été sorties du sable durant la campagne de fouilles de 1984-1985. Cette profusion explique qu’il soit aisé de se procurer ces « jetons » à des prix très modiques : l’occasion pour tout un chacun d’obtenir une véritable « pièce d’épave » pour quelques dizaines d’euros !

Outre les deux pièces montrées ci-dessus, j’ai eu la bonne chance de mettre la main sur un « bloc » (clump) d’une demi-douzaine de token encore soudés par les concrétions, chose qui m’aurait été impossible pour un bloc semblable de « pièces de huit » venant d’une épave espagnole (comptez dans les 3000 à 5000 dollars dans ce cas de figure !).

Un conglomérat de « token » provenant de l’ « Admiral Gardner ». Une pièce a été nettoyée, formant un contraste saisissant avec ces voisines encore concrétionnées et oxydées
Vue arrière du même « clump », montrant bien les concrétions marines et le produit des oxydations du cuivre

Une seule de ces pièces a été traitée et nettoyée, affichant les armes orgueilleuses de la Compagnie anglaise des Indes orientales : le tout forme un très bon résumé de l’histoire de l’Admiral Gardner, fleuron naufragé d’une des plus puissantes compagnies privées ayant jamais existé.

Nicolas Ducimetière

Loisin, 21 août 2017


NOTES

[1] Jaugeant 1400 tonneaux et longs de 53 mètres, les deux plus grands indiamen du début du XIXe siècle, le Earl of Mansfield et le Lascelles, furent d’ailleurs rachetés par la Royal Navy qui les transforma en vaisseaux de 56 canons, sous le nom de HMS Weymouth et HMS Madras. Autre exemple, le Lord Warley, de 1100 tonneaux, connut le même destin : sous le nom de HMS Calcutta, il fut capturé par la marine française, puis brûle par la Navy lors de la bataille de l’île d’Aix en 1809…

[2] Vers le milieu du XVIIIe siècle, près des deux tiers des monnaies anglaises de cuivre en circulation étaient de faux. Afin d’améliorer la qualité de la frappe et donc compliquer le travail des faussaires, Boulton proposa les services de sa presse à vapeur, qui pouvait frapper avec une grande régularité 70 à 84 pièces à la minute. Les premières machines furent installées à Soho en 1788 et gagnèrent vite la clientèle de la Compagnie des Indes orientales. Boulton la décrivit dans ces termes à son ami le naturaliste Joseph Banks : « Elle frappera des pièces bien plus vite, bien plus facilement, avec moins de personnes, pour moins cher et avec une qualité bien supérieure à toute autre machine jamais utilisée pour frapper de la monnaie… La pose des pièces ou les flancs sur les coins ne demande pas de précision et elle peut être faite aussi vite que l’on veut. Elle peut travailler nuit et jour sans fatigue grâce à deux équipes de garçons. La machine garde le compte des pièces frappées et ce dernier ne peut être modifié par toute personne employée. L’appareil frappe une inscription sur le flanc avec le même coup qui frappe les deux faces. Elle frappe le champ des pièces de manière bien plus brillante que toute autre presse. Elle crée des pièces parfaitement rondes, toutes du même diamètre et avec exactement la même concentricité, ce qui ne peut pas être fait par les autres machines actuellement utilisées ».

[3] Longtemps en usage en Angleterre même pour pallier à certaines époques au manque de matières précieuses, mais finalement interdits en 1817, ces token furent ensuite utilisés dans les colonies (pas moins de 35 territoires à travers la planète). En plus de ceux émis par le gouvernement (150 variétés à Ceylan, 214 en Australie entre 1835 et 1863, 597 au Cap entre 1814 et 1910 !), il en existait beaucoup frappés par des compagnies privées, ce qui fut le cas en Inde avec la East India Company et ses différentes presidencies. A noter que la North West Company (plus connue sous le nom de « Compagnie de la Baie d’Hudson ») avait établi une unité monétaire bien à elle : ni penny, ni cash, mais la peau de castor ! Il existait ainsi des jetons d’un castor, d’un demi-castor, d’un quart, d’un huitième de castor…

En plus des token en cash, la Présidence de la Compagnie à Madras utilisait parallèlement deux devises, le fanam et la rupie, selon ces équivalences de valeur :

  • 1 fanam = 80 cash
  • 1 rupee = 12 fanam
  • 1 pagoda d’or = 3,5 rupees = 42 fanam = 3360 cash

MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (17) : ÉLISA MERCOEUR, UNE VICTIME DU STAR-SYSTEM ?

MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (17)

ÉLISA MERCOEUR, UNE VICTIME DU STAR-SYSTEM ?

Bien avant Star Academy ou The Voice, longtemps avant les premières vedettes du cinéma (même muet), le « star-system » fonctionnait déjà à plein. Actrices ou chanteurs, jeunes premiers ou cantatrices, ils ont depuis toujours, ou presque, été les idoles des foules (cf. « Mélanges… » 16 : Auteurs vs. Acteurs), jouant avec les avantages et les risques de la célébrité. Mais ce vedettariat ne concerna pas uniquement les métiers de la scène : les auteurs eux-aussi se sont complus à ce jeu, bâtissant leur carrière en même temps que leur réputation à grands coups de promotion et de mise en avant.

Elisa Mercoeur, par Auguste Belin

Je voulais aujourd’hui aborder le cas d’une victime (ou prétendue telle) de la « starification » et de ses méfaits : la poétesse Elisa Mercœur (1809-1835), météore de la littérature romantique française. Originaire de Nantes, cette précoce et ambitieuse « Muse de département » chercha la consécration parisienne, collectionnant avec avidité la familiarité et le jugement des grandes figures de son temps. Simple arrivisme ou désir plus émouvant de reconnaissance, venant d’une enfant abandonnée à la naissance ? Toujours est-il que ce désir de brûler les étapes en s’appuyant sur des sommités lui fit citer publiquement une soi-disant lettre d’éloges de Lamartine, à la grande indignation du poète… Son étoile pâlissant, découragée par des échecs mal acceptés, Elisa Mercœur se laissa finalement glisser dans le néant à l’âge de 26 ans… Cette figure assez peu connue du romantisme français me semblait mériter un billet, illustré par trois documents issus de mes rayons : les deux éditions des Poésies de Mlle Mercœur parues du vivant de la jeune fille et une lettre très agacée de Lamartine à son sujet.

I. Des débuts difficiles, de brillantes dispositions

L’histoire commence le 27 juin 1809, et assez tristement. A 22 heures, un bébé est trouvé devant la porte de l’hospice des orphelins de Nantes, un papier accroché à son linge : « Elisa, née le 24 juin 1809, non enregistrée aux actes civils. Le ciel et la douce humanité veilleront sur elle. Ses parents seront peut-être assez heureux pour pouvoir la réclamer un jour ». C’est ainsi que la future poétesse entra dans la vie. Le commissaire de police du quartier lui attribua le nom de « Mercœur », en rappel des « Fossés-Mercœur », ouvrage militaire voisin, jadis bâti par le duc de Mercœur, gouverneur de la ville durant la Ligue. Elisa demeura deux ans dans cet orphelinat jusqu’à ce que sa mère, Adélaïde Aumand, brodeuse de son état mais issue d’une famille bourgeoise, vienne la récupérer en avril 1811. Son père, l’avoué Jules-François Barré, ne la reconnut en revanche jamais officiellement, mais prit soin d’elles. Elisa avait sans doute eu connaissance de l’identité de son géniteur, puisqu’elle écrivait à la mort de celui-ci, en 1825 : « Du sommeil de la mort tout prêt à s’endormir … / Mon père retenait son âme délirante / Par les liens du souvenir ».

En dépit de ces débuts difficiles, l’enfant montra vite de brillantes dispositions littéraires. A six ans, elle imaginait des sujets de conte et de comédie ; à huit ans, elle se lança dans la composition d’une tragédie en cinq actes et en vers pour la Comédie-Française. À douze ans, elle pouvait lire Virgile à livre ouvert et se débrouillait en grec. En 1825, pour saluer les débuts d’une nouvelle cantatrice au Théâtre de Nantes, elle écrivit et lui offrit un poème de 80 vers ; le lendemain, toute la ville était en courant et applaudissait cette pièce qui fut publié dans le journal Le Lycée armoricain. La jeune fille de seize ans révéla rapidement d’autres textes et gagna rapidement les surnoms de « Muse armoricaine » ou de « Delphine nantaise » (allusion à la toute aussi précoce Delphine Gay [1804-1855], future Madame Emile de Girardin, qui avait publié ses premiers vers en 1822).

II. Un premier recueil nantais (1825)

Couverture de l’édition originale des « Poésies » d’Elisa Mercoeur (Nantes, 1827)

Soutenue par ces admirateurs, elle parvint bientôt à mettre au jour un premier volume de vers. Le principal imprimeur nantais, Mellinet-Malassis, matérialisa les essais poétiques de la jeune muse, après que la somme considérable de 3’000 francs-or a été rassemblée par souscription dans tous les salons de la bonne société nantaise. Tiré à seulement 750 exemplaires, ce volume, aujourd’hui « assez rare »[1], était joliment imprimé et présentait un portrait frontispice gravé de la poétesse.

« Poésies de Mlle Elisa Mercœur », Nantes, de l’imprimerie de Mellinet-Malassis, 1827. In-12, de 208 pp. Demi-reliure de maroquin marron janséniste, dos à nerfs, titre doré, date en queue, tête dorée, convertures conservées, non rogné (reliure de la fin du XIXe siècle). Bien complet du portrait-frontispice de la poétesse. Inv. 1641.

Circonstance assez rare, mon exemplaire (Inv. 1641) est enrichi d’un envoi de la jeune fille, adressé à une gloire locale nantaise : le musicien Pierre Rebeyrol (1798-18..). Clarinettiste et compositeur, professeur de musique au Conservatoire de Nantes, il reçut le premier prix du Conservatoire de Paris, puis la médaille d’argent de la Société Académique de Nantes en 1836.

Un rare envoi autographe d’Elisa Mercoeur sur l’édition originale de ses « Poésies » de 1827

Contenant 27 poèmes, ce premier recueil était dédié à Chateaubriand, demi-dieu de la littérature auquel la jeune auteur réclamait son patronage dans une supplique s’achevant par ces mots : « J’ai besoin, faible enfant, qu’on veille à mon berceau. / Et l’aigle peut, du moins, à l’ombre de son aile, protéger le timide oiseau ». Occasion d’une première rebuffade, car, dans une lettre gentille mais teintée d’ironie, l’Aigle répondit au timide oiseau qu’il ne pouvait offrir d’abri à personne : « Je vous remercie, Mademoiselle, de votre confiance et de vos éloges ; je ne mérite pas les derniers, je tâcherai de ne pas tromper la première. Mais je suis un mauvais appui ; le chêne est bien vieux, et il s’est si mal défendu des tempêtes, qu’il ne peut offrir d’abri à personne »[2]. Ce qui n’empêcha pas Elisa de publier cette lettre du grand homme dans la réédition de ses poèmes !

Grâce aux encouragements qui lui venaient de toutes parts, la réputation d’Élisa Mercœur s’étendit bientôt dans toute la France. La Société académique de la Loire-Inférieure et la Société polymathique du Morbihan accueillirent la débutante en leurs rangs. Alors même que ses vers étaient salués de toutes parts et que le succès s’annonçait, Elisa Mercœur commença pourtant à se composer un personnage d’auteur délaissé et injustement méconnu. Reproches injustifiés, puisque les journaux, de Paris comme de province, avaient salué avec enthousiasme son premier recueil. Lorsque des voleurs dévalisèrent son logis, la laissant sans un sou, plusieurs grands noms, dont la duchesse de Berry, volèrent à son secours. Le ministère de l’Intérieur, sollicité, lui accorda une gratification, qui s’ajouta à la pension annuelle de 300 francs-or accordée directement par la Maison du Roi, bientôt portée à 1’200 par le vicomte de Martignac (ministre destinataire du poème « La Gloire »), soit à peu près autant que le jeune Victor Hugo à ses débuts[3].

III. La montée à Paris : publication, marketing et reconnaissance (1829-1831)

Bientôt, Nantes, qui toute entière bruissait de son nom, ne suffit plus à l’ambitieuse Elisa, qui, comme tous ces jeunes auteurs provinciaux ambitieux décrits par Daudet (dans son conte « Bixiou »), « monta » à Paris pour s’y établir avec sa mère. Elisa fut accueillie avec les honneurs dans la plupart des grands salons littéraires de la capitale (comme ceux de Mme Récamier ou de Nodier), côtoyant les gloires du moment, en particulier Victor Hugo, Marceline Desbordes-Valmore ou Mélanie Waldor (autre poétesse d’origine nantaise, maîtresse d’Alexandre Dumas).

Elisa Mercoeur, par Deveria (frontispice de l’édition des « Oeuvres complètes » de 1843)

Désireuse de plaire et de s’attirer les suffrages des auteurs ou hommes politiques en vue, elle organisa une politique « marketing » très agressive, composant de nombreuses pièces encomiastiques adressées à tous ceux qui pouvaient lui être utiles. Mais ce besoin de reconnaissance et même d’amour se heurtait aussi à des oppositions farouches dans certaines coteries de la capitale. Ainsi, une critique acerbe du journal Le Globe voulut la remettre méchamment en place : « Il ne faut pas que Mlle Mercœur se méprenne sur la nature de son talent ; c’est le talent d’une jeune fille, gracieux et pur, mais sans énergie ; sa lyre ne veut pas être tendue (…) Qu’elle songe au style, sans lequel, poète ou prosateur, on ne va jamais loin ; qu’elle évite l’incorrection et ces lignes de prose qu’elle laisse trop souvent se traîner à côté de ses plus beaux vers (…), alors que Mlle Mercœur méritera une partie des éloges qu’elle a déjà reçus, et prendra place entre les femmes-poètes, au-dessous de Mlle Gay et bien loin de Mme Tastu ».

Poésies de Mlle Elisa Mercœur, Paris, Crapelet, 1829. Petit in-12, de XVI ff. et 225 pp. Demi-reliure de veau fauve, dos lisse orné de caissons dorés à fleurons romantiques, tête dorée, non rogné (reliure de l’époque). Inv. 523.
Demi-reliure de veau fauve, dos lisse orné de caissons dorés à fleurons romantiques, tête dorée, non rogné (reliure de l’époque).

 

 

Le succès du premier recueil avait été tel qu’aucun exemplaire n’avait pu sortir du département pour atteindre Paris. C’est du moins ce qui aurait motivé une deuxième édition, augmentée de six poèmes, chez Crapelet (celui-là même qui avait affirmé « Un livre sans faute est une chimère » !). Selon Clouzot, les exemplaires de ce livre se rencontrent « le plus souvent en reliure d’époque assez simple ». Il y aurait eu quelques volumes tirés sur grand vélin.

La préface de cette seconde édition, signée par l’éditeur Crapelet, est un exemple assez extraordinaire de « name dropping » promotionnel : à grands renforts de précisions, voire de citations de lettres entières, les Académies nantaises, la duchesse de Berry, le vicomte de Martignac venaient attester le brio littéraire de la jeune auteur. Le recueil lui-même était placé sous la protection de Chateaubriand, dont la lettre, pourtant ambiguë, était intégralement reproduite. Etait également convoqué le jugement de Lamartine, juste après celui de l’auteur de René : « Un autre hommage rendu au talent de notre jeune Poète dut toucher bien différemment son cœur, lorsqu’on lui fit connaître le sentiment de l’auteur des Méditations sur ses premières productions. M. de Lamartine écrivait de Florence, en date du 9 octobre 1827, à un littérateur de ses amis, qui lui avait envoyé les Poésies de mademoiselle Mercœur : “J’ai lu avec autant de surprise que d’intérêt les vers de mademoiselle Mercœur, que vous avez pris la peine de me copier. Vous savez que je ne croyais pas à l’existence du talent poétique chez les femmes ; j’avoue que le Recueil de madame Tastu m’avait ébranlé ; cette fois, je me rends ; et je prévois, mon cher, que cette petite fille nous effacera tous tant que nous sommes.” »[4].

La fameuse citation d’une lettre de Lamartine, dans la préface de l’édition parisienne des « Poésies » (1829)

Donnée pour la première fois dans le journal Le Breton dès 1827, la citation fit florès (« Monsieur Mélinet ayant répété dans son journal l’aimable prédiction de M.de Lamartine sur Elisa, comme il avait répété celle de Monsieur de Chateaubriand, les autres journaux la répèteront à leur tour et depuis lors on ne l’appela plus que la “petite fille” »[5]). Elle a eu par la suite et a encore la vie longue[6].

Mais le désir de reconnaissance un peu naïf d’Elisa l’avait conduite à un manque de délicatesse assez flagrant, en citant une lettre de Lamartine sans son accord direct. Quand la première mention en avait été faite en 1827, cela n’avait pas trop porté à conséquence : après tout, la province… Mais dans une édition parisienne, avec reprise du propos dans les journaux de la capitale, c’était autre chose ! Le 27 mars 1829, Charles Nodier, dans une lettre-fleuve, avait averti son ami Lamartine de cette indélicatesse de la jeune poétesse, qui avait « fort innocemment compromis votre nom dans une polémique désagréable », victime d’une duperie montée par un « intrigant ». Nodier soulignait que la jeune femme méritait l’indulgence de Lamartine et qu’elle avait bien besoin d’être consolée par un mot bienveillant…

Que/qui croire ? Pour certains auteurs, la lettre de Lamartine aurait bien existée et le démenti du poète aurait été suscité par son amie la poétesse Delphine Gay (Madame Girardin à partir de 1831), jalouse de la jeune Nantaise qu’elle envisageait comme une rivale (n’avait-on pas surnommé Elisa « la Delphine nantaise » ?) . Toujours est-il que l’agacement de Lamartine semble bel et bien sincère dans cette lettre, jusqu’à présent inédite, « à Monsieur le rédacteur du Messager des Chambres » :

« Monsieur, l’auteur de la préface des poésies de Mlle Mercœur persiste dans votre n° du 14 février à m’attribuer sur la foi du journal Le Breton et de Mr le Secrétaire de l’Académie de Lyon une lettre et une phrase que j’ai déjà démenties par la voix de votre journal. Permettez-moi de renouveler formellement ici le désaveu  de cette prétendue lettre, et de répéter que non seulement je n’ai rien écrit d’offensant contre les talents de plusieurs femmes que j’admire, mais encore  que je n’ai jamais lu les ouvrages de Mlle Mercœur, et jamais écrit à Mr le Secrétaire de l’Académie de Lyon que je n’ai pas même l’honneur de connaître. Je vous demande pardon, Monsieur, d’insister si fortement sur une dénégation qui n’a aucun intérêt pour le public mais qui en a un très vif pour moi, celui de ne pas laisser infirmer une assertion que je vous ai autorisé à avancer sur la foi de ma parole et qui est la vérité même.

J’ai l’honneur d’être avec la considération la plus distinguée, Monsieur, votre très humble serviteur,

Al. de Lamartine

St Point, 17 fevrier 1839.

P.S. Je vous prie de vouloir bien insérer cette réclamation dans un de vos plus prochains N/os. »

Alphonse de Lamartine (1790-1869), lettre autographe signée « à Monsieur le rédacteur du Messager des Chambres », Saint-Point, 17 février 1839, 2 ½ pp. in-8 à l’encre noire. Inv. 2220.

IV. Mourir de déception… (1831-1835)

Pour emporter définitivement la capitale, Elisa avait entreprit l’écriture d’une grande tragédie : Boabdil. Mais le projet fut contrarié par la Révolution de 1830 : avec l’annulation de sa pension, la jeune fille fut condamnée aux « travaux forcés littéraires » (selon l’expression forgée par Lamartine), à savoir des articles ou vers de circonstance pour les journaux ou « keepsakes ». Selon son médecin, elle se plaignit d’avoir été obligée de faire « cet horrible métier de vendre sa prose et ses vers à des libraires à tant la feuille », et de ne pouvoir se livrer à son aise à la composition poétique. Finalement, grâce à Casimir Delavigne, une nouvelle pension de 900 francs lui fut finalement accordée.

Pour ses premiers biographes, Elisa Mercœur se serait gâtée la santé en raison dans ces travaux de plume harassants, qui lui auraient à peine procuré de surmonter la misère : exagération romantique. Les mémoires laissés par sa mère donnent toutefois une raison encore plus incroyable au décès de la jeune femme. Achevée au printemps 1831, la tragédie Boabdil fut acceptée par les acteurs de la Comédie-Française, mais refusée par son directeur le baron Taylor. Ce camouflet cinglant blessa profondément l’orgueil de la jeune femme. A part quelques vers encomiastiques pour Louis-Philippe ou ses ministres, elle se consacra alors à la prose, passant sous contrat avec l’éditeur Charpentier pour un roman Quatre Amours annoncé dès 1833 (mais jamais paru). Languissante, touchée par une affection pulmonaire (« une phtisie laryngée, compliquée d’ulcères dans les intestins » selon son médecin, le Dr. Casimir Broussais), Elisa partit en convalescence et fit une tentative de suicide dans des circonstances mal élucidées. Revenue à Paris sans être rétablie, elle rendit le dernier soupir le 7 janvier 1835 dans les bras de sa mère, à laquelle elle avait dit quelques jours avant : « Si Dieu m’appelle à lui, on fera mille contes sur ma mort ; les uns diront que je suis morte de misère ; les autres d’amour ! Dis à ceux qui t’en parleront que le refus de M. Taylor de faire jouer ma tragédie seul a fait mourir la pauvre enfant ! ».

Bien peu de ses anciens admirateurs l’accompagnèrent le 9 janvier dans sa dernière demeure au cimetière du Montparnasse, mais on comptait parmi eux Chateaubriand (qui fleurit la tombe). Dernière demeure ? Pas vraiment : avec l’appui d’une souscription, son amie et compatriote la poétesse Mélanie Waldor paya une concession et une tombe au cimetière du Père-Lachaise, où le corps d’Elisa fut transférée en mai 1836. Il semble qu’un masque funéraire ait été réalisé au passage sur les restes décharnés, mode de la phrénologie oblige[7]. Ses nombreux poèmes restés inédits furent réunis et imprimés en trois volumes in-8° en 1843, édités par sa mère, qui rajouta aux volumes des « Mémoires » sur la vie de sa fille.

Le tombeau d’Elisa Mercoeur au Père-Lachaise en 2013 (avant restauration)

Que demeure-t-il aujourd’hui de la figure émouvante d’Elisa Mercœur, si désireuse de reconnaissance et de gloire ? Il lui manqua sans aucun doute le temps d’exprimer plus pleinement ses capacités et de confirmer ses dons. Et sans doute n’aurait-elle pas atteint le talent de certaines de ses contemporaines, mais « quoique l’on pense du personnage de composition virginal et désespéré auquel elle s’identifie peu à peu comme sujet lyrique, on doit lui reconnaître une certaine aisance dans le maniement du lexique, des clichés et tournures à la mode, dans les vers fluides et harmonieux conformes au goût dominant du temps »[8].

Le tombeau d’Elisa Mercoeur au Père-Lachaise en 2016 (après restauration)

Si vous passez à Paris, passez dans la division 17 du Père-Lachaise. Vous y trouverez le tombeau d’Elisa Mercœur, restauré en 2016 et ayant retrouvé sur l’un de ses flancs le poème jadis choisi et depuis longtemps effacé, sorte de résumé de ce qui anima la poétesse durant sa courte vie :

« L’oubli, c’est le néant ; la gloire est l’autre vie ;

L’éternité sans borne appartient au génie :

Le monde est un écho des purs accens des cieux.

Sur la mer du passé le poète surnage ;

Chaque flot qui se brise et le pousse au rivage

Exhale un son mélodieux »[9].

Nicolas Ducimetière

15 avril 2017


BIBLIOGRAPHIE

  • Daniel Geoffroy, Elisa Mercœur : Nantais romantique, 1990
  • Bärbel Plötner, « Les débuts d’Elisa Mercœur et d’Emile Souvestre dans Le Lycée armoricain», dans Christine Planté (dir.) Masculin / Féminin dans la poésie et les poétiques du XIXe siècle, Lyon, Presses universitaires de Lyon, 2002, pp. 177-190.
  • Clouzot, Guide du bibliophile français du XIXe siècle, p. 200.

NOTES

[1] Clouzot, Guide du bibliophile français du XIXe siècle, p. 200 (« assez rare »).

[2] Dans Poésies de Mlle Elisa Mercœur, Paris, Crapelet, 1829, p. xi.

[3] En 1822, jeune débutant, Victor Hugo avait reçu une pension de 1’000 francs-or de la Maison du Roi pour les vers monarchistes de ses Odes.

[4] Dans Poésies de Mlle Elisa Mercœur, Paris, Crapelet, 1829, pp. xii-xiii.

[5] Dans Œuvres complètes d’Elisa Mercœur, Paris, Mme Veuve Mercœur et Pommeret et Guénot, 1843, pp. CXXXVI-CXXXVII.

[6] L’épouse d’Edmond Rostand, Rosemonde Gérard, consacra à Elisa Mercœur cet émouvant poème, évoquant d’emblée la prétendue citation de Lamartine :

« Lamartine disait : “Cette petite fille

Nous dépassera tous tant que nous sommes… ” Quand

Le poète daigna, d’une âme si gentille,

Laisser tomber sur elle un pareil compliment,

Je m’imagine bien que tant de politesse

Exagérait un peu, ce soir-là… Mais tant pis,

J’aime mieux, pour juger la frêle poétesse,

M’en remettre à ces mots qu’à tout ce que je lis…

Au lieu de la revoir, plus tard, cherchant sans cesse

Des honneurs, des amis, du crédit, de l’argent,

Mécontente de tout : des salons, de la presse,

Des éditeurs ingrats et des lecteurs changeants ;

Au lieu de la revoir, orgueilleuse et malade,

Et mourant de savoir qu’après tant d’insuccès

Son drame le meilleur, sur un Roi de Grenade,

Ne pourra pas entrer au Théâtre Français ;

Au lieu de la revoir, misérable et transie,

Ecrivant sans relâche entre quatre murs froids,

Et comprenant enfin que toute poésie

N’est qu’un malheur de plus qui tremble au bout des doigts,

Je la revoie toujours dès que je la situe,

Dans un décor qui semble unique sous le ciel :

Il n’y a d’un côté que des fleurs éperdues,

Et de l’autre, on ne voit qu’un grand lac immortel.

Elle entre, elle sourit… son petit collier brille…

Elle a sa robe blanche et son cœur enfantin…

Et le poète dit : « Cette petite fille

Nous dépasserons tous tant que nous sommes… Rien

Ne me fait oublier la sentence divine…

Et je verrai toujours, dans ce soir enchanteur

La fillette qu’on présentait à Lamartine :

“Cher Maître, elle a quinze ans. C’est Elisa Mercoeur” ».

[7] On peine à reconnaître les traits si délicats de la poétesse dans cette effrayante face cadavéreuse, aujourd’hui conservée dans la collection de masques mortuaires du Musée Flaubert et d’histoire de la médecine, à Rouen…

[8] Bärbel Plötner, « Les débuts d’Elisa Mercœur et d’Emile Souvestre dans Le Lycée armoricain », dans Christine Planté (dir.) Masculin / Féminin dans la poésie et les poétiques du XIXe siècle, Lyon, Presses universitaires de Lyon, 2002,  p. 183.

[9] Dans Poésies de Mlle Elisa Mercœur, Paris, Crapelet, 1829, p. 153 (« Le Sublime »).

MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (16) : AUTEURS VS. ACTEURS

MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (16)


AUTEURS VS. ACTEURS

Sans même parler des dramaturges, le monde du théâtre et du spectacle a toujours exercé une importante fascination sur les auteurs, qui l’ont décrit à plaisir dans leurs mémoires et mis en scène dans leurs poèmes ou leurs romans. Pour ne parler que de quelques noms du XIXe siècle (parmi tant d’autres), le facétieux jeune Mérimée alla jusqu’à usurper l’identité et les traits d’une prétendue actrice espagnole créée de toutes pièces, Clara Gazul[1], quand Théodore de Banville, quelques années plus tard, donna ses titres de gloire aux clowns et pierrots funambulesques[2]. Même fascination chez Edmond de Goncourt qui fut un historien minutieux du théâtre du XVIIIe siècle, donnant les premières biographies de certaines des plus grandes actrices du Siècle des Lumières (comme La Sainte-Huberty [1882][3] ou Mademoiselle Clairon [1890][4], établies sur une documentation venant souvent de sa propre collection). Quant à Daudet, on retrouve plusieurs chapitres de ses livres de souvenirs évoquant ce milieu du théâtre, et même un ouvrage entier : Entre les frises et la rampe (1894)[5].

J’avais donc envie de consacrer cette nouvelle chronique à certains exemplaires de ma bibliothèque relevant de cette thématique, non pas en listant des pièces de théâtre (cela aurait vite été fastidieux[6] !), mais en privilégiant les rapports personnels entre auteurs et monde du théâtre (en premier lieu acteurs et actrices, mais aussi directeurs de salle, metteurs en scène, etc.). Ces rapports se concrétisent ici par une vingtaine de documents : des études monographiques dans certains cas (Janin, Goncourt), des provenances (la Clairon), mais aussi et surtout par des lettres ou envois autographes échangés entre des auteurs et leurs acteurs ayant incarné les personnages sortis de leur imagination. Depuis le milieu du XVIIIe siècle jusqu’au début des années 1970, voici quelques tandems qui font se croiser Victor Hugo, Lucien Guitry, Jules et Edmond de Goncourt, Lino Ventura, Pierre Louÿs, Porel, Octave Mirbeau, Rachel, Edmond Rostand, Polaire, etc. Montez donc sur scène pour parcourir quelques morceaux d’histoire théâtrale souvent hauts en couleurs ! Attention, silence… Tam-tam-tam-tam. Tam. Tam. Tammm. Lever de rideau.

I. Hauteroche et LA CLAIRON (vers 1750)

Sur l’auteur : fils d’un huissier voulant devenir comédien, Noël Le Breton (v. 1630 – 1707), dit le sieur de Hauteroche, commença sa carrière au théâtre du Marais avant de gagner celui de Bourgogne, se retirant en 1684 avec une pension de 1000 livres. Acteur célèbre, il connut aussi le succès comme auteur, ses pièces valant surtout par leur vivacité et leurs rebondissements, moins par leur valeur psychologique. Elles parurent entre 1668 et 1691.

Mademoiselle Clairon en Médée, par Charles-André Van Loo

Sur la provenance : depuis mes années d’étudiant, après les incontournables péchés de jeune collectionneur, je m’abstiens en général comme de la peste des tomes isolés. Mais ce tome d’une réédition des Œuvres de  Hauteroche parue en 1742 méritait l’attention en raison de sa provenance : il appartint en effet à la plus grande actrice et tragédienne du XVIIIe siècle : Claire Léris (1723-1803), dite Mademoiselle Clairon. Venue d’une famille très modeste (origine qu’elle tenta par la suite à embourgeoiser en prenant le patronyme de « Léris de La Tude », alors qu’elle était la fille d’un sergent et d’une batelière),  elle débuta sa carrière à la Comédie-Italienne en 1736. Reçue à la Comédie-Française en 1743, elle triompha dans le rôle de Phèdre et fit évoluer peu à peu son art vers plus de vérité, d’authenticité et de naturel dans le jeu, supprimant aussi les perruques, les robes extravagantes pour plus de dépouillement. Elle joua dans des pièces de Marivaux, Racine, Corneille, Crébillon, Marmontel, et surtout Voltaire, dont elle créa certaines des plus grandes tragédies. Plébiscitée  par Diderot et d’autres éminents philosophes, elle fut aussi une grande collectionneuse, à la tête d’un cabinet de curiosités (momie égyptienne, livre malabar, parasol en plumes d’autruche, etc.) et d’une collection de tableaux et d’estampes (notamment de Rembrandt) que la fin de sa relation avec le comte de Tourves l’obligea à vendre en 1773[7]. Devenu la maîtresse du margrave d’Ansbach, elle y demeura dix-sept ans, pour revenir à Paris au début de la Révolution. Réfugiée chez sa fille adoptive, elle  mourut oubliée et ruinée.

Selon le discours de réception d’Alfred de Vigny à l’Académie le 29 janvier 1846, son prédécesseur, Charles-Guillaume Etienne (1777-1845), avait  « connu une imposante et très-dramatique personne qui, dans sa vieillesse, l’accueillait avec des sentiments tout maternels. C’était la grande tragédienne de Voltaire, mademoiselle Clairon, qui lui légua sa bibliothèque, comme à Voltaire enfant Ninon avait légué la sienne. – On voit que le théâtre faisait les premiers pas vers lui. – Des feuilles de ces livres moqueurs sont sortis sans doute les esprits familiers de la comédie et du journal qui, toute sa vie lui parleront à l’oreille ». Comme le décrit Edmond de Goncourt, « les livres de Clairon, généralement reliés en veau, portent sur le plat en caractères d’or : Mlle Clairon »[8]. Il possédait lui-même les Œuvres de Saint-Evremond ayant appartenu à l’actrice[9]. Les reliques de la Clairon sont aujourd’hui aussi peu communes qu’émouvantes.

Noël Le Breton (v. 1630-1707), dit le sieur de Hauteroche, Les Œuvres de théâtre de Monsieur de Hauteroche [Tome second], Paris, Compagnie des Libraires associés, 1742. Exemplaire de la Clairon. Inv. 167.

Comme je le disais plus haut, Edmond de Goncourt consacra en 1890 une importante biographie à Mademoiselle Clairon : en voici l’exemplaire n°2 sur Japon, offert à Julia Daudet.

II. VICTOR HUGO et Salvador (1851)

Le texte : « Pourriez-vous, Monsieur, disposer en ma faveur d’une loge pour la représentation de ce soir. Je vous en serais obligé. Recevez, Monsieur, avec mes remerciements, l’assurance de ma considération très distinguée, Victor Hugo. Mercredi 5 novembre. Monsieur Salvador, administrateur de l’Ambigu ».

Seul « portrait » retrouvé de l’acteur Salvador !

Le contexte : élu membre de l’Assemblée législative en 1849, Victor Hugo rompit avec le président Louis-Napoléon Bonaparte après le soutien de ce dernier au retour du pape à Rome. Entré dans l’opposition, il participa à la ligne éditoriale du journal Le Bien-Être universel, qui se qualifiait de « Moniteur du progrès social » et parut de février à novembre 1851. Cela explique que la présente lettre soit rédigée sur un papier à en-tête de ce journal. Le destinataire en était Jean-Baptiste Tuffet, dit Salvador (1803-1873), acteur et dramaturge devenu l’administrateur et secrétaire général du Théâtre de l’Ambigu-Comique. Je n’ai malheureusement pas pu identifier la pièce que Hugo voulait aller voir ce soir-là en sortant des locaux du journal.

Un mois après ce courrier, le prince-président lançait son coup d’Etat, le 2 décembre 1851. Se sachant sur la liste des proscrits, Hugo tenta de s’enfuir, puis se ravisa et voulut se constituer prisonnier, mais un commissaire refusa de l’arrêter. Il prit alors le chemin de l’exil vers Bruxelles, puis Jersey.

Victor Hugo (1802-1885), lettre autographe signée à Salvador, administrateur du Théâtre de l’Ambigu-Comique. S.l. [Paris], mercredi 5 novembre [1851]. Une page sur un bi-feuillet in-8°, à en-tête du journal « Le Bien-Être universel ». Adresse autographe au verso : « Monsieur l’administrateur du théâtre de l’ambigu », avec les mentions « Victor Hugo » et « Pressé ». Ajout manuscrit : « une loge 4 places, Salvador », avec date « 5 novembre » au composteur avec cachet humide du théâtre. Inédit. Inv. 2132.

III. JULES JANIN et Rachel (1859)

Le texte : Jules Janin (1804-1874) fut avant tout un romancier, révélé par le succès de L’Ane mort et la femme guillotinée, roman fantastique paru en 1829. Il donna aussi des contes, des nouvelles et de nombreux volumes d’histoire. Janin fut aussi un bibliophile de goût, auteur de L’Amour des livres, un ouvrage toujours très recherché. Il écrivit enfin de nombreux ouvrages sur l’histoire du théâtre, des acteurs et actrices : Mademoiselle Mars en 1843, et surtout ce Rachel et la tragédie, l’un des tous premiers livres au monde à être illustré de photographies. La célèbre Rachel Félix (1821-1858) redonna son lustre aux tragédies classiques de Corneille ou Racine, boudées par les romantiques. Sa célébrité était énorme dans toute l’Europe. Morte de tuberculose, pleurée par tout Paris, elle laissa un enfant de sa liaison avec le comte Waleski, fils naturel de Napoléon : les actuels comtes Waleski sont leurs descendants.

Les photographies illustrant ce volume furent réalisées par Henri de La Blanchère : elles représentent Rachel dans ses principaux rôles (Hermione, Camille, Monime, Phèdre, Roxane, Athalie), ainsi qu’au naturel, copiant son portait par Muller (frontispice). Ces tirages précieux sur papier albuminés furent collés individuellement sur les planches hors-texte. Selon Clouzot, il existe « quelques exemplaires (50 ?) grand in-4, avec les photographies aggrandies (premier ouvrage ayant utilisé ce procédé ?), le plus souvent richement reliés. Très recherché dans cette condition. Existe avec fer de reliure représentant Rachel sur scène »[10].

La provenance : esprit ouvert et cultivé, Charles Monselet (1825-1888) était, tout comme son ami intime Janin, un polygraphe de génie, livrant aussi bien des romans ou des pièces (Ariel, drame fantastique en 1845) que des études historiques (Histoire du Tribunal révolutionnaire en 1852, Les Galanteries du XVIIIe siècle en 1862). Mais il fut avant tout, comme Brillat-Savarin, l’un des plus grands « écrivains gastronomiques » du XIXe siècle. Depuis toujours amateur de bonne chère, il franchit le pas justement en 1859 en publiant son premier ouvrage lié à l’art culinaire : La Cuisinière poétique, aujourd’hui très recherché des amateurs. Puis, entre 1862 et 1869, vient la série des Almanachs gourmands ; en 1874, sa Gastronomie, récits de table ; en 1877, ses Lettres gourmandes ; en 1880, les périodiques Mois gastronomiques et les « Dindons de la farce. On voit le pourquoi des « agapes » rappelées par Janin dans sa dédicace. Par ailleurs, ce Rachel ne pouvait que passionner Monselet qui livra lui-même de nombreux écrits sur l’histoire du théâtre : Les Tréteaux, en 1859 ; Les Femmes qui font des scènes, en 1865 ; Les premières représentations célèbres, ainsi que Acteurs et actrices, en 1867 ; Chanvallon – Histoire d’un souffleur de la Comédie-Française en 1872 (exemplaire offert à Théodore de Banville : voir note [11]); ou encore Une troupe de comédiens, en 1879.

Jules Janin, Rachel et la tragédie, Paris, Amyot, 1859. Provenance : Charles Monselet (1825-1888, écrivain) (envoi autographe : « Pour mon cher et fidèle / Charles Monselet, / en souvenir de nos / fraternelles agapes. / Vous auriez préféré certes / des recettes inédites. / Consolez-vous en pensant / que le théâtre, en son genre, / est un genre de cuisine. / Bien affectueusement, à vous / Jules Janin » ; ex-libris portant son nom sur papier photographique glacé, gratté ; reproduction d’un autre de ses ex-libris gravés). Inv. 555.

IV. JULES DE GONCOURT et Gisette (1863)

Le texte : « Madame et ami [sic], Voici ma prise de Pékin. Mon monstre, celui du couvercle, et moi, nous vous souhaitons la bonne année. Vous savez que ces bêtes-là avalent les mauvais sorts en Chine. Je désire de tout mon cœur qu’il en soit de même à Paris. Et je vous embrasse avec la permission des autorités, Jules de Goncourt ».

Si on trouve deux bustes de D’Ennery dans le musée du même nom, impossible de trouver la moindre représentation de sa femme, la vraie collectionneuse !

Le contexte : à l’époque de cette lettre, Clémence Lecarpentier (1823-1898), veuve Desgranges, est encore très connue à Paris sous le sobriquet de « Gisette ». Actrice modeste, elle est devenue au début des années 1850 la maîtresse d’un auteur dramatique en pleine ascension, Adolphe d’Ennery (1811-1899). Ce dernier, surnommé « le Shakespeare du peuple » et dénigré comme un « fabricant de pièces » (il en a écrit plus de 250 !), remplissait les salles… et son portefeuille. Ce qui permit à son amie de quitter les planches et de commencer sa véritable passion : la collection d’objets asiatiques (chinois et japonais), dont elle devint l’un des plus grands spécialistes de son époque.

« Si vous veniez voir mes monstres ? » : ainsi invita-t-elle Jules de Goncourt, en 1859,  à visiter sa collection, alors installée rue de l’Echiquier. Les frères Goncourt partageaient cette passion pour les « chinoiseries » (Edmond devait, trente ans plus tard, être l’un des principaux acteurs de la mode du « japonisme »). La collection Desgranges était alors constituée de 150 chimères chinoises, point de départ modeste au regard des 7’200 pièces que compta finalement cet ensemble extraordinaire (légué à l’Etat en 1899 et aujourd’hui musée présentant les lieux dans leur état d’origine, en un magnifique hôtel particulier de l’avenue Hoch). L’écrivain, pourtant avare de compliments, ressortit enchanté de sa visite et devint l’un des habitués de la maison, évoqua dans son Journal « un des plus singuliers salons du monde », « la ménagerie de la fantaisie », « toutes les chimères d’un rêve d’opium ». Il est vrai qu’avec son parler un peu cru, ses manières de théâtre, la vive et séduisante Clémence Desgranges faisait tourner les têtes et attirait à ses dîners les meilleurs auteurs et artistes du moment.

Ce billet un peu cryptique « était accompagné comme étrennes, d’un brûle-parfum en bronze du Tonkin, dont le couvercle était formé par un chien de Fô ». C’est Edmond de Goncourt lui-même qui expliqua ce contexte, en reproduisant cette lettre dans son édition de la correspondance de son frère en 1885, chez Charpentier. S’il établit la date du courrier (« Janvier 1863 »), tout en donnant en note des explications sur son contenu, il ne livra en revanche pas l’identité de la destinataire, remplaçant son nom par « A Madame *** » (ce qui en fait d’ailleurs la seule destinataire anonyme de tout le recueil). A noter que la mention de « la prise de Pékin » renvoyait avec humour à une pièce de même titre écrite par D’Ennery deux ans plus tôt (La Prise de Pékin, drame militaire à grand spectacle en cinq actes et onze tableaux, représenté pour la première fois au Théâtre Impérial du Cirque le 27 Juillet 1861).

Jules de Goncourt, billet autographe signé [à Clémence Desgranges-Dennery, dite Gisette]. S.l. [Paris], s.d. [janvier 1863]. Une page à l’encre noire, sur un bi-feuillet in-8° de papier bleu. Inv. 1591.

Bibliographie : Jules de Goncourt, Lettres, Paris, Charpentier, 1885, p. 193.

V. VICTOR HUGO et Ritt & Larochelle (1873)

Le texte : « Mes chers directeurs, je croyais (à tort) à la répétition le jour ; je ne suis malheureusement jamais libre le soir, à cause de mon fils qui a besoin de moi. Est-ce que les répétitions ne sont plus possibles le jour ? Je compte pourtant que vous me ferez la grâce de dîner un de ces soirs avec moi, je ne pourrai venir ce soir. Ecrivez-moi, je vous prie, un mot qui me fixe, et recevez mon plus cordial serrement de main, Victor Hugo ».

Le tandem Larochelle et Ritt

Le contexte : cette lettre inédite s’inscrit dans le cadre de la reprise de la pièce Marie Tudor, jouée pour la première fois en 1835, avec Juliette Drouet dans le rôle-titre. Dès 1872, Eugène Ritt (1817-1898) et Henri Larochelle (1827-1884), acteurs devenus les directeurs du Théâtre de la Porte-Saint-Martin[12], avaient demandé à Hugo de pouvoir reprendre l’une de ses pièces, leur choix s’étant fixé sur Le Roi s’amuse. La correspondance échangée entre Hugo, alors à Guernesey, et son disciple Paul Meurice témoigne des étapes du montage de la pièce, entre l’automne 1872 et le début de juillet 1873, avec notamment moult discussions autour du choix des acteurs, finalement confirmé par une lettre adressée à Ritt et Larochelle, en date du 29 juin 1873. Mais, le 2 juillet, les journaux annoncèrent que la pièce, tendancieuse vis-à-vis de tout pouvoir, était interdite par le général de Ladmiraut, par la seule vertu de l’état de siège ! Deux jours plus tard, les directeurs du théâtre indiquent à Hugo qu’ils vont finalement reprendre Marie Tudor. Nouveaux échanges de correspondance sur la distribution au cours de l’été 1873 : sont retenus Dumaine pour le rôle de Gilbert, Marie Laurent pour celui de Marie Tudor, Jane Essler enfin pour celui de Jane. Dès le 7 juillet, Hugo confirme à Meurice : « On peut mener Marie Tudor aussi vite qu’on voudra. Dites-le de ma part à MM. Ritt et Larochelle ». A la fin de l’été 1873, il est de retour à Paris pour les premières répétitions. Il y retrouve son fils François-Victor, très malade depuis plus d’un an (atteint d’une grave tuberculose rénale), sans que son père en ait eu tout de suite conscience. En juillet, Edmond de Goncourt avait vu le père et le fils, côte à côte, et était revenu effrayé par l’inévitable comparaison entre l’homme âgé, mais plein de vie, et son fils, miné par la maladie, à la figure crayeuse, déjà annonciatrice de la mort, qui finalement le prendra « après une agonie d’un an », le 26 décembre 1873. Dans notre lettre, Hugo indique bien, en effet, que la santé de son fils le préoccupe et que ces soirées doivent être libres. Certes, mais cette raison n’est pas la seule !

En effet, à cette même époque, Hugo, âgé de 71 ans, entretient une relation passionnée avec une jeune femme d’une vingtaine d’années, Blanche Lanvin, que Juliette Drouet a commis l’erreur de prendre à son service. La liaison dure maintenant depuis le début de 1872 et la fine Juliette commence à avoir des soupçons, à juste titre d’ailleurs : les petits carnets écrits au jour le jour par Hugo attestent qu’après chaque répétition de Marie Tudor, c’est sa jeune maîtresse qu’il court retrouver en fin d’après-midi-début de soirée, revenant ensuite dîner en famille avec Juliette et, effectivement, son fils ! C’est d’ailleurs trois jours plus tard qu’éclate le drame : le 19, Juliette ouvre une lettre de Blanche, adressée à Hugo, mais signée heureusement « Cosette ». Comprenant néanmoins que son ami entretient une nouvelle liaison, elle part dans l’instant, en empruntant 200 frs à son couturière, alors qu’il y avait 120’000 frs d’actions au porteur dans son tiroir ! Elle laisse une lettre de rupture que Hugo retrouve le soir : désespéré, il entreprend des recherches fiévreuses pendant plusieurs jours, télégraphiant à tour de bras, pour finalement la retrouver à Bruxelles, réfugiée chez son neveu Louis Koch. Il note : « Tous les supplices à la fois. Nécessité du secret : je dois garder le silence et avoir mon air normal. Pas de torture pareille. Je vais à mes répétitions (lundi soir), j’ai des amis à dîner (dimanche chez Victor) … ». Finalement, Hugo trouvant un « alibi », Juliette accepte de revenir le 26 Septembre : « j’ai été dire à la Porte St. Martin que je n’assisterais pas à la répétition générale de Marie Tudor ». Il attend en effet le train de Juliette, debout sur un quai de la gare du Nord, pendant plus d’une heure. Enfin, elle arrive : retrouvailles et grand bonheur de Juliette que Hugo emmène quelques jours plus tard à une représentation de Marie Tudor, dont la première aura eu finalement lieu le 27 septembre 1873, remportant un véritable triomphe (Hugo n’y assistait pas, selon son habitude : il dînait chez lui avec Juliette et François-Victor). Mais, pour être honnête, reconnaissons que Hugo, lorsqu’il dit être déjà pris pour le soir de ce 16 septembre, ne pensait pas à son adorée Blanche : au terme de cette journée qui avait vu les troupes prussiennes évacuer la France et – coïncidence ? – sa propre plaquette La Libération du Territoire sortir en librairie, l’ « Homme-Océan » avait invité pour dîner Mme Hollis, une médium américaine très réputée. Après le dîner eut lieu une séance de spiritisme, domaine qui passionnait Hugo depuis son exil. Et ce soir-là, – coïncidence ? -, c’est la première femme qu’aima Hugo qui se manifesta : sa femme légitime, Adèle, à cette époque morte depuis cinq ans… De l’au-delà, elle lui affirma être très heureuse…

Victor Hugo (1802-1885), lettre autographe signée à Ritt et Larochelle, s.l. [Paris], « mardi 16 » [septembre 1873]. Une page à l’encre noire, sur un feuillet in-16. Au verso : identification des destinataires par une note manuscrite d’époque au crayon. Montée en tête d’une édition de Lucrèce Borgia – Marie Tudor – Angelo (Paris, Lemerre v. 1895). Provenance : A.T. (vignette ex-libris gravée, avec initiales entrelacées, épée et plume croisées et la devise « Vita sine litteris est mors »). Inv. 469.

Bibliographie : Nicolas Ducimetière, article « Victor Hugo, auteur et père : une lettre inédite autour de la reprise de Marie Tudor (1875) », publié sur le site du « Groupe Victor Hugo » de la Sorbonne. Accessible via :

http://groupugo.div.jussieu.fr/Groupugo/Textes_et_documents/Lettre_VH_16-09-1873.htm

VI. FRANCOIS COPPÉE et Eugénie Doche (1876)

Sur l’œuvre : issu d’un milieu modeste, François Coppée fut le poète populaire et sentimental de Paris et de ses faubourgs, des tableaux de rue intimistes, du monde des humbles : rencontrant un grand succès avec ses recueils et ses pièces, il devint archiviste de la Comédie-Française en 1878, puis fut élu à l’Académie française en 1884. Le Luthier de Crémone raconte l’amour malheureux d’un apprenti-luthier de génie, mais bossu, pour la fille de son patron. Bien qu’ayant gagné le concours qui devait le marier à la jeune fille, il décide, par esprit de sacrifice, de laisser la place à son rival. Ecrit à Milan en mars 1876, ce manuscrit est donc antérieur de deux mois à la première représentation de la pièce, donnée à la Comédie-Française le 23 mai 1876. Ayant reçu un accueil triomphal (selon un télégramme à Eugénie Doche : « Première hier. Hurlement. Très grand succès. Ecrirai détails. Amitiés »), la pièce fut imprimée peu après par Lemerre (tirage de tête : 12 Chine et 6 Whatman).

Eugénie Doche vers 1850

Sur la provenance : François Coppée avait rencontré la grande actrice Eugénie Doche (1823-1900), créatrice du rôle de la Dame aux Camélias (« quand une artiste a ce talent, elle devient une collaboratrice », avait affirmé Dumas fils) dès ses débuts littéraires et leur liaison avait beaucoup fait jaser, notamment en raison de leur différence d’âge (Goncourt parlant méchamment le 25 janvier 1876 de « l’accouplement d’un squelette avec un fœtus moisi »). Leur amour se changea en une amitié qui dura jusqu’à la mort d’Eugénie Doche. Coppée lui offrit toutes ses œuvres, dédicacées au fur et à mesure de sa carrière, ainsi que toute une série de manuscrits (pièces ou poèmes épars) qu’elle faisait relier de manière uniforme par Pierson, en vélin blanc avec titrage aux encres de couleur.

François Coppée (1842-1908), Le Luthier de Crémone, manuscrit autographe signée, Milan, mars 1876. Envoi autographe : « A Eugénie Doche, ce manuscrit autographe est offert par son ami dévoué, François Coppée ». Inv. 1880.

 VII. ALPHONSE DAUDET et Gustave Worms (1877)

Sur l’œuvre : dans ce roman parisien, Daudet décrit une fois de plus un aspect de la vie dans la capitale sous le Second Empire, à travers les affaires, la politique et les mœurs. Fournissant en perles de jouvence le duc de Mora, un haut dignitaire de l’Empire, le docteur Jenkins lui présente Jansoulet, dit « le Nabab », un aventurier de basse extraction qui a réalisé une colossale fortune en Tunisie. Depuis son retour en France, de nombreux solliciteurs gravitent bien sûr autour de ce « Nabab », à l’indignation de son secrétaire, l’honnête Paul de Géry. Le roman fut adapté au théâtre dans une pièce de même titre, représentée pour la première fois au Théâtre du Vaudeville le 30 janvier 1880.

Worms dans le rôle de Charles-Quint

Sur la provenance : fils d’un contrôleur-en-chef de l’Opéra-comique, Gustave Worms (1836-1910) entra à la Comédie-Française en 1858, devenant sociétaire en 1863. Mais ce titre ne fut pas confirmé par le ministère et Worms partit pour Saint-Pétersbourg où il joua au Théâtre-Michel. Rentré en 1875, il fut engagé au Théâtre du Gymnase, avant que la Comédie-Française ne le réclame en 1877. Ce retour fut plus que brillant et Alphonse Daudet le loua notamment pour son rôle de Charles-Quint dans la reprise d’Hernani de Hugo en novembre 1877 : « nous n’avions vu M. Worms que dans ces rôles de jeune premier où il apportait d’éminentes qualités de diction, de chaleur, de jeunesse (…) Mais le Charles-Quint de l’autre soir nous a montré en outre une science exquise de composition, une rare possession de soi-même, enfin des facultés d’étude (…) Tour à tour hautain, passionné, ironique, Worms a notamment enthousiasmé la salle par la façon dont il interprète l’incomparable monologue du 4e acte. (…) Des bravos prolongés l’ont bien récompensé de ses efforts ». Daudet offrit sans doute son Nabab, paru depuis peu, à la suite de cette mémorable représentation.

Alphonse Daudet (1840-1897), Le Nabab, Paris, Charpentier, 1877, édition originale. Provenance : Gustave Worms (1836-1910, acteur, sociétaire de la Comédie française, époux de la comédienne et sociétaire Blanche Barreta [1855-1939]) (envoi : « à Worms, avec tous mes bravos, Alphonse Daudet ») ; Librairie Eric Fosse (Paris). Inv. 1074.

VIII. EDMOND DE GONCOURT et Paul Porel (1882)

Sur l’œuvre : appartenant à la série des romans féminins de Goncourt, La Faustin a pour décor l’univers du théâtre et comme protagoniste une comédienne, Juliette Faustin, employée au Théâtre-Français. Elle se perd au contact d’un amant anglais, William Rayne, personnage trouble, ambigu et débauché. Goncourt initiait là le type littéraire du pédéraste-sadique.

Paul Porel, photographié par Nadar

Sur la provenance : La Faustin connut un succès immédiat, appuyé par une grande campagne de presse et de publicité. Encouragé, Goncourt travailla dans la foulée à une adaptation pour le théâtre, entre mai 1892 et septembre 1893. Il la proposa d’emblée à son vieil ami Paul Porel (1842-1917). Ce dernier, acteur, directeur de théâtre et mari de la très célèbre comédienne Réjane, avait déjà monté toutes les autres pièces de Goncourt depuis 1884 et avait repris, après sa démission de l’Odéon, l’immense « Eden-Théâtre », rebaptisé « Grand-Théâtre » (et en faillite dès 1893). Comme le prouve cet exemplaire, Goncourt voulait depuis longtemps adapter son roman sous la mise en scène de Porel avec « Sarah Bernard » (sic) dans le rôle-titre. De fait, le 17 octobre 1893, la pièce fut lue chez Sarah Bernhardt, qui montra peu d’enthousiasme. Puis ce fut au tour de Goncourt d’être déçu après avoir vu l’actrice jouer : « Eh bien, cette voix d’or, c’est très joli pour des vers peut-être, mais elle est d’un factice, d’un artificiel qui fait qu’elle n’est pas la voix qu’il faut pour un drame moderne » (Journal, 5 novembre 1893). Pour finir, le 22 février 1894, Sarah Bernhardt renvoya à Goncourt le manuscrit de La Faustin sans un mot d’explication. En juin 1896, Jules Claretie proposa à Goncourt de monter la pièce au Théâtre-Français ; même proposition d’Antoine pour l’Odéon. En fait, la pièce ne sera jamais jouée en France et ne sera publiée qu’en 1910 grâce à Léon Hennique, président de l’Académie Goncourt et ami de l’auteur.

Edmond de Goncourt (1822-1896), La Faustin, Paris, Charpentier, 1882, édition originale, avec envoi autographe : « A Porel, son très reconnaissant Edmond de Goncourt, qui lui demande de voler une heure à son théâtre pour lire ça, et lui indiquer, s’il sait diable qui pourrait en faire une pièce – une pièce qui serait curieuse à voir jouer par une Sarah Bernard ou une sous Sarah Bernard ») [NB : cet envoi date peut-être des premiers contacts entre Porel et Goncourt, vers 1885, car l’auteur ne parle pas encore d’écrire l’adaptation lui-même et orthographie mal le nom de Sarah Bernhardt]. Inv. 810.

IX. EDMOND DE GONCOURT et Albert Lambert (1885)

Sur l’œuvre : drame en trois actes et en prose, Henriette Maréchal avait été représenté pour la première fois à la Comédie Française le 5 décembre 1865, causant un grand scandale, les représentations étant fort chahutées (c’est à l’occasion de l’une d’elle que Daudet rencontra sa femme). Vingt ans plus tard, la pièce fut reprise par la prestigieuse troupe de l’Odéon et donna lieu à cette nouvelle édition, précédée d’une préface inédite d’Edmond de Goncourt.

Albert Lambert père
Albert Lambert fils

Sur la provenance : parmi les acteurs de cette reprise de 1885 figuraient un père et un fils : les Lambert. Acteur des boulevards, puis au Théâtre de l’Odéon à partir de 1880, (Léon)-Albert Lambert (1847-1918) interprétait, dans la pièce de Goncourt, le personnage de Pierre de Bréville (soi-disant ex-consul à Caracas et chercheur d’or en Californie), quand son fils, (Raphaël-)Albert Lambert (1865-1941, future star de la Comédie-Française) jouait le rôle de Paul de Bréville. Selon le Journal, Lambert fils, « jeune cabot du Quartier latin », s’était attiré une remarque méprisante de Léonide Leblanc durant les répétitions : « Vous mettrez des bottines vernies ? Mais vous aurez l’air d’un étudiant sur son trente-deux. C’est étonnant que vous ne puissiez pas vous habituer à ressembler à des gens du monde ! » (26 fév. 1885). Quant au père, il s’attira l’ironie de Goncourt au cours des mêmes répétitions : « “Ne croyez-vous pas que comme consul à Caracas, je ne devrais pas porter une décoration étrangère … une décoration ridicule, la décoration du « Lapin blanc de Sumatra » ?”. C’est Lambert aîné, parlant sur le ton de blague, mais au fond très désireux d’avoir un ordre étranger à sa boutonnière » (27 fév. 1885). L’interprète de M. Maréchal demandera d’ailleurs le même jour à Goncourt d’affubler son personnage du ruban rouge de la Légion d’honneur ! La générale eut lieu le 2 mars au soir et la première, le lendemain, fut un grand succès. Mais cela dura peu : si la pièce ne provoqua pas les mêmes réactions passionnées qu’en 1865, elle ne trouva pas son public et dut cesser, dans l’indifférence, au bout de deux mois.

Edmond et Jules de Goncourt (1822-1896 / 1830-1870), Henriette Maréchal, Paris, Charpentier, 1885. Provenance : (Léon)-Albert Lambert (1847-1918) (envoi autographe : « A Albert Lambert, Edmond de Goncourt »). Inv. 1252.

X. ALPHONSE DAUDET et Paul Porel (1896)

Sur l’œuvre : ce second volume du théâtre complet de Daudet contient La Lutte pour la vie, L’Obstacle et Numa Roumestan (inspiré du roman homonyme et créé par Porel au Théâtre de l’Odéon en 1886). La publication du Théâtre de Daudet fut très étalée dans le temps : la première série avait paru chez Charpentier en 1880 avec les pièces de jeunesse (dont L’Arlésienne) ; la troisième série, posthume, contiendra en 1899 les pièces les plus tardives (Sapho, Jack et Le Nabab).

Paul Porel avec son fils, photographiés par Nadar (1905)

Sur la provenance : d’abord comédien, puis directeur du théâtre de l’Odéon fin 1884, Porel (de son vrai nom Paul-Désire Parfouru) modernisa la salle et la programmation, travaillant avec les meilleurs auteurs dramatiques du moment, notamment avec Goncourt (dont il monta plusieurs pièces). Il entretenait avec Daudet les meilleurs rapports et reprit notamment sa pièce L’Arlésienne : créée en 1872 sans le moindre écho, elle fut redonnée au Théâtre de l’Odéon, sous la direction de Porel, le 5 mai 1885, et connut enfin le succès. Le 15 février 1887, il créa à l’Odéon la pièce Numa Roumestan (adaptée du roman du même nom et que l’on retrouve dans le présent recueil), qui rencontre là encore les faveurs du public.

Alphonse Daudet (1822-1896), Théâtre (2e série) : La Lutte pour la vie, L’Obstacle, Numa Roumestan, Paris, G. Charpentier et E. Fasquelle, 1896, première édition collective. Provenance : Paul Porel (1843-1917, acteur et directeur de théâtre, mari de la comédienne Réjane) (envoi autographe : « A Porel, en souvenir, Alph. Daudet »). Inv. 1909.

XI. ANATOLE FRANCE et Sybil Anderson (1896)

Le texte : « Je veux vous redire encore, Madame, toute la reconnaissance que je vous ai d’avoir fait vivre ma Thaïs d’une vie poétique et profonde. Voluptueuse et pénitente, vous avez égalé et surpassé les rêves du poète. J’emporte de vous vingt images animées et chantantes, plus belles – un autre vous l’a dit – que les peintures des vases grecs et que les figurines de Tanagra. Je vous embrasse, Anatole France. Mes meilleurs souvenirs à votre frère ».

Sybil Sanderson dans le rôle de Thaïs

Le contexte : paru en 1891, le roman Thaïs prend place dans l’Alexandrie du IVe siècle. Après une jeunesse débauchée, Paphnuce, après des années de retraite à la tête d’un groupe de moines cénobites, revient sur les lieux de sa jeunesse pour tirer la comédienne Thaïs d’une vie dissolue qui la conduit tout droit à la damnation. Il y parviendra, la convaincant de rejoindre un couvent. Mais lui-même finira par renier sa foi, s’apercevant qu’il était toujours amoureux de la pécheresse.

« Thaïs » fait la une du « Petit Journal » après la première

Avec quelques adaptations (Paphnuce devenant Athanaël), le roman donna matière à un opéra de même titre composé par Jules Massenet[13]. L’œuvre fut écrite en 1894 pour la soprano Sibyl Sanderson, muse du compositeur à cette époque. Typique de son temps, l’œuvre baigne dans un climat de volupté et de religiosité sulpicienne. Louis Gallet, le librettiste, n’a pas retenu l’aspect sceptique, ironique et discrètement anticlérical du roman d’Anatole France. En revanche, il a organisé le drame de manière rigoureuse et efficace. Le nœud de l’histoire est marqué, à l’acte II, par la célèbre « Méditation religieuse », confiée au violon solo et connue sous le nom de « Méditation de Thaïs », souvent jouée en concert.

Sybil Sanderson jouant Thaïs, face à Delmas (acte II)

La provenance : native de Sacramento, la soprano Sybil Sanderson (1864-1903) chanta surtout un répertoire français. Après des études au Conservatoire de San Francisco, elle vint à Paris compléter sa formation, mais débuta à La Haye, en 1888, sous le nom d’Ada Palmer. Revenue à Paris, elle chanta au Palais Garnier, notamment Gilda et Juliette. Elle fut très admirée de Jules Massenet, qui écrivit pour elle Esclarmonde (1889) et Thaïs (1894). Elle créa aussi Phryné (1893) de Camille Saint-Saëns. Elle paraît aussi à Londres en 1891, à Saint Petersbourg en 1892, puis à New York en 1895 et 1901. Sa grande beauté, ses dons d’actrice, mais aussi sa voix d’une exceptionnelle étendue (trois octaves) lui valurent une grande popularité. Elle se retira de la scène après son mariage et mourut prématurément d’une pneumonie.

Anatole France (1844-1924), lettre autographe signée à la cantatrice Sibyl Sanderson, Paris, 10 mars 1896, deux pages sur un bi-feuillet in-16. Provenance : Sibyl Sanderson (1864-1903, soprano américaine, égérie de Massenet et première interprète du rôle de Thaïs dans l’opéra du même nom en 1894) ; Vente « Livres anciens et autographes », étude Audap et Miraud, Paris, 7 novembre 2012, n° 12. Inv. 1602.

XII. JEAN RICHEPIN et Caroline-Eugénie Segond-Weber (1897)

Sur le texte et le contexte : si son recueil poétique La Chanson des Gueux lui avait valu dès 1876 une réputation flatteuse, Jean Richepin (1849-1926) se heurta longtemps à l’indifférence du public dans le domaine dramaturgique. Il n’atteignit le plein succès qu’avec sa pièce Le Chemineau, drame de cinq actes en vers représenté pour la première fois au Théâtre de l’Odéon le 16 février 1897, avec dans les rôles principaux Decori (le chemineau) et la tragédienne Segond-Weber (Toinette). Plus de cent soixante représentations devaient suivre sur cette seule scène, sans compter de nombreuses reprises dans le demi-siècle suivant.

Le 16 avril 1897, dans le cadre du spectacle-concert du Vendredi-Saint offert par le Théâtre de l’Odéon, Richepin composa tout spécialement un épilogue (certains dirent un « sixième acte ») à sa pièce, avec un acte isolé, en vers, intitulé La Rose du pauvre : Decori reprenait le rôle du pauvre mendiant, alors que Mme Segond-Weber assumait celui, nouveau, de l’ange. Représentée trois fois avec succès durant l’année 1897, cette courte et émouvante pièce mettait en scène la mort du chemineau, tombant accablé de fatigue sur une grand-route enneigée. L’ange le console, lui assure qu’il trouvera au Ciel le pain et l’idéal qui lui ont toujours manqué ; il tend enfin au mourant sa rose : « La rose du pauvre, la rose tremière / Cette fleur qui fleurit demain / L’espérance dans la lumière ». Le texte fut publié pour la première fois dans La Revue illustrée du 1er juin 1897 (inv. 1598), mais ne fut pas repris dans les nombreuses éditions du Chemineau.

Mme Segond-Weber dans le rôle de Marie (« Les Jacobites » de François Coppée, 1885)

Sur la provenance : l’actrice et tragédienne Caroline-Eugénie Weber, dite Madame Segond-Weber (1867-1945), fut l’une des principales rivales de Sarah Bernhardt. Pensionnaire puis sociétaire de la Comédie-Française entre 1887 et 1926, elle interpréta durant ses quarante années de carrière presque toutes les grandes tragédies du répertoire classique, mais joua aussi dans des pièces de contemporains (Jean Richepin, Anatole France, François Coppée, etc.).

Jean Richepin (1849-1926), La Rose du Pauvre [manuscrit autographe signé], S.l.n.d. [Paris, mars-avril 1897], 7 pp. sur 7 ff. in-folio, reliés en veau glacé café. Provenance : Caroline-Eugénie Weber, dite Madame Segond-Weber (1867-1945, actrice) (envoi : « A Madame Segond-Weber, avec mon affectueuse et admirative gratitude, Jean Richepin »). Inv. 1599.

XIII. OCTAVE MIRBEAU et André Antoine (1897)

Le texte : « 3, Boulevard Delessert. Mon cher ami, vous avez encore, je crois une copie, – celle que je vous avais envoyée – de ma pièce. Je vous serais fort obligé de vouloir bien me la faire remettre. Mille remerciements et tout à vous, Octave Mirbeau ».

Le contexte : c’est en 1897 qu’Octave Mirbeau (1848-1917) s’installe dans un bel appartement du 3, boulevard Delessert, à Paris : il y restera domicilié jusqu’à son déménagement avenue du Bois en novembre 1901. Ce billet évoque une célèbre pièce de Mirbeau représentée durant ce laps de temps : Les Mauvais Bergers. L’histoire en est proche de celle de Germinal, présentant le récit l’histoire d’une grève ouvrière écrasée par la troupe (voir numéro suivant pour une description plus complète). A l’origine, la pièce avait été promise au directeur du Théâtre-Antoine, l’acteur et metteur en scène André Antoine (1858-1943), avec lequel Mirbeau était en rapport depuis longtemps mais sans succès : dans cette relation toujours délicate, les deux hommes se cherchaient en effet sans toujours se trouver. Dans le cas présent, Mirbeau avait bien l’intention de lui confier ses Mauvais Bergers et il lui en lit d’ailleurs la moitié au printemps 1897. Ce billet semblerait indiquer également l’envoi d’une copie manuscrite. Mais Mirbeau s’est ensuite dédit pour confier sa pièce à Lucien Guitry et Sarah Bernhardt, qui la jouèrent au Théâtre de la Renaissance le 14 décembre 1897. En compensation, Mirbeau finira par confier à Antoine une autre de ses pièces, L’Épidémie, en 1898[14].

Provenance : André Antoine (1858-1943, acteur, fondateur et directeur du Théâtre libre [1887-1894], puis du Théâtre Antoine, l’un des premiers metteurs en scène modernes français). Inv. 2163.

 XIV. OCTAVE MIRBEAU et Berthe Bady (v. 1898-1900)

Le texte : dans sa pièce Les Mauvais Bergers, représentée pour la première fois le 15 décembre 1897 au Théâtre de la Renaissance, l’écrivain Octave Mirbeau, très marqué à gauche et préoccupé par les questions sociales de son temps, traitait de l’histoire d’une grève ouvrière. Un peu comme dans Germinal de Zola, l’action s’achevait sur une tragédie, avec l’intervention sanglante de la troupe, requise par un patronat intransigeant. Le meneur du mouvement, Jean Roule, est tué aux côtés de sa jeune maîtresse Madeleine (enceinte), ainsi que le propre fils du patron, Robert Hargand (qui avait rompu avec les siens pour épouser la cause des ouvriers). Bref, cette pièce marquée du sceau du pessimisme (et presque du nihilisme) diffère du roman zolien par l’absence totale de toute espérance finale. En fait, pour Mirbeau, les « mauvais bergers » sont autant les patrons inflexibles et l’Etat complice que les idéalistes gauchistes qui mènent leurs disciples à la mort. Portée par les deux « monstres sacrés » qu’étaient Lucien Guitry (dans le rôle de Jean Roule) et Sarah Bernhardt (dans celui de Madeleine), la pièce connut une très importante réception.

La provenance : actrice d’origine belge, Berthe Bady (1872-1921) était une célébrité de son temps : elle joua dans de nombreuses pièces mises en scène par Lugné-Poe au Théâtre de l’Œuvre, avant de devenir l’égérie et la compagne du dramaturge Henry Bataille (dont elle interpréta cinq pièces entre 1902 et 1913). Mais contrairement au souhait énoncé par Mirbeau sur cet exemplaire, probablement vers 1898-1900, elle ne joua jamais pour l’auteur des Mauvais Bergers. Les fortunes gagnées sur les planches furent dilapidées pour soutenir son amant Bataille et Berthe Bady s’éteignit finalement dans la misère, oubliée de tous, dans un hôtel sordide (un destin tragique évoqué par Aragon dans Blanche, ou l’oubli)… ‎

Octave Mirbeau (1848-1917), ‎Les Mauvais bergers Pièce en cinq actes. Représentée à Paris sur le Théâtre de la Renaissance le 14 décembre 1897‎, ‎Paris, Charpentier et Fasquelle, 1898 18 x 12 cm, demi-chagrin havane, dos à nerfs, titre doré, tête dorée, couv. non conservées, 3 ff. n. ch., 152 pp. Edition originale sur papier d’édition. Envoi autographe signé de l’auteur : « A Mademoiselle Berthe Bady / avec l’espoir charmant qu’elle / voudra bien, un jour, jouer une pièce / de moi. Octave Mirbeau ».

XV. ANATOLE FRANCE et Lucien Guitry (1902)

Le texte : œuvre à succès d’Anatole France, le court roman Crainquebille livre une critique en règle de l’institution judiciaire, aveugle et inhumaine, créatrice d’injustices poussant les pauvres gens au crime. Ainsi, le père Crainquebille, marchand de quatre-saisons très estimé dans son quartier, se voit condamné pour avoir soi-disant insulté un agent de police lors d’une discussion un peu vive. Le pauvre homme sort de prison aigri et tombe dans la déchéance avant de trouver la rédemption. La première édition, illustrée par Steinlen, vit le jour en 1901 chez l’éditeur Edouard Pelletan, ami proche d’Anatole France. Cette deuxième édition, en partie originale, est la « première complète en un volume ordinaire » (pour reprendre les propres de Péguy dans l’avant-propos) : elle contient en effet les chapitres I et IV en intégralité. Premier numéro de la quatrième série des « Cahiers de la Quinzaine », le mince volume fut tiré à 5’000 exemplaires.‎

Lucien Guitry, par Constantin Egorovich Makovsky (vers 1905)

La provenance : considéré comme l’égal masculin de Sarah Bernhardt, Lucien Guitry (1860-1925) créa certains des plus grands rôles de son temps, à Paris ou Saint-Pétersbourg (où naquit son fils Sacha). Il joua notamment dans les premières créations de La Princesse lointaine, de L’Aiglon ou de Chantecler d’Edmond Rostand, des Mauvais bergers d’Octave Mirbeau, etc. Il tint le rôle principal dans plusieurs adaptations de romans d’Anatole France, notamment L’Affaire Crainquebille, d’abord en 1903 (Théâtre de la Renaissance), puis en 1910 (Théâtre de la Porte-Saint-Martin). A partir de l’édition Calmann-Lévy de 1904, Crainquebille sera d’ailleurs dédiée « À Alexandre Steinlen et à Lucien Guitry, qui ont su donner, l’un en une suite d’admirables dessins, l’autre par une belle création de son génie dramatique, un caractère de grandeur tragique à l’humble figure de mon pauvre marchand des quatre-saisons ».

Guitry dans le rôle de Coupeau (« L’Assommoir » d’Emile Zola)

Anatole France (1844-1924), L’Affaire Crainquebille, Paris, Cahiers de la Quinzaine, 1902, deuxième édition, en partie originale. Provenance : Lucien Guitry (1860-1925, acteur, créateur du rôle de Crainquebille au théâtre) (envoi autographe : « A Lucien Guitry, C’est ne lui donner rien, C’est seulement lui faire un présent de son bien (Cinna, a. 1, sc.), son collaborateur et ami Anatole France »). Inv. 2012.

XVI. PIERRE LOUYS et Polaire (1908)

Le texte : « Jeudi – Mon frotteur m’a fait un cadeau. C’est une médaille de cuivre argenté reproduction d’une pièce que je crois asiatique. Face : Tête d’homme laurée, bouclée de profil à droite ; environ 50 ans. Revers : Déesse assise de prof. à gauche avec l’inscription B A S  I L E W S   M Y P P O Y. Qu’est-ce que c’est que ce roi de la Ville Parfumée ? Le manuel de Barthélemy ne me renseigne pas. Je t’embrasse, P. Le rôle de Concha Perez a une influence déplorable sur son interprète qui vient de se faire remettre 30’000 f. d’avance par un monsieur très épris et qui a mis le monsieur à la porte quand il s’est présenté le lendemain pour recevoir un baiser. Là-dessus, lettre de l’épouse furibonde : “Mon mari m’a tout avoué. Vous nous ruinez. Vous êtes une misérable !”. Et réponse de Concha : “Mais de quoi vous plaignez-vous madame ? Je vous laisse votre mari”. La réponse est drôle, mais l’histoire est roide. Et tout çà c’est de la tradition. Tu m’as raconté jadis l’histoire de Duval et de Berthe Mangin ; je m’en suis servi pour écrire dans mon roman la scène de la grille, qui transmise de bouche en bouche, et de causeries en feuilletons, finit par coûter 30’000 f. à un imbécile la semaine dernière… Il paraît vraiment que le monsieur est idiot, mais cela ne rend pas la dame plus sainte pour çà quoique son acte soit évidemment un acte de chasteté. »

Le contexte : en 1906, ayant rencontré un très grand succès avec son roman La Femme et le pantin, Pierre Louÿs (1870-1925) envisage assez rapidement de porter l’œuvre sur les planches. A la fin du printemps 1908, il est en plein travail et commence déjà à expliquer son rôle à l’actrice retenu pour le rôle principal de Conchita Perez : Pauline Polaire (1874-1939). C’est à l’époque une des coqueluches de la scène parisienne, depuis son triomphe dans le rôle-titre de Claudine de Colette en 1902. Louÿs est tombé sous le charme de cette femme décidée à la taille de guêpe et sa correspondance avec son frère aîné Georges comprend alors de nombreuses références au travail mené sur la pièce en gestation, difficile à écrire, alors qu’ « elle peut être pour moi le point de départ d’une nouvelle carrière, dramatique, qui me sauverait de tous mes ennuis. Elle serait le salut d’une interprète que j’aime beaucoup, qui a mis toute sa confiance en moi et qui sera furieuse si j’abandonne »[15]. En juillet, des fuites dans la presse (organisées par l’actrice ?) annoncent déjà que la pièce sera bientôt montée au Théâtre du Vaudeville. C’est dans ce contexte que Polaire met le grappin sur un pigeon et le plume, avec le même comportement que son personnage…

En novembre 1908, Coquelin lui-même se dit prêt à interpréter le rôle masculin (Don Matteo). Mais voilà, les choses traînent et tournent au vinaigre entre Louÿs et son actrice. Lassée d’attendre, Polaire décide d’accepter une sorte de plagiat de la pièce de Louÿs au Vaudeville en novembre 1909. Or, Gémier, le directeur du Théâtre-Antoine qui va finalement monter La Femme et le Pantin, la voit jouer et refuse de l’engager, la trouvant « très mauvaise en danseuse espagnole »… Quelques mois plus tard, Louÿs écrit à son frère : « ce soir 13 mars 1910, j’ai écrit à Mlle Polaire qu’elle ne jouerait jamais La Femme et le Pantin. Comme elle m’a fait prévenir qu’au cas où elle recevrait cette lettre, elle m’assassinerait à coups de revolver, garde cette feuille posthume. Elle prouvera la préméditation »[16]. De fait, furieuse de perdre ce rôle sur lequel elle comptait beaucoup, Polaire se répand dans les journaux, crie à la trahison, fait du chantage et menace Louÿs de mort. L’auteur devra faire jouer ses relations à la Préfecture de police (« c’est une garce, tout Paris le sait », le rassura-t-on avec tact) et menacer d’une plainte en diffamation. L’affaire finit par se tasser : Polaire trouva finalement une très belle consolation dans une tournée américaine et dans ses premiers rôles au cinéma.

Pierre Louÿs (1870-1925), lettre autographe signée à Georges Louis, s.l. [Paris], s.d. « Jeudi » [9 juillet 1908], deux pages in-8°, à l’encre violette. Enveloppe adressée à « Monsieur Georges Louis, 130, rue de l’Université, Paris 7e » (avec tampons postaux datés de Paris, 9.7.08). Inv. 2185.

XVII. PIERRE LOUYS et REGINA BADET (1910)

Le texte : « Ce 3 janvier 1911. Cher Maître, chaque jour je m’étais promis de répondre à votre lettre si charmante et qui me fut, avant ma bataille, un si précieux encouragement. Vous vous en prendrez uniquement à la fatigue qui, depuis la première, ne m’a guère quittée, du retard que j’ai mis à vous remercier des indulgentes appréciations & des conseils si utiles que m’a apportés, en tous temps, votre lettre. À présent que la partie est, je crois, gagnée, ce mot m’est plus encore qu’un devoir, un plaisir, de vous dire combien je suis heureuse d’incarner de mon mieux cet être étrange, cruel, câlin, odieux, exquis, votre Concha Perez. Il m’est, à la réflexion, agréable d’avoir involontairement retardé jusqu’aujourd’hui ma réponse : car je puis avec l’an nouveau, joindre mes vœux les plus vifs d’heureux 1911 à mes sentiments de parfaite admiration, Régina Badet ».

Regina Badet, dans le rôle de Conchita Perez (« La Femme et le Pantin », de Pierre Louÿs)

Le contexte : l’actrice et danseuse Régina Badet (1876-1949) commença sa carrière dès 1890 à Bordeaux et la poursuivit brillamment à Paris en 1900. Actrice presque attitrée des pièces tirées des romans de Pierre Louÿs, elle joua dans Aphrodite en 1906 (elle y était la première danseuse), mais fut surtout particulièrement remarquée en 1910 pour sa création sur scène du rôle de Conchita Perez (d’abord longtemps attribuée à l’actrice Polaire, cf. ci-dessus) dans La Femme et le Pantin de Pierre Louÿs et Pierre Frondaie, pièce inspirée du deuxième roman de Louÿs. Créée le 8 décembre 1910, l’œuvre révéla l’actrice au grand public. Cette notoriété s’accompagna d’un parfum de scandale : le président de la « Ligue contre la licence des rues » porta plainte, dénonçant la presque nudité de l’actrice dans cette pièce. Le chef de la brigade mobile se déplaça en personne à une représentation et classa l’affaire avec des mots amusés, vite repris par la presse.

Cette lettre prend donc place dans la droite ligne de ce succès, deux jours après le Nouvel An 1911. Fâché de voir sa pièce représentée dans une version qu’il désavouait (il aurait souhaité revoir plusieurs passages, alors que les acteurs avaient travaillé sur un manuscrit antérieur, d’où un clash qui faillit aboutir au procès), Louÿs s’était tenu à l’écart des répétitions, puis des représentations, suivant le succès montant de la pièce dans les journaux. « Je me suis désintéressé de tout. Je ne suis allé ni à la générale, ni à la première. Ce soir 12 décembre, 7000 spectateurs ont déjà vu la pièce, et moi je ne la connais pas »[17]. L’actrice se fend donc ici de remerciements un peu tardifs, plus de trois semaines après la première. Il faut sans doute attribuer à ce peu d’empressement à correspondre le commentaire un peu acide et très second degré porté par Louÿs sur l’enveloppe conservant le courrier : « Autographe de la plus grande rareté. Lettre de Régina Badet, 3 janvier 1911 ».

Après une brève carrière au cinéma, Régina Badet abandonna définitivement la scène et l’écran au début des années 1920. Quant au roman de Louÿs, inspirée des aventures de Casanova, il devait continuer de séduire le public et inspirer les réalisateurs Josef von Sternberg, avec Marlène Dietrich et Julien Duvivier, avec Brigitte Bardot.

Régina Badet (1876-1949), Lettre autographe signée à Pierre Louÿs, s.l. [Paris], 3 janvier 1911. Deux pages et 1/2, sur un bi-feuillet in-8° (275 x 175 mm) de papier bleu, à en-tête « B – Veuille ce que veut ». Env. cons., avec adresse « Monsieur Pierre Louys, 29, rue de Boulainvilliers, XVIe ». Joint : une enveloppe autographe de Pierre Louÿs, « Autographe de la plus grande rareté. Lettre de Régina Badet, 3 janvier 1911 ». Inv. 2186.

XVIII. EDMOND ROSTAND et Pierre Magnier (1910)

Le texte : après le succès planétaire de Cyrano en 1898, puis de L’Aiglon deux ans plus tard, Edmond Rostand (1868-1918) reprend un vieux projet : porter sur scène une tragédie animalière. Il lui faudra huit ans pour mener à bien cette entreprise, dont il conçoit également les costumes et les maquettes de décor. La pièce fait intervenir plus de 70 personnages, avec 195 costumes somptueux ayant demandé 35 000 heures de travail. Le rôle-titre, celui du coq Chantecler, est tenu par le grand Lucien Guitry. Le soir de la première au Théâtre de la Porte-Saint-Martin, le 7 février 1910, le public, venu du monde entier, est dans une attente d’une extraordinaire ferveur, qui a encore été attisée par des retards répétés. Las, les aventures de ce coq trop imbu de lui-même, qui pensait faire naître le soleil par son chant et qui doit regagner la confiance de la basse-cour en luttant contre un épervier, est finalement un relatif échec, dû (selon Rostand) au peu de conviction de Guitry. En fait, le public est dérouté devant ces acteurs grimés en poulets, mais qui s’expriment dans des alexandrins raffinés. Pourtant, l’œuvre avait de véritables qualités d’avant-garde, avec la présence un peu surréaliste d’animaux parlants et l’aspect satirique de l’œuvre. Blessé, Rostand ne donna plus de pièce de son vivant. Mais il attaqua en fait dès 1911 un « poème dramatique en deux actes et un prologue » baptisé La Dernière nuit de Don Juan. La guerre, puis la mort prématurée de l’auteur en 1918 (de la grippe espagnole) empêchèrent de représenter la pièce avant 1921.

Pierre Magnier dans le rôle de Cyrano de Bergerac (1922)

Le contexte et la provenance : il est émouvant de découvrir cette dédicace, car  l’acteur Pierre Magnier (1869-1959), grande star du cinéma muet, intervint dans de nombreuses pièces de Rostand au cours de sa carrière. Au printemps 1910, il tint le rôle-titre de Chantecler, lorsque la pièce partit en tournée à Bruxelles (d’où cette dédicace), puis le reprit en juin au Théâtre de la Porte-Saint-Martin, lorsque Guitry, dégoûté, jeta l’éponge après 150 représentations. Magnier demeura ensuite fidèle à l’œuvre de Rostand, même après la mort prématurée de celui-ci. En 1922, il joua le personnage principal dans la création de La Dernière Nuit de Don Juan, au Théâtre de la Porte-Saint-Martin (voir fragment manuscrit ci-dessous [Inv. 2170]). En cette même année, Magnier incarna Cyrano de Bergerac dans une importante adaptation cinématographique franco-italienne de l’œuvre de Rostand, muette mais colorisée à l’époque au pochoir (travail dantesque qui repoussa la sortie en salle de trois années !).

La célèbre reliure en veau souple estampé, signée du maître-verrier René Lalique

Edmond Rostand, Chantecler, Paris, Charpentier et Fasquelle, 1910, édition originale, en reliure de veau souple estampé (Lalique). Exemplaire nominatif sur Japon impérial pour l’acteur Pierre Magnier, avec envoi autographe : « en remerciement du cop plein de foi qu’il a été à Bruxelles ! son tout dévoué, Edmond Rostand ». Inv. 2200.

Fragment du manuscrit autographe de « La dernière nuit de Don Juan » d’Edmond Rostand : dernière réplique de Don Juan dans le prologue de la pièce. Pierre Magnier créa le rôle en 1922. Inv. 2170.

XIX. ALAIN DECAUX et Lino Ventura (1972)

Le texte : intéressante entreprise que celle d’Alain Decaux dans cette grande fresque en dix volumes, examinant bien sûr les femmes célèbres de l’histoire de France, mais aussi, d’une manière plus large, la place de la femme dans la société française au fil des siècles. Ce premier tome faisait le portrait aussi bien de Blanche de Castille que de Catherine de Médicis, de Jeanne d’Arc que de Mme de Sévigné. On y retrouve les belles Frondeuses galopant en quête de leur liberté, les précieuses réformant le langage, les villageoises inconnues de la Gaule, les épouses mérovingiennes naissantes, etc.

Sur la provenance : cet exemplaire associe deux personnes que j’admire beaucoup : Alain Decaux et Lino Ventura. Autant le dire : j’ai été surpris, voire choqué de la globale indifférence avec laquelle la mort d’Alain Decaux, l’année dernière, a été traitée par les médias et le public français… Voilà un homme qui a passé sa vie à passionner les foules en rendant l’Histoire accessible et vivante pour le plus grand nombre, dans tous les foyers français, et que les oraisons funèbres n’ont présenté que comme un « vulgarisateur », avec un ton condescendant. Incroyables journalistes, incapables de saisir les propos de chercheurs les plus pointus, mais prêts dans le même temps à mépriser ceux qui s’efforcent à rendre leur science accessible ! Je l’avoue sans détour : enfant, les livres d’Alain Decaux ont beaucoup fait pour développer mon goût pour l’histoire. C’est pourquoi j’ai été heureux, par la suite, de lui faire connaître mes travaux de recherche, après l’avoir rencontré dans le cadre de l’exposition Mignonne, allons voir… au château de Chantilly (dont il était le principal responsable au nom de l’Académie).

Quant à Lino Ventura, il est sans doute l’un de mes acteurs préférés, en premier lieu pour sa magistrale interprétation du personnage de Philippe Gerbier dans L’Armée des Ombres, film de Jean-Pierre Melville (1969), inspiré du roman du même nom de Joseph Kessel, l’un des plus beaux livres de la littérature de résistance, paru en 1943.

Lino Ventura dans le rôle de Philippe Gerbier (« L’Armée des Ombres » de Jean-Pierre Melville, d’après le roman de Josepk Kessel, 1969)

Le contexte : il peut sembler difficile d’associer ces deux personnages, mais n’avaient-ils pas en commun l’écran, petit ou grand ? De fait, ils se retrouvèrent au moins sur un grand projet cinématographique : l’adaptation des Misérables de Hugo par Robert Hossein en 1982. Decaux en était le scénariste et le dialoguiste[18] ; Ventura interprétait le personnage de Jean Valjean. Mais cet exemplaire à la dédicace si élogieuse semble faire remonter leurs rapports à 1972 pour le moins (à moins qu’il ne s’agisse d’un cadeau plus tardif de dix ans ?).

Lino Ventura dans le rôle de Jean Valjean (« Les Misérables » de Robert Hossein, d’après le roman de Victor Hugo, 1982)

Alain Decaux (1925-2016), Histoire des Françaises [tome I], Paris, Perrin, 1972. Provenance : Lino Ventura (1919-1987, acteur) (envoi autographe : « pour Lino Ventura que j’admire tant, en signe de ma vive sympathie, Alain Decaux »). Inv. 2046.


En guise de cul-de-lampe final, de magnifiques bacchantes, les vraies et leur version autoportraiturée par l’auteur !


NOTES

[1] L’édition originale de 1825 présentait même un portrait frontispice qui n’était autre que celui de l’auteur grimé en femme ! La deuxième édition, parue en 1830, était augmentée deux pièces encore inédites (« L’Occasion » et « Le Carrosse du Saint-Sacrement ») (inv. 494).

[2] En plus des célèbres Odes funambulesques (1857) (inv. 1510), on peut citer Les pauvres saltimbanques (Paris, Michel Lévy, 1853) (inv. 401), qualifié de « peu commun » par Clouzot.

[3] Paris, Charpentier, 1882. Exemplaire offert à François Coppée, avec envoi autographe (inv. 380).

[4] Paris, Charpentier, 1890. Un des 5 exemplaires sur Japon (n° 2), avec envoi autographe à Julia Daudet (inv. 1609).

[5] Paris, Dentu, 1894. Exemplaire du poète parnassien et futur académicien François Coppée, avec un amusant envoi à teneur théâtral : « A François Coppée, ami des bons cabots » (inv. 666).

[6] Suite à une demande récente d’un dix-septièmiste célèbre, j’ai fait un petit inventaire de mes pièces de théâtre XVIIe en édition d’époque et suis parvenu, un peu surpris, au chiffre rondelet de 68 ! C’est fou comme les livres s’accumulent au fil des années… C’est le siècle le mieux représenté dans ma collection, juste après le XIXe s.

[7] Catalogue du cabinet d’histoire naturelle de Mlle C***, dont la vente se fera rue du Baq, près le Pont Royal, dans le mois de février 1773, Paris, Michel Lambert, 1773. L’ensemble fut racheté en bloc par le comte Demidoff pour 30’000 livres.

[8] Edmond de Goncourt, Mademoiselle Clairon, Paris, Charpentier, 1890, p. 326, note 2.

[9] Œuvres de Saint-Evremond…, s.l. [Paris], 1740, 10 vol. in-12, fig. de Picart, veau fauve, avec super-libris. Cette série se retrouve dans le catalogue Bibliothèque des Goncourt – XVIIIe siècle : livres, manuscrits, autographes…, Paris, Duchesne et Morgand, 1897, p. 102, n° 658.

[10] Clouzot, Guide du bibliophile français du XIXe siècle, p. 159.

[11] J’en possède l’exemplaire offert au poète Théodore de Banville, ami de longue date de Monselet (en 1859, ce dernier écrivait : « Au premier rang de nos meilleurs poètes, entre Musset et Gautier, on doit placer M. Théodore de Banville, dont plusieurs recueils, Les Cariatides ou Les Stalactites attestent l’éclat, la grâce et l’esprit »). Relié en demi-toile bradel rouge (dans l’habituelle et très reconnaissable « reliure Banville » à tête rouge), l’exemplaire comporte l’ex-libris gravé de Banville (inv. 598).

[12] Sur ces deux personnages, voir Geneviève Faye, « Henri Larochelle : une réussite exemplaire », dans Pascale Goetschel et Jean-Claude Yon (dir.), Directeurs de théâtre (XIXe – XXe s.) : histoire d’une profession, Paris, Publications de la Sorbonne, 2008, pp. 131-142.

[13] Pour une très belle présentation de cet opéra et de ses représentations, voir ce site : http://www.artlyriquefr.fr/oeuvres/Thais.html

[14] Sur ces épisodes, voir : André Antoine, Mes souvenirs sur le Théâtre Antoine et l’Odéon, Paris, 1928 ; Pierre Michel, «Les Mauvais bergers et Le Repas du lion », dans Cahiers Octave Mirbeau, n° 3, 1996, pp. 213-220.

[15] Lettre à Georges Louis, en date du 17 juin 1908.

[16] Lettre à Georges Louis, en date du 13 mars 1910.

[17] Lettre à Georges Louis, en date du 12 décembre 1910.

[18] Decaux devait consacrer une importante biographie à Victor Hugo deux ans plus tard (Paris, Perrin, 1984). Mon exemplaire est celui offert par l’historien au producteur de cinéma Bernard Artigues.

MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (14) : « JACK » A DIT !

AUTOUR DE JACK D’ALPHONSE DAUDET

On dit souvent qu’une collection peut constituer une forme d’œuvre d’art. Si c’est le cas, alors c’est nécessairement par petites touches successives, tel un tableau impressionniste qu’on peindrait sur de nombreuses années : une telle entreprise se réalise en effet avec un plan et une vue d’ensemble, mais aussi, par force, au gré de livres et manuscrits le plus souvent croisés par hasard et acquis par chance. Mais, au fil du temps, il y a parfois des « dossiers », des « séries », qui, à la suite d’un ou deux achats initiaux, se mettent doucement en place et commencent à former, plus ou moins volontairement, un vrai ensemble cohérent, autour d’un titre ou d’une thématique ponctuelle (et n’est-ce pas, finalement, le propos du collectionneur : (re)créer du sens à partir de « membra disjecta » ?) .

Pour illustrer ce propos de manière concrète, j’ai choisi de présenter une petite série de documents en rapport avec le roman Jack d’Alphonse Daudet, un ouvrage cruel et sombre, un « livre de pitié, de colère et d’ironie » loin du Daudet jovial et léger que tout le monde croit connaître. Après une présentation générale de ce livre (qui mérite bien d’être connu et lu) seront donc présentés six documents qui, tous, marquent une étape de la vie de ce texte, depuis un exemplaire particulier de l’édition originale jusqu’à l’évocation des premières illustrations données au roman, en passant par son adaptation théâtrale. Les documents en question, ouvrages imprimés ou manuscrits autographes, ont été acquis sur une période de 12 ans (2004-2016) auprès de 4 libraires totalement différents (Paris, Lyon, Avignon, Béziers).

Jack présenté en quelques mots

En décembre 1858, Ida de Barancy, fausse comtesse mais vraie « demi-mondaine » légère et écervelée, veut placer son fils naturel, Jack, un petit garçon de sept/huit ans, blond, gracieux, gentil et tendre, dans un pensionnat pour satisfaire les caprices de sa vie débridée. Las, le très select collège jésuite de Vaugirard refuse l’enfant en raison du pedigree de la mère, non sans que le supérieur de l’établissement s’émeuve du sort futur du « pauvre enfant ». Il faut donc se rabattre sur le Gymnase Moronval, un internat tenu par un mulâtre et fréquenté principalement par des personnalités venus des « petits pays chaud » : enfants de notables, potentats ou roitelets d’Afrique ou d’Asie, désireux de donner à leur progéniture une éducation à la française. Ida s’amourache du professeur de littérature de l’école, un certain D’Argenson, vicomte ruiné et poète raté. S’enfuyant à son tour du collège, Jack parvient, après plusieurs tribulations, à rejoindre le couple. L’intelligence de l’enfant se développe au contact d’un ami, le docteur Rivals, mais son sadique beau-père D’Argenton, qui le hait et lui rend la vie infernale, décrète que Jack deviendra ouvrier : l’enfant est alors placé chez les Roudic, pour apprendre le dur métier de fondeur. Exploité à outrance dans cette usine, passé ensuite dans l’enfer des salles des machines de grands vapeurs comme « chauffeur », Jack s’étiole, sombre dans le désespoir et l’alcool, avant de s’éteindre dévoré par la phtisie, alors que la mère indigne exprime quelques remords aussi tardifs qu’inutiles.

Comptant parmi les œuvres les plus sombres de Daudet, Jack est un véritable roman social, décrivant aussi bien certaines situations de castes (cas des filles-mères et leurs enfants, figures honteuses et déclassées) que l’exploitation des enfants. Daudet rejoint ici un registre naturaliste, proche d’un Zola, auquel son nom n’est habituellement pas rattaché. Mais cet auteur souvent considéré comme un Provençal léger, aux livres pleins de soleil, a donné des romans très noirs, sans aucune illusion d’une part sur la nature humaine, mais aussi sur les rapports sociaux de son époque. Le malheureux Jack rejoint ainsi la légion des enfants martyrs de la littérature XIXe siècle, qu’il s’agisse d’Olivier Twist, de David Copperfield, de Poil de Carotte ou du Petit Chose (du même Daudet).

Genèse et parution d’un « livre de pitié, de colère et d’ironie » (1875-1876)

D’abord paru sous forme de feuilleton dans Le Moniteur universel entre le 15 juin et le 2 octobre 1877, Jack connut sa première édition, en deux tomes, aux éditions Dentu en 1876 : « Ce livre de pitié, de colère et d’ironie est dédié à Gustave Flaubert, mon ami et mon maître ».

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Comme il l’a fait pour d’autres romans ou recueils de nouvelles sous forme de courts récits baptisés « Histoire de mes livres », Alphonse Daudet a raconté dans le détail l’origine de Jack, lui consacrant un chapitre dans Trente ans de Paris – A travers ma vie et mes livres, paru en 1888[1]. On apprend ainsi que le fond du roman est tiré d’une histoire authentique. En 1868, Daudet avait connu un jeune homme nommé Raoul D…, fils abandonné d’une courtisane, réfugié à Champrosay, non loin de la maison de campagne des Daudet. Mi-étudiant, mi-vagabond, il avait frotté ses fonds de culotte sur les bancs des lycées avant de devoir travailler comme « chauffeur » de locomotive. Daudet le prit sous sa protection, lui ouvrit sa bibliothèque, lui procura quelques commandes d’articles et lui trouva pour finir une place en Algérie, en espérant que le climat arrangerait son délabrement physique. Après l’avoir perdu de vue pendant la guerre de 1870, Daudet finit par apprendre que le jeune homme, miné par la maladie, s’était éteint à l’hôpital d’Alger, sans que sa mère daigne seulement lui écrire.

« Voilà ce que l’existence m’a fourni. Longtemps, je ne vis dans cette histoire qu’une de ces mille tristesses extérieures qui traversent nos propres tristesses. Cela s’était passé trop près de moi pour mon regard de romancier ; l’étude humaine se perdait dans mon émotion personnelle. Un jour à Champrosay, assis avec Gustave Droz sur un arbre abattu, dans la mélancolie des bois, l’automne, je lui racontais la misérable existence de Raoul, à quelques pas de la masure en pierres rouges où elle s’était traînée aux heures de maladie et d’abandon. “Quel beau livre à faire !” me dit Droz, très ému. Dès ce jour, laissant de côté le Nabab [roman finalement paru en 1877], que j’étais en train de bâtir, je partis sur cette nouvelle piste, avec une hâte, une fièvre, ce frémissement au bout des doigts qui me prend au début et à la fin de tous mes livres »[2].

Aussi était-ce fort émouvant de mettre la main, en mars 2004, chez un libraire parisien, sur l’exemplaire offert par Daudet à celui-là même qui avait servi de déclencheur à son inspiration : son proche ami le romancier Gustave Droz (1832-1895)[3].

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Alphonse Daudet, Jack – Mœurs contemporaines, Paris, Eugène Dentu, 1876. Deux volumes in-12, de 396 et 366 pp. Demi-reliures bradel de percaline verte, dos lisses ornés d’un fleuron et de filets dorés, pièces de titre sur chagrin noir, tranches naturelles, non rognés (reliures de l’époque)[4]. Edition originale[5]. Provenance : Gustave Droz (1832-1895, écrivain et peintre) (envoi autographe : « A Gustave Droz, Alphonse Daudet »). Inventaire n° 390.

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Jack sur les planches : une adaptation au forceps (1879-1881)

A en croire le chroniqueur théâtral Arnold Mortier[6], Daudet avait pensé à une adaptation de Jack pour la scène alors même qu’il écrivait son roman, ébauchant déjà un premier scénario[7]. Puis accaparé par d’autres chantiers, il mit de côté ce projet. Vers 1878, ayant aidé un jeune romancier débutant, Henri Liesse, à publier sa première œuvre, Daudet lui proposa une collaboration dramatique et lui donna pour mission d’achever la version théâtrale de Jack, en reprenant le matériau présent dans les premières ébauches écrites trois ou quatre ans plus tôt. Mais le résultat fut loin de soulever l’enthousiasme de Daudet, prêt à jeter l’éponge définitivement. La pièce passa néanmoins devant les yeux de l’acteur Henri Lafontaine (1826-1898), sociétaire de la Comédie-Française, pressenti pour créer le rôle de l’ignoble D’Argenton. Le comédien, également auteur, estima que la pièce n’était en effet pas au point et proposa plusieurs idées de remaniements, à tel point que Daudet finit par l’associer au projet d’écriture.

Les échanges entre Daudet et son nouveau collaborateur se manifestèrent par une correspondance dont j’ai pu réunir, coup par coup, trois lettres, achetées en mars 2013 auprès d’une librairie lyonnaise. Elles marquent trois temps dans l’élaboration de cette pièce :

  • novembre 1879 : la prise de connaissance par Daudet des suggestions de Lafontaine et le redémarrage du projet,
  • courant 1880 : finalisation de l’association entre les deux auteurs, premiers jalons pour la mise en œuvre de la pièce (publicité, repérages d’acteurs…),
  • décembre 1880 : répétitions et dernières modifications du texte.

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« Mon cher Lafontaine, Ce que vous m’avez dit de Jack me raccommode avec lui. Oui, la pièce devient éloquente, intéressante, avec les modifications que vous m’avez proposées. Mettez-vous donc à l’œuvre aussitôt que vous pourrez ; nous viendrons peut être à bout à nous deux de faire un drame émouvant et jouable ? Adieu, mon collabo, – et au revoir. Alph. Daudet. Je viens de télégraphier en Allemagne pour qu’on m’expédie les deux derniers tableaux. Dites bien à Mme Lafontaine le plaisir qu’elle ferait à ma femme, en l’échappant une heure, un de ces mercredis, avenue de l’Observatoire »

Alphonse Daudet, Lettre autographe signée à Henri Lafontaine, [Paris], 27 novembre 1879, 1 page in-12. Inv. n° 1647.

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« Mon cher Lafontaine, Il reste entendu que Jack, drame en cinq actes, sera signé de votre nom et du mien. Quant aux droits, ils seront partagés entre vous, Henri Liesse et moi. Trois parts égales. De cette façon, tout le monde est content. Souhaitons que le public le soit aussi. Cordialement votre. Alphonse Daudet. Plusieurs journaux du soir ont donné la note de librairie que je voulais faire. C’est Calmann qui a dû la faire passer. Tâchez donc de voir une répétition du Gymnase »

Alphonse Daudet, Lettre autographe signée à Henri Lafontaine, [Paris], s.d. [premier semestre 1880 ?], 1 page in-12. Inv. n° 1648.

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« Mon cher et vaillant collabo, Je ne compte pas venir aujourd’hui ; mais si vous avez besoin de moi, un petit signe et j’accours, je suis là tout près, le nez dans l’encre, à la maison. Ne criez pas trop, ne vous énervez pas, hier vous aviez les traits tirés. Il nous faut un D’Argenton en fleur. Et à propos de d’Argenton, rappelez-vous pour l’entrée de Hirsch : « Le docteur Hirsch, de la faculté de (avec un rien d’hésitation et un regard questionneur à Hirsch) Pernambuco… Hirsch (Entre ses dents et d’un ton de je m’en fous) Si tu veux… D’Argenton : Universaliste… très fort… » Voyez si au lieu du : « Si tu veux… », vous pouvez glisser aux dents de Hirsch : « médecin in partibus », comme vous disiez hier ; ou carrément comme ceci : « Hirsch à Ida (ton de blague) « Comme qui dirait médecin in partibus« . Alph. Daudet. »

Alphonse Daudet, Lettre autographe signée à Henri Lafontaine, [Paris], 14 décembre 1880, 2 pages in-12. Inv. n° 1649.

Le drame Jack fut en définitive joué pour la première fois le 11 janvier 1881 au Théâtre de l’Odéon, devant une salle remplie de célébrités. Faisant la une de plusieurs journaux et suppléments illustrés (ci-dessous Le Monde illustré  et L’Univers illustré), la pièce remporta de nombreuses critiques élogieuses (dont celle de Mortier). Mais le succès alla ensuite en s’essoufflant : la pièce fut finalement retirée vers la fin de l’année, après avoir quand même franchi le cap très respectable des 300 représentations.

     Représentation de Jack à l'Odéon 1881Représentation de Jack à l'Odéon 1881 (3)

La dernière étape consista en la publication du texte de la pièce, qui parut en 1882 aux Editions Dentu, sous le titre Jack, pièce en cinq actes, cosigné par Daudet et Lafontaine. Si le mince volume n’est bien entendu pas le Daudet le plus recherché des bibliophiles, il n’en est pas moins assez rare, surtout en bel état. Il m’a fallu attendre janvier 2016 pour en dénicher un bon exemplaire, en reliure signée et avec bon pedigree, chez un libraire ami d’Avignon.

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Alphonse Daudet et Henri Lafontaine, Jack, pièce en cinq actes, Paris, E. Dentu, 1882. In-12, de 107 pp. Demi-reliure bradel de maroquin bleu nuit à larges coins, dos lisse, titre doré, date en queue, non rogné, couvertures conservées (Champs). Edition originale. Provenance : Paul Bellon (1853-1895, avocat et bibliophile lyonnais) (ex-libris gravé ; Catalogues de beaux livres anciens et modernes composant la bibliothèque de feu M. Paul Bellon, de Lyon, 1ère partie, Paris, Techener, 1896, n° 344, en lot avec trois autres pièces de Daudet, reliées de la même manière). Inv. N° 2048.

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Jack en images : autour de la première édition illustrée

Alors même que la pièce tenait l’affiche à l’Odéon, les deux principaux éditeurs de Daudet, Eugène Dentu (1830-1884) et Georges Charpentier (1846-1905), s’associèrent pour proposer ses premières Œuvres complètes, qui plus est illustrées. Entre juillet 1881 et le courant de l’année 1882, quatre volumes parurent[8], dont l’un (le tome III) contenait Jack, avec des dessins du peintre Charles Delort (1841-1895) reproduits en fac-similé par héliogravure.

C’est dans ce contexte que Charpentier relaya à Dentu, en mars 1882, une demande de Delort, qui souhaitait exposer les originaux de ses illustrations pour Jack au Cercle des Mirlitons, club d’artistes huppé sis place Vendôme. Une lettre qui s’est donc rajoutée par hasard à ce dossier Jack, dégotée chez un libraire de l’Hérault en 2011 (et cataloguée seulement maintenant, après cinq ans d’oubli dans une chemise !).

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« Mon cher confrère, Monsieur Delort désire exposer au cercle des mirlitons les dessins originaux de Jack. Je lui ai remis les deux que j’ai entre les mains et il me demande un mot pour vous prier de lui prêter celui que vous avez. Je le fais bien volontiers pensant que vous n’y verrez nul inconvénient. Veuillez recevoir, mon cher confrère, l’assurance de mes meilleurs sentiments, G. Charpentier ».

Georges Charpentier, Lettre autographe signée à Eugène Dentu, Paris, 19 mars 1882. Deux pages sur un bi-feuillet in-12, à en-tête « Bibliothèque Charpentier, 13, rue de Grenelle, St Germain, Paris ». Inv. n° 2087.

———————-

[1] A. Daudet, Trente ans de Paris – A travers ma vie et mes livres, Paris, Marpon et Flammarion, 1888, pp. 257-285.

[2] Id., pp. 270-271.

[3] Fils du sculpteur Jules Droz, l’écrivain et peintre Gustave Droz (1832-1895) se révéla tout d’abord dans la peinture, exposant durant plusieurs années avec un certain succès. Sur les conseils d’un ami, après bien des hésitations, il accepta, en 1864, de prendre une place de rédacteur dans le journal La Vie parisienne : ses chroniques légères et enjouées devaient vite faire la fortune du journal. Devenu un auteur à succès, il publia en 1866 son plus célèbre roman, Monsieur, Madame et Bébé, l’un des plus gros succès de librairie de la fin du XIXe siècle. Il écrivit aussi le Cahier bleu de Mademoiselle Cibot (1868) et on lui attribue (sans doute à raison) un grand classique de la littérature érotique : Un Eté à la campagne.

[4] Vu en vente, à la même époque (printemps 2004) et dans deux autres librairies parisiennes, deux autres œuvres de Daudet en édition originale avec envoi à Gustave Droz, dans des reliures strictement similaires à celles-ci : Fromont jeune et Risler aîné – Mœurs parisiennes (1874) et Numa Roumestan (1881).

[5] Clouzot, Guide du bibliophile français du XIXe siècle, p. 81 (« Recherché. Quelques très rares exemplaires sur Hollande »).

[6] Arnold Mortier, Les Soirées parisiennes par un monsieur de l’orchestre – Année 1881, Paris, 1882, pp. 5-10.

[7] Un plan très détaillé (sur pas moins de 63 pages !) avait été noté dans un des carnets sur lesquels Daudet écrivait ses critiques littéraires et dramaturgiques. Passé dans les collections Gérard de Berny (II, n° 124), puis colonel Sickles (XI, n° 4229), ce document est repassé dans une vente Piasa (Paris, 29 avril 1999, n° 368).

La Fondation Martin Bodmer possède pour sa part le manuscrit autographe de l’acte V de la pièce, commençant « Le parloir des Rivals à la campagne… ». Ces 11 feuillets correspondent surtout aux pages 98-101 de l’édition originale de la pièce, avec toutefois des variantes et des passages non publiés. Prov. : Librairie Scherling, Leiden, fév. 1955, cat. 52.

[8] Signalons à ce propos ce petit billet de Daudet à son éditeur (Inv. 1582, achat 2014, librairie genevoise), datant sans doute de 1882, demandant à Charpentier de lui envoyer « un exemplaire hollande des quatre volumes parus de notre grande édition », en prévision de la soirée « chez le Vieux » (avec une majuscule, comprendre : Victor Hugo !). En 1881-1882 avaient donc paru quatre volumes (Fromont jeune et Risler aîné ; Jack ; Robert Helmont ; Le Petit Chose), puis trois nouveaux volumes devaient s’étaler entre 1884 et 1886. Chacun de ces volumes avait connu un tirage de tête de 55 exemplaires sur Hollande.

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MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (13) : QUAND LES GREVES INSPIRAIENT LES POETES…

 QUAND LES GREVES INSPIRAIENT LES POETES…

En ces temps de grogne sociale généralisée, il semblait intéressant, pour rester dans le ton, d’exhumer un texte évoquant le monde ouvrier du XIXe siècle et ses grèves. Et pas n’importe quel texte : des vers, et des plus célèbres en leur temps, tombés de la plume de celui qu’on surnommait alors « le poète des humbles », François Coppée (1842-1908). Voici une brève présentation du manuscrit autographe de ce poème et d’un exemplaire sur chine de l’édition originale, arrivés dans mes rayons il y a quelques années.

Portrait de François Coppée par Nadar (vers 1876). Tirage en photoglyptie, extrait de la « Galerie contemporaine »

Fils de fonctionnaire, Coppée commença à travailler comme employé de bureau du Ministère de la Guerre, tout en composant ses premiers vers, imprimés en 1866 dans le recueil Le Reliquaire. Membre du courant poétique du Parnasse et de l’ « écurie » des écrivains des Editions Lemerre, il accéda à la célébrité en 1869 avec sa pièce de théâtre Le Passant, dans laquelle jouait Sarah Bernhardt. Le succès ne se démentit dès lors plus que ce soit pour ses pièces ou pour ses recueils de poésie. Bibliothécaire du Sénat, puis archiviste de la Comédie-Française, il cumula peu à peu les honneurs : Académie française en 1884, officier de la Légion d’honneur en 1888. Auteur très en faveur dans les milieux bourgeois, devenu l’un des chantres du nationalisme au moment de l’Affaire Dreyfus, il fut pourtant l’un des seuls auteurs à mettre en scène, avec un intérêt et une compassion vrais, le sort des plus modestes et des déshérités dans son œuvre. Avant même le recueil Les Humbles (1872), il avait donné un poème à teneur sociale dès 1869, baptisé La Grève des Forgerons.

Le poème vit le jour en juillet 1869, dans un contexte social extrêmement lourd. Un mois plus tôt, les mineurs du bassin houiller de La Ricamarie (près de Saint-Etienne) s’étaient engagés dans une grève très dure, pour l’amélioration de leurs conditions de vie et de travail (notamment la journée de huit heures). Le 16 juin, des grévistes tentèrent de s’opposer au départ de stocks de charbon vers les usines locales : des compagnies d’infanterie, appelées pour couvrir le transfert, procédèrent à quarante arrestations. Et c’est alors que les prisonniers étaient emmenés vers Saint-Etienne que le drame intervint : confrontés au rassemblement de plusieurs centaines de collègues et de proches des mineurs interpelés, les soldats, sans doute effrayés, ouvrirent le feu, sans sommation ni ordre, tuant quatorze personnes (dont un bébé de seize mois) et occasionnant de nombreuses blessures graves. Dix jours plus tard, c’était au tour des ouvriers et ouvrières de la soie lyonnaise de se mettre en grève pour plus d’un mois.

Un humble manuscrit, « dans son jus »…

Composé peu après ses événements, le long poème de Coppée (253 alexandrins) prend place dans le monde des forges, autrement dit de l’industrie sidérurgique. Il met en scène un vieil ouvrier, le père Jean, respecté de tous, qui se voit désigné par ses camarades comme porte-parole auprès du maître de forge pour demander une hausse de salaire. Devant le refus poli du patron (éternelle question : comment demeurer compétitif ?), les ouvriers se mettent en grève. L’argent en vient vite à manquer chez le vieil homme, une situation critique puisqu’il doit nourrir sa femme et ses deux petits-enfants, demeurés à sa charge. Annonçant à ses compagnons qu’il doit reprendre le travail, il se fait alors traiter de lâche par un jeune exalté. Ne pouvant supporter l’affront, le père Jean défit son insulteur en duel et l’abat d’un coup de marteau. Et l’on découvre alors que ce long monologue, placé dans la bouche même du père Jean, avec des phrases brèves et sans fioritures, s’adressait en fait aux juges de la cour d’assise.

En voici les premiers vers :

Mon histoire, messieurs les juges, sera brève.
Voilà . Les forgerons s’étaient tous mis en grève.
C’était leur droit. L’hiver était très dur ; enfin,
Cette fois, le faubourg était las d’avoir faim.
Le samedi, le soir du payement de semaine,
On me prend doucement par le bras, on m’emmène
Au cabaret ; et, là, les plus vieux compagnons
– J’ai déjà refusé de vous livrer leurs noms –
Me disent :  » Père Jean, nous manquons de courage ;
Qu’on augmente la paye, ou sinon plus d’ouvrage !
On nous exploite, et c’est notre unique moyen. […]

Tout en se démarquant des premières productions de Coppée (toutes parnassiennes et donc purement esthétisantes), La Grève des Forgerons va devenir emblématique de sa veine personnelle, s’intéressant à la vie quotidienne du peuple de Paris et de ses banlieues : dans ce long monologue, le poète trace un portrait sans fard, à la Zola, d’une réalité sociale très dure. Cette démarche narrative (que l’on retrouvera dans les poèmes du recueil Les Humbles) le conduira à adopter un prosaïsme volontaire et revendiqué, un refus du « poétisme », qui sera moqué par Verlaine, Rimbaud, les Zutistes ou les Symbolistes. Verlaine, notamment, s’amusa à le pasticher et disait qu’il faisait « un Vieux-Coppée » quand il s’amusait à composer un dizain au sujet un peu banal. Pour Jules Renard (qui avait souvent la dent dure dans son Journal), Coppée faisait « de la prose sans le savoir » (et Renard de prophétiser : « On ne rouvrira pas Coppée. Qu’est-ce qu’un poète dont la lecture ne nous augmente pas ? »). Anatole France, de son côté, avait fait une blague un peu vacharde, en disant avoir vu, un jour d’enterrement, une couronne funéraire portant l’inscription « Offert par le Cercle de boules d’Auteil » (soit un alexandrin) et avoir pensé : « On dirait un vers de Coppée ! ». Mais France lui reconnaissait aussi d’avoir su casser l’alexandrin traditionnel et d’avoir trouvé le moyen de conserver le naturel dans l’art. Certains critiques, de nos jours encore, se prenant pour des Verlaine au petit pied, adorent descendre ce poète mort et oublié depuis plus d’un siècle, parlant à plaisir de son style populiste, de ses lieux communs, de son sentimentalisme  à l’eau de rose, etc. Critiques non dénuées de quelques raisons, mais à mon sens un peu faciles, faisant fi un peu rapidement de l’écho rencontré par cette poésie auprès du lectorat de l’époque (mais les critiques et exégètes, d’aujourd’hui comme d’hier, sont si facilement méprisants pour les goûts des simples lecteurs, incapables par définition de séparer le bon grain de l’ivraie, puisque n’étant pas membres du sérail des professionnels des lettres, fin de la parenthèse…). Il n’est donc pas inintéressant, à mes yeux d’historien et de collectionneur, de redécouvrir l’œuvre de François Coppée où se rencontrent des œuvres d’une certaine force, ou du moins d’un réel intérêt historique, comme l’est cette Grève des Forgerons, demeurée l’une de ses pièces majeures.

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La fin tragique du poème

Manifestement écrit sur les feuillets d’un petit cahier ou carnet, le présent manuscrit autographe signé, comptant 9 pages, n’est pas daté, mais doit remonter à l’époque de la composition du poème : l’écriture de Coppée présente encore des formes juvéniles qui ne figurent plus dans sa calligraphie d’homme de lettres confirmé des années 1870-1880. L’œuvre sera publiée chez Alphonse Lemerre dans le courant du second semestre 1869, sous d’un petit fascicule indépendant, une plaquette in-octavo de 15 pages. Cette édition originale comportait un tirage de tête de 24 exemplaires sur chine et de 24 autres sur hollande, non numérotés. Le présent exemplaire, broché, est l’un des 24 chine.

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Un des 24 exemplaires sur papier de Chine

Si vous voulez lire ce poème dans l’édition originale, vous pouvez le retrouver en reproduction numérique via ce LIEN  ou en version texte via cet autre (http://www.bmlisieux.com/archives/forgeron.htm).

Allez, bonne lecture et salut à tous, camarades ! « C’est la lutteuh finaleuh, groupons-nous et demain, le livre ancien sera le genre humain » 🙂

MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (12) : UN VERLAINE « BATH AUX POMMES »

UN VERLAINE « BATH AUX POMMES »

Verlaine sonnetCela faisait bien, bien longtemps que j’en rêvais, et voilà : un sonnet autographe de Verlaine a rejoint mes rayons ! Je suis d’autant plus content que le poème en question, s’il n’est pas le plus connu, est toutefois porteur d’une riche intertextualité, une dimension qui m’est particulièrement chère. Bref, un Verlaine « bath aux pommes » (comme il disait lui-même, dans son jargon potache, des poèmes ou articles fournis à Léon Vanier). Voici tout d’abord le texte :

Ecrit pendant le siège de Paris                                                                                  Xbre 1870

Loyal poignet d’acier, bon vieux héros choisi                                                        De par le bon vieux Dieu barbu des vieilles Bibles                                  Pour être le plus pur entre les plus terribles                                                        Goetz de Berlichingen, que dis-tu de ceux-ci ?

Dorothée, Ottilie ! ô vous vierges, quasi                                                         Des anges, qui, parmi vos rêves si paisibles,                                                        Tout au plus évoquiez des “amis” impossibles                                                      A force de vertus, qu’en dites-vous aussi ?

Et vous, les jeunes gens, fières Maisons-moussues,                                         Contempteurs des docteurs et des choses reçues,                                     Terreur des Philistins abjects, splendides fous,

Sur Paris, sur Paris ! ce ne sont pas des mythes,                                                  L’Allemagne, il paraît, lance, qu’en dites-vous ?                                                    Tranquillement des culs horribles de marmites.

Paul Verlaine

Sous le titre Obus et philosophie mêlés (évident rappel du recueil de textes de Victor Hugo, Littérature et philosophies mêlées, paru en 1834), le poème avait paru dès le 12 janvier 1871, dans le journal Le Rappel. A quelques infimes variantes près (« stupidement » eu lieu de « Tranquillement », quelques différentes orthographiques et la présence d’une épigraphe :  » … ! (Cambronne) »), le texte était similaire.

Lorsque paraît le poème pour la première fois, Paris est assiégé par les troupes prussiennes : au prix de privations inouïes, la cité tient depuis le 17 septembre 1870, mais est sur le point de capituler (26 janvier 1871). La Commune suivra, du 18 mars au 28 mai. Engagé dans la Garde nationale parisienne, Verlaine devra fuir un temps la répression versaillaise et, radié, perdra son poste dans l’administration. Circonstances qui expliquent peut-être pourquoi ce poème fut longtemps oublié dans un fond de tiroir.

Il faut attendre la fin de la vie du poète et la mise au point de son dernier ouvrage pour que ces vers ressurgissent. Courant 1895, Léon Vanier, l’éditeur « officiel » de Verlaine, lui commande un nouveau recueil, pour lequel le poète va « recycler » un certain nombre de pièces anciennes, associées à de nouvelles compositions. Le livre est intitulé Invectives, ce qui en dit clairement le contenu ! Notre sonnet gagne au passage un nouveau titre, Ecrit pendant le siège de Paris (Xbre 1870), et trouve petit à petit sa place dans le recueil, avec des numéros au crayon bleu : d’abord, le numéro XVI (qu’on retrouve dans la table des matières autographe conservée à la Bibliothèque littéraire Jacques Doucet, à Paris), barré ensuite au profit du numéro XXXII. Finalement, le poème apparaîtra sous le numéro XXX dans l’édition Vanier, publiée quelques semaines après la mort du poète le 8 janvier 1896.

Profitant de l’envoi de son poème à Vanier, Verlaine ajouta un petit mot au crayon à l’intention de son éditeur : « J’ai encore à ajouter trois / ou quatre assez longues / pièces de cette époque [et d’après ?] / que je rechercherai dans le Rappel / et autres journaux / à demain pièce / sur Le Con te de Lisle ».  On retrouve ici l’acrimonie qui régnait depuis plusieurs années entre les deux hommes. Dès 1885, dans la série des Hommes d’aujourd’hui chez Vanier, Verlaine avait livré un portrait fort rosse du chef de file des Parnassiens : « J’ai dit que Leconte de Lisle était un beau causeur ; souvent amer, par exemple. Il a, cet homme, parfois des rancunes, des préventions d’homme, et gare à ceux qu’il investit de son animadversion ! Une dent acérée brille et mord ferme le malheureux, entre le monocle et la cigarette ». Et en 1890, dans la pièce X du recueil Dédicaces (« A Raoul Ponchon »), il avait osé l’insulte par la césure et l’enjambement :

« Voyez de Banville, et voyez Lecon-                                                                      Te de Lisle, et tôt pratiquons leur con-                                                                      Duite et soyons, tels ces deux preux, nature. »

Venons-en au contenu même du poème. Comme le fera Vercors avec Le Silence de la Mer en 1942, il s’agit d’opposer l’Allemagne de la culture à l’Allemagne de la guerre et de la barbarie. C’est du côté de Goethe, dont il était un fervent lecteur, que Verlaine va chercher ses exemples.  Avec sa mention de Goetz von Berlichingen, le poète renvoit à la fois vers le parangon du chevalier allemand « à l’ancienne » (le véritable Berlichingen [v. 1480-1562] était surnommé « Main de fer » à cause de sa prothèse articulée, d’où le « loyal poignet de fer ») et vers l’une des premières pièces de théâtre de Goethe, inspirée par ce personnage haut en couleurs (1773). Sont ensuite citées Dorothée et Ottilie, autrement dit les héroïnes de Hermann et Dorothée et des Affinités électives du même Goethe. Verlaine faisait enfin référence aux « jeunes gens, fières Maisons-moussues », autrement dit aux étudiants des célèbres grandes universités allemandes. « Maisons-moussues » était en effet un grade supérieur dans les sociétés secrètes d’étudiants, dont Verlaine met ici en effet l’esprit libre, critique et rebelle contre la société bourgeoise compassée.

Mais à cette Allemagne de la culture, un peu mythique, évoquée seulement par des personnages de papier ou du folklore estudiantin, Verlaine oppose de manière plus dure et concrète (« ce ne sont pas des mythes ») le comportement des armées allemandes en France. A cet égard, le changement de l’intiale adverbe « Stupidement » par « Tranquillement » renforce encore l’aspect terriblement inhumain du pilonnage systématique infligé à la capitale avec ces « horribles culs de marmite » (bombes de gros calibre lancées par des mortiers).

Paul Verlaine (1844-1896), Ecrit pendant le siège de Paris – Xbre 1870,  s.l.n.d. [Paris, 1895], manuscrit autographe signé, 1 f. sur papier ligné.

Provenance : Léon Vanier (1847-1896) ; Editions Vanier-Messein ; colonel Daniel Sickles (1904-1989) (alors relié dans un exemplaire d’Invectives sur Hollande : « Bibliothèque du colonel Daniel Sickles – Littérature française des XIXe et XXe siècles », 4e partie, Paris, 15 mars 1990, n° 2927 ; 11e partie, Paris, 19 février 1992, n° 4545 ; 12e partie, Paris, 29 octobre 1992, n° 5119) ; Librairie des Muses (Alain Nicolas, Paris, vers 2005) ; Pierre Nétange (« Bibliothèque Pierre Nétange », Paris, 10 décembre 2015, n° 59) ; Librairie Hugues de Bourbon.

Réf. : manuscrit inconnu des éditeurs scientifiques de l’édition Pléiade des OEuvres de Verlaine. Mes remerciements à M. Christian Hervé (ENS) pour sa très érudite analyse publié en 2007 sur sa page dédiée à Verlaine : http://romances-sans-paroles.pagesperso-orange.fr/obus.htm

MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (11/2) : FAMILLES, JE VOUS HAI…ME ! (2/2)

MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (11/2) :

FAMILLES, JE VOUS HAI…ME ! (suite et fin)

Second volet de cet article sur les envois ou lettres autographes de grands auteurs à leurs proches parents. Entre 1881 et 1927, nous croiserons cette fois-ci l’hommage de Gide à sa trop belle cousine (enfant, il avait planté ses dents dans cette chair séduisante !), l’émouvant aveu du romancier Léon Cladel à sa femme, l’affection de Daudet et de sa femme pour leur belle-mère et mère, les relations triangulaires compliquées des filles d’Heredia et de leurs époux (Pierre Louÿs, Henri de Régnier et Maurice Maindron), le triste épisode de l’amour filial rompu entre Anatole France et sa fille Suzanne, ou la correspondance du romancier de guerre Henri Barbusse avec sa marraine (de guerre bien entendu!). Bonne lecture à tous !

1881 : LEON CLADEL à sa femme (inv. 710)

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Léon Cladel (1834-1892), Les Va-nu-pieds, Paris, Charpentier, 1881, deuxième édition. Envoi autographe : « A Julia Mullem, ma sœur d’armes, et la mère de mon œuvre et la femme de mon cœur. L.A. Cladel. Paris, 5 mars 81 ». Corrections autographes dans l’épître dédicatoire.

Sur la provenance : fils d’un bourrelier de Montauban, Léon Cladel (1834-1892) se fit vite connaître comme romancier naturaliste, sans renier ses origines paysannes. Son premier roman, Les Martyrs ridicules (1862), fut préfacé par Baudelaire. Après la Commune (durant laquelle il faillit être fusillé par les Versaillais), il épousa à Paris, le 14 novembre 1871, une jeune musicienne : Julia Mullem (1843-1923, sœur de l’écrivain et journaliste Louis Mullem). Läics et républicains, ils voulurent toutefois marquer leurs origines culturelles respectives, catholique et juive, à travers les prénoms donnés à leurs cinq enfants : Judith-Jeanne, Sarah-Marianne, Rachel-Louise, Eve-Rose, Pierrine-Esther, Saül-Alpinien. En dépit de fréquentes et violentes disputes (les deux époux avaient un caractère passionné), leur complicité fut indéniable tout au long de leur vie commune. Cet exemplaire du recueil Les Va-nu-pieds est en fait un exemplaire de dédicace, attendu que les volume avait été dédié à Julia Mullen depuis la première édition. En plus de l’envoi, il contient quelques corrections de Cladel, à l’encre et au crayon, sur l’épître dédicatoire datée de mai 1873 : il change ainsi « ma chère femme » en « ma gentille femme », et donne à Julia Mullen un rôle déterminant dans la composition de son œuvre par ses conseils et appréciations[1].

L’œuvre : ce recueil de douze nouvelles à consonnances sociales, très influencées par l’expérience de la Communce, est constitué des premiers textes de Cladel, d’abord parus dans divers journaux. L’édition originale, déjà dédiée à Julia Mullem, sortit en 1873 chez Alphonse Lemerre.

1892 : JULIA DAUDET à sa mère (inv. 1060)

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Julia Allard-Daudet (1844-1940), Œuvres : L’Enfance d’une Parisienne – Enfants et mères, Paris, Lemerre, 1892, deuxième édition, première collective. Envoi : « à maman chérie / de tout esprit et / de tout coeur / Julia A. Daudet ».

La provenance : Julia Daudet avait donc offert ce petit volume à sa mère, Léonide Allard, née Navoit (1822-1909), avec un tendre envoi. Le thème des deux romans, très autobiographiques et portant sur les rapports parents-enfants, rend d’autant plus attachante la provenance de cet exemplaire. Le livre revint à son auteur après la mort de sa mère en 1909 et Julia le conserva dans sa bibliothèque jusqu’à sa propre disparition en 1940. Sa fille Edmée (née en 1886 et filleule de Goncourt) étant morte trois ans plus tôt, la bibliothèque de Julia fut sans doute partagée entre ses deux fils, également écrivains : Léon (1867-1942, marié en premières noces à Jeanne, la petite-fille de Hugo) et Lucien (1878-1946, homosexuel ayant eu une liaison platonique avec Proust). Lucien semble avoir offert à ses ami(e)s plusieurs volumes provenant de sa mère[2]. Dans le cas présent, il écrivit cet ex-dono : « à toi, mon cher petit / qu’elle aimait tant ! / Sept. 1940 / Lucien Daudet ».

L’œuvre : fille de commerçants aisés, Julie Allard épousa Alphonse Daudet, jeune auteur encore inconnu, en 1867. Elle devint vite plus qu’une compagne : une collaboratrice à l’influence très importante sur l’écriture des principaux romans de Daudet. Edmond de Goncourt connaissait d’ailleurs parfaitement son rôle et l’admirait beaucoup. Elle-même s’était lancée dans la publication de ses œuvres, donnant notamment des Impressions de nature et d’art en 1879, puis deux romans, L’Enfance d’une Parisienne et Enfants et mères en 1892.

1894 : JOSÉ-MARIA DE HEREDIA à son gendre (inv. 2014)

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José-Maria de Heredia (1842-1905), La Nonne Alferez, Paris, Lemerre, 1894, édition originale. Envoi autographe : « A Pierre Louÿs, son confrère et son ami, José-Maria de Heredia » (en partie effacé).

La provenance : la première rencontre entre José-Maria de Heredia (1842-1905), l’un des papes du mouvement du Parnasse et futur académicien, et le jeune poète débutant Pierre Louÿs (1870-1925) eut lieu le 13 décembre 1890, à l’instigation de leur ami commun Henri de Régnier. Les deux jeunes auteurs étaient amoureux de la fille de leur hôte, Marie de Heredia, qui se maria avec Régnier en 1895, pour vite devenir la maîtresse de Louÿs. Ce dernier épousa de son côté Louise de Heredia, sœur de Marie, en 1899. Heredia partageait de nombreuses passions avec son gendre : la poésie (Ronsard, Chénier et Hugo), la bibliophilie et l’archéologie. Louÿs devait écrire à son aîné : « Vous avez été mon maître en bibiophilie comme en littérature ». Mort en 1905, Heredia ne vit pas les relations du couple se dégrader jusqu’à la séparation. Ayant rompu les ponts avec les deux sœurs, Louÿs les mit en scène, avec leur mère et la troisième fille Heredia, dans un roman franchement pornographique devenu un classique du genre : Trois filles de leur mère (1928). Inutile de dire que l’érotomane raffiné n’était plus en odeur de sainteté dans la famille !

Ce climat familial particulier pourrait expliquer qu’on ait tenté d’effacer cet envoi chaleureux[3]. En dépit des relations très amicales entre Heredia et son beau-fils, les envois du premier au second semblent très rares. Ainsi, le Dr Robert Fleury, bibliophile spécialiste de Heredia et de ses proches, ne possédait pas d’Heredia avec envoi à Louys (il avait en revanche le Byblis changé en fontaine [1898] offert « A José-Maria de Heredia, son respectueux élève et ami, Pierre Louÿs »[4]). Curieusement, les catalogues des ventes Louÿs de 1927 et 1930 ne présentèrent aucune des œuvres dédicacées d’Heredia (peut-être avaient-ils récupérés par la famille ?). Néanmoins, en plus du présent volume qui semblait inconnu des chercheurs, on peut repérer pas moins de trois exemplaires de l’œuvre majeure d’Heredia, Les Trophées, offerts à son gendre :

1/ un des 70 hollande avec EAS (« à Pierre Louys, son confrère, son admirateur et son ami, JM de Heredia ») et sonnet autographe, relié en maroquin orange richement orné par Loiselier (Libr. Lardanchet, 1969, cat. 62, n° 352 ; Henri Burton ; Sotheby’s, vente « Fine Books », New York, 11 juin 2013, n°34, 6’250 $) ;

2/ ex. du tirage courant avec EAS (« Au poète Pierre Louys, son confrère et ami, JM de Heredia »), enrichi du poème autographe « Hercule pontique », demi-maroquin rouge à coins de Loisellier (Libr. Berès, 1939, cat. 21, n°101) ;

3/ ex. du tirage courant, sans envoi, mais avec un poème auto. sur la garde (« Malaguena »), en demi-maroquin citron de Loisellier.

L’œuvre : bien que le nom d’Heredia soit avant tout lié à son recueil poétique des Trophées (façonné pendant des années, il lui ouvrit les portes de l’Académie), ses deux premiers volumes publiés furent écrits en prose. En 1877-1878, ce natif de Cuba donna en effet une traduction de l’Histoire véridique de la conquête de la Nouvelle-Espagne de Diaz del Castillo, puis celle d’un autre grand classique de la littérature espagnole, La Nonne Alfarez, l’autobiographie de Catalina de Erauso (1585-1650), une moniale espagnole devenue conquistador et spadassin dans le Nouveau-Monde !

1895 : ALPHONSE DAUDET à sa belle-mère (inv. 1234)

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Alphonse Daudet (1840-1897), La Petite Paroisse, Paris, Lemerre, 1895, édition originale. Envoi autographe : « A notre chère mère Léonide Allard, tendrement, Alph. Daudet ».

La provenance : épouse de Jules Allard (1813-1889), Léonide Navoit (1822-1909) était la mère de Julia Allard, l’épouse et la collaboratrice d’Alphonse Daudet depuis 1867. L’auteur entrenait les meilleurs rapports possibles avec ses beaux-parents, chez qui il séjourna chaque année à Champrosay, à la belle saison, depuis les débuts de son mariage et jusqu’à l’achat de sa propre maison en 1877. Daudet leur dédia, souvent avec sa femme, l’ensemble de ses ouvrages au fur et à mesure de leur publication, la plupart étant revêtus de la même reliure en demi-maroquin rouge orné[5]. A noter l’écriture tremblante de Daudet, typiquement des dernières années de sa vie, alors que la maladie qui devait l’emporter (atteinte nerveuse consécutive à la syphillis) lui causait d’immenses douleurs…

L’œuvre : pour ce roman paru moins de deux ans avant sa mort, Daudet s’inspira de la chapelle Sainte-Hélène, voisine de sa maison de Champrosay où il recevait ses amis peintres et écrivains (notamment Goncourt, qui y décéda en 1896). C’est cette maison qui sert de lieu central dans ce roman que Daudet souhaitait « pas trop cruel. J’ai eu la dernière fois le sentiment que j’étais allé trop loin [dans L’Immortel]. Pauvres humains ! il ne faut pas tout leur dire, leur donner mon expérience, ma fin de vie douloureuse et savante. Traiter l’humanité en malade, dosages, ménagements ; faisons aimer le médecin au lieu de jouer au brutal et dur charcuteur. Et ce prochain livre qui serait tendre et bon, indulgent, j’aurais un grand mérite à l’écrire, car je souffre beaucoup. Fierté de ne pas imposer aux autres la mauvaise humeur et les injustices sombres de ma souffrance ».

1896 : PIERRE LOUYS à son frère (inv. 2015)

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Pierre Louÿs (1870-1925), lettre autographe signée à son frère Georges Louis, [Paris], s.d. [22 avril 1896]. Concernant les suites de la publication de son premier roman à succès, Aphrodite, paru le mois précédent.

Fera l’objet d’un article particulier sur Louÿs. Mais on peut déjà retenir que, là encore, ce n’est pas triste : il semble à peu près certain que Georges Louis, demi-frère de Pierre Louis (dit Louÿs), était en fait son père ! Le futur ambassadeur, alors jeune homme, avait le même âge que la seconde épouse de son propre père et il semble que la marâtre et son beau-fils se soient trouvés à leur goût… Quelle famille !

1897 : HENRI DE REGNIER à son beau-frère (inv. 2029)

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Henri de Régnier (1864-1936), lettre autographe signée à son futur beau-frère Pierre Louÿs, [Paris], « Mercredi » [5 mai 1897]. Enveloppe conservée, cachets postaux.

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Le texte : « Mercredi. Mon cher ami, M. et Mme de Heredia viennent dîner demain jeudi à 8 heures, voulez-vous vous joindre à eux. Vous nous ferez à tous grand plaisir. Votre : Henri de Régnier. Si vous venez, ne répondez pas ».

Le contexte : le billet n’est pas long, mais il évoque une drôle d’histoire de famille ! C’est le 13 décembre 1890 que le jeune poète (et érotomane pratiquant) Pierre Louÿs (1870-1925) fait son entrée dans le salon du célèbre José-Maria de Heredia, conservateur de l’Arsenal et futur académicien, auprès duquel il est introduit par un récent ami commun, Henri de Régnier. Le poète d’origine cubaine, l’un des piliers du mouvement du Parnasse, a trois filles fort jolies et d’un tempérament chaleureux. Au printemps 1895, alors que Heredia vient d’être reçu à l’Académie, les deux jeunes auteurs, tous deux amoureux de Marie de Heredia, passent un pacte secret pour ne pas demander la main de la jeune fille sans se consulter. Mais Régnier rompt cet accord quelques semaines plus tard et se déclare. Poussée par sa famille (Régnier est riche et Heredia ruiné par des dettes de jeu), Marie accepte ce mariage, mais préfère en réalité Louÿs : dès septembre 1895, elle s’offre à lui, mais se voit repoussée dans un premier temps. C’est le 17 octobre 1897 qui débute finalement la liaison tumultueuse entre Louÿs et Marie de Heredia. Le 8 septembre 1898, Marie met au monde un petit garçon, Pierre (surnommé Tigre), qui est en fait le fils de Louÿs. Et en 1899, Louÿs épouse Louise de Heredia, la fille cadette de l’académicien, tout en continuant sa liaison avec son aînée jusqu’en 1902… Vous avez tout compris ? 🙂

1899 : ANDRÉ GIDE à sa cousine (inv. 585)

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André Gide (1869-1951), Le Prométhée mal enchaîné, Paris, Mercure de France, 1899, édition originale. Envoi autographe : « à ma chère cousine la Comtesse de Flaux, en respectueux hommage, André Gide ».

La provenance : la parentèle de Gide était nombreuse et souvent titrée ! Parmi les nombreuses cousines figurait Clémence Pascal, comtesse de Flaux depuis son mariage en 1844. Cette provenance particulière est piquante, quand on sait que la destinataire, cousine et amie de Paul et Charles Gide (père et oncle de l’auteur), procura au romancier l’un de ses premiers souvenirs marquants d’enfance, évoqué dès la deuxième page de Si le grain ne meurt en 1924 : « Ma cousine était très belle et le savait. Ses cheveux très noirs, qu’elle portait en bandeaux, faisaient valoir un profil de camée et une peau éblouissante. De l’éclat de cette peau je me souviens très bien ; je m’en souviens d’autant mieux que, ce jour où je lui fus présenté, elle portait une robe largement échancrée. « Va vite embrasser ta cousine », me dit ma mère lorsque j’entrai dans le salon… Je m’avançai. La cousine de Flaux m’attira contre elle en se baissant, ce qui découvrit son épaule. Devant l’éclat de cette chair, je ne sais quel vertige me prit : au lieu de poser mes lèvres sur la joue qu’elle me tendait, fasciné par l’épaule éblouissante, j’y allai d’un grand coup de dents. La cousine fit un cri de douleur ; j’en fis un d’horreur ; puis je crachai, plein de dégoût. On m’emmena bien vite, et je crois qu’on était si stupéfait qu’on oublia de me punir ». Gide avait alors quatre ou cinq ans (en 1875 environ). Il passa ensuite de nombreux étés dans le château de Flaux, non loin d’Uzès, d’où venait la famille Gide.

L’œuvre : mal enchaîné, en effet, ce Prométhée, puisque le voici à Paris, en 1899, débarquant du Caucase ! Cet amoureux des hommes n’a plus besoin de chaînes : il est devenu amoureux de son oiseau ; il le nourrit, dans l’espoir que ce vautour déplumé qui ressemble à une conscience deviendra le bel aigle du Progrès, de l’Idéal, de l’Essor… À ce régime, Prométhée dépérit. Mais le décès de son ami Damoclès, mort d’avoir trop cru à ces espoirs, le fait changer d’opinion et c’est finalement d’un aigle bien gras dont se régaleront les amis du disparu, à la fin des funérailles !

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1900 : HENRI DE REGNIER à son autre beau-frère (inv. 1612)

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Henri de Régnier (1864-1936), lettre autographe signée à son beau-frère Maurice Maindron, [Vendée], « Mardi » [août 1900].

Le texte : « Mardi. Mon cher Beau-Frère, C’est loin de Paris, au fond de la Vendée, où j’étais allé à l’enterrement d’une petite cousine, que j’ai appris par le journal la bonne nouvelle de votre décoration. J’en ai été tout à fait heureux. Elle vous était due si l’on doit, en France, quoique ce soit à qui sait écrire fortement et savoureusement. Je lis Blancador. Je vous dirais le plaisir qu j’y prends si je n’avais à l’épaule un cruel rhumatisme qui me fait tomber la plume des mains. Toutes mes amitiés à Hélène. Cette femme de Légionnaire est une personne que j’aime beaucoup. Avec encore mes compliments, croyez-moi sincérement et cordialement à vous, Henri de Régnier ».

La provenance : aussi discret qu’érudit, Maurice Maindron (1857-1911) est le moins connu des trois gendres Heredia. Ecrivain et entomologiste, il se fit connaître dans le monde savant par de nombreuses expéditions à travers le monde entre 1876 et 1904, voyages dont il ramena d’importantes collections d’insectes et autres animaux pour le Muséum d’histoire naturelle. Outre ses œuvres savantes et de nombreux ouvrages de vulgarisation, ce savant s’essaya aussi avec succès à la littérature. Il rencontra ainsi José-Maria de Heredia, dont il épousa la fille Hélène en 1899, devenant ainsi le beau-frère de Pierre Louÿs et de Henri de Régnier. En août 1900, il fut décoré de la Légion d’honneur, ce dont le félicite ici Régnier, qui fait également allusion à sa lecture du roman Blancador l’avantageux (sur manuscrit, puisque le livre ne sortit qu’en 1901).

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1903 : ANATOLE FRANCE à sa fille (inv. 1625)

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Anatole France (1844-1924), Histoire comique, Paris, Calmann-Lévy, 1903, édition originale.Envoi autographe : « à ma fille, Madame Mollin, A.F. ».

Sur la provenance : triste histoire de celle d’Anatole France et de sa fille Suzanne… Née du mariage d’Anatole France avec Valérie Guérin de Sauville, Suzanne France (1881-1918) vécut une enfance ballotée par les mauvaises relations régnant entre ses parents, puis par leur divorce en 1893. Aimant beaucoup son père, elle fut souvent confiée aux « amies » de celui-ci, que ce soit Jeanne Arman de Caillavet (la maîtresse de son père, qui l’emmena en voyage en Italie en 1900) ou la romancière Gyp (marquise Riquetti de Mirabeau à l’état-civil, chez laquelle elle passa des vacances). Le 10 décembre 1901, Suzanne France épousa le capitaine Henri Mollin, officier d’Etat-major et officier d’ordonnance du général André (ministre de la Guerre). France avait été peu consulté pour ce mariage (voir la façon plutôt sèche dont il en parle dans la lettre publiée ci-dessous[6]), mais accueillit tout de même la noce dans sa demeure « Villa-Saïd ». Le gendre était d’ailleurs de tendance dreyfusarde et franc-maçon, ce qui n’était pas pour déplaire à Anatole France. Malheureusement, l’effet de l’uniforme étant vite passé, la jeune femme constata vite qu’elle n’avait guère de points communs avec son époux et le milieu militaire en général. Prenant prétexte de l’implication de son mari dans le « scandale des fiches » (qui éclaboussa le ministère de la Guerre et provoqua le renvoi d’officiers franc-maçons, dont son mari), elle demanda vite le divorce. Il fut bien prononcé le 24 mai 1905, mais aux torts de la jeune femme, car Suzanne France avait entrepris une liaison, trop visible, avec un jeune lycéen surdoué, Michel Psichari, petit-fils de Renan, de cinq ans son cadet. Leur amour fit scandale, on la menaça de poursuites pour détournement de mineur. Finalement tombée enceinte, elle put épouser Psichari le 28 avril 1908, mais sans la bénédiction d’Anatole France, qui n’assista pas à la cérémonie, refusa de voir son petit-fils Lucien et rompit toute relation avec sa fille. Elle tiendra également un rôle important dans l’amertume qu’Anatole France concevra des femmes. La fin de l’histoire est encore plus triste. Michel Psichari fut tué au front en avril 1917 ; sa veuve, qui vivait séparée depuis quelques mois, contracta la grippe espagnole et en mourut le 28 octobre 1918. Prévenu trop tard, Anatole France ne put la revoir et se réconcilier avec elle : « Je n’ai pu lui donner le dernier baiser, mais je l’ai du moins accompagnée au cimetière », écrivit-il. Il recueillit le jeune orphelin et l’éleva avec tendresse.

Sur l’œuvre : paru en 1903, ce roman, en dépit de son titre, n’a rien de comique : il raconte l’histoire d’un amour contrarié et dramatique dans la bonne société de la Belle Epoque et dans les élans du romantisme un peu bourgeois. Cette œuvre peu connue d’Anatole France fut écrite comme un divertissement alors que l’auteur travaillait à son livre sur Jeanne d’Arc. Rédigé dans cette langue pure qui faisait l’admiration de Barrès, cet ouvrage est pourtant plus profond qu’il n’y parait et présente un portrait intéressant et vrai de la société de son époque. Je possède également l’exemplaire offert, avec envoi, au futur président Raymond Poincaré, qui, au début de sa carrière, avait été l’avocat d’Anatole France (inv. 1849).

1915 : HENRI BARBUSSE à sa marraine de guerre (inv. 1977)

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Henri Barbusse (1873-1935), lettre autographe signée à sa marraine de guerre Jeanne Charrot, [au front], 25 janvier 1915.

Le contexte : connu du grand public depuis le succès de son roman L’Enfer (1908), l’écrivain Henri Barbusse (1873-1935) , en dépit de son âge, de problèmes pulmonaires et de ses positions pacifistes, se porta engagé volontaire et fut versé en décembre 1914 au 6e bataillon du 231e régiment d’infanterie, en qualité de brancardier. Poilu parmi les poilus, il subit alors leur sort, les observe et en tire la matière d’un roman de guerre, Le Feu – Journal d’une escouade, qui remporte le prix Goncourt en 1916, devenant le roman français de référence sur la première Guerre mondiale, aux côtés des Croix de bois de Dorgelès.

Le texte : « 25 janv. 1915. Chère amie, je finis demain mardi mes 4 jours de tranchée. 4 jours de repos au cantonnement vont suivre, où l’on va dormir et se restaurer. J’ai l’intention pendant ces périodes de calme, de reprendre mon roman. Je travaillerai dans quelques coins de cuisine, une heure ou deux par jour. Je vous serais très obligé si vous vouliez bien m’expédier chaque semaine un flacon de 60 francs d’extrais fluide américain de coca … pris à petites doses, cela remplace le café ou le thé … même mieux, ça nourrit et fortifie en même temps . Merci ma chère petite, et bien affectueusement à vous, Henri Barbusse. J’écris dans l’ombre … ».

La provenance : durant ses mois au front, Barbusse entretint une correspondance suivie avec une marraine de guerre parisienne, Jeanne Charrot, son amie depuis au moins 1910. Journaliste, elle devait être une proche des milieux dadaïstes après-guerre. Ces lettres lui décrivent les conditions matérielles de la vie du soldat Barbusse (tabac, vêtements, etc.), mais évoque aussi un roman en gestation : le futur Le Feu. La correspondance a été entièrement morcelée dans diverses ventes en 2012-2013. Une partie (41 pièces) est conservée à l’Arsenal (cote Ms. 14702). J’ ai pour ma part pu garder cohérent un lot de douze lettres datant de 1915, qui étaient proposées à la pièce…

1927 : ANNA DE NOAILLES à son cousin (inv. 684)

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Anna de Noailles (1876-1933), L’Honneur de souffrir, Paris, Grasset, 1927, édition originale, exemplaire réimposé in-4° sur Japon. Envoi autographe : « A mon cher cousin Basile Zotiades, qui ressuscite le passé par les lignes créatrices – ces chants pour les ombres. Avec toute mon amitié. Anna de Noailles ».

La provenance : plus connue sous son nom d’épouse Anna de Noailles (elle s’était mariée au comte Matthieu de Noailles), Anna-Elisabeth Brancovan (1876-1933) était issue de la famille des princes de Valachie et Bassarabie et dotée d’une nombreuse parentèle.

L’œuvre : Anna de Noailles connut la célébrité littéraire avec la parution de son premier recueil poétique, « Le Cœur innombrable », en 1901. Suivirent de nombreux autres recueils ou récits, souvent autobiographiques, qui chantaient souvent les bords du Léman, où la poétesse avait passé toute son enfance et qu’elle fréquentait encore, possédant la magnifique villa Bassaraba, à Evian, achetée par ses parents en 1875. Auteur à succès et reine du Tout-Paris, elle fut frappée encore jeune par la maladie qui firent des années d’après-guerre, jusqu’à sa mort, une longue période de souffrance : elle ne pouvait presque plus quitter le lit. A ce titre, le recueil L’Honneur de souffrir, un de ses derniers écrits, publié en 1927, est particulièrement poignant, livrant en vers le récit de son combat contre la douleur.

NOTES :

[1] Dans un autre envoi entrevu (sur un exemplaire d’une réédition du roman Titi Foissac IV), Cladel parlait de sa femme comme de « ma grisonne toujours jeune et gentille » et signait « son vieux compagnon de chaîne » !

[2] Vu en vente en 2010 : un exemplaire de l’édition originale du recueil poétique Les Archipels Lumineux (Paris, Lemerre, 1913) portant cet ex-dono de Lucien Daudet, daté de septembre 1940 : « Ma chère amie, voici un des volumes de vers de ma mère bien aimée. Elle avait un très grand talent et ce nest pas un des moindres aspects de mon désespoir que l’impossibilité de rééditer tout cela en ce moment ».

[3] A noter que, de la même façon, dans un des catalogues de vente Louÿs, une plaquette de Francis Jammes (Quatorze prières, 1898, cat. 1930, n° 551) comportait un envoi à Pierre Louÿs « dont le nom a été effacé ».

[4] Catalogue Bibliothèque du docteur Robert Fleury, vente Paris, 1997, n° 395.

[5] Vu en vente en 2011 : ‎Robert Helmont (1874, édition originale, avec envoi : « à Léonide et Jules Allard / tendrement et respectueusement offert par Julie et Alph. Daudet »).

[6] Autour du premier mariage de Suzanne France : lettre autographe d’Anatole France à son ami Fernand Calmettes (1846-1914, chartiste et éditeur) (inv. 1603) : « Mon cher Fernand, indique moi donc un jour où tu seras chez toi, dans l’après-midi. Je voudrais te parler du mariage de ma fille. Je ne t’ai pas annoncé plus tôt ce mariage, auquel je n’ai guère été mêlé, hors pour ce qui est du contrat. Je n’ai pas été des premiers à en savoir la date et je n’assisterai pas à la cérémonie. Mais je recevrai le 10, comme une carte jointe à la lettre de faire part te l’apprendra, après la cérémonie civile, à 4 h. Les difficultés qui sont survenues ne me donnent nullement de ce mariage une idée défavorable. J’ai au contraire sur mon gendre les meilleurs renseignements. C’est pour lui témoigner ainsi qu’à Suzanne des sentiments affectueux que je reçois chez moi. Et je compte bien que Julie viendra avec toi et tes chers enfants. A bientôt, ton vieil ami, Anatole France ».

MELANGES D’UNE PETITE BIBLIOTHEQUE (11/1) : FAMILLES, JE VOUS HAI…ME ! (1/2)

MÉLANGES TIRÉS D’UNE PETITE BIBLIOTHÈQUE (11/1) :

FAMILLES, JE VOUS HAI…ME !

Un récent et très joli catalogue de la librairie Walden s’est trouvé tout entier dédié aux Histoires de familles, un thème qui m’a toujours paru fort intéressant et dont ma bibliothèque, au fil des années, a fini par rassembler quelques spécimens parfois fort émouvants. Cela m’a soudain donné envie de rassembler ce corpus de manière cohérente. De 1837 à 1927, je vous propose d’en découvrir, en deux articles, une vingtaine d’exemples choisis, soit ouvrages dédicacés, soit lettres autographes.

Musset, Vigny, Lamartine, Goncourt, Banville, Daudet, Loti, … : avant d’être les géants littéraires que tout le monde connaît, ils ont été des fils, des fiancés et maris, des pères, des frères, neveux, oncles ou cousins.  Voici quelques manifestations de leur vie familiale, entrevues par des courriers ou des envois autographes sur des livres offerts à leurs proches. Certains de ses documents témoignent d’un amour partagé, d’autres de relations plus compliquées, voire de séparations et de vraies douleurs, mais tous ont derrière l’encre et le papier une vraie histoire, souvent poignante.

1837 : ALFRED DE MUSSET à sa maîtresse (inv. 550)

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Alfred de Musset (1810-1857), lettre autographe signée à Caroline Jaubert, [Paris], « Mardi » [2 mai 1837]. Cachets postaux.

Cette très jolie lettre autographe de Musset à son ex-maîtresse Caroline Jaubert, « la Conseillère » comme il la surnommait, se rapporte à l’écriture de la nouvelle Emmeline, dont l’histoire est justement inspirée par leur relation amoureuse, deux ans plus tôt. Fera l’objet d’un article à venir.

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1842 : ALPHONSE DE LAMARTINE à sa nièce et épouse (inv. 520)

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Alphonse de Lamartine, Voyage en Orient – 1832-1833, Paris, Gosselin, 1841, 2 vol., première édition in-12. Envois autographes : «  A Valentine // al. de Lamart[ine] » (tome I) et « A Valentine de Cessia[t] // St Point 24 Juin 1842 // al. de Lamartine » (tome II).

La provenance : Valentine de Cessiat (1821-1894) était la fille de Cécile de Lamartine, la sœur du poète. Avec les deux plus jeunes de ses six sœurs, Valentine fut périodiquement « prêtée » par sa mère au poète et à sa femme, Marianne Birch, à partir de 1833 : il s’agissait d’essayer de leur faire oublier la mort au Proche-Orient, de leur petite fille Julia, dont les époux se remettaient très difficilement, sombrant dans la tristesse. Les petites Cessiat séjournèrent dès lors très souvent dans les propriétés de leur oncle, en Bourgogne ou à Paris. Valentine devient vite la nièce préférée de Lamartine qui dit d’elle, parlant de sa joie de vivre, de sa beauté et de sa vivacité : « Elle désassombrit tout », écrivait Lamartine. A partir de 1841, pendant une maladie de sa mère, elle la remplace à la plume pour la correspondance entretenue avec le poète et devient ainsi sa correspondante attitrée. Elle le sera pendant treize ans jusqu’à ce qu’elle s’installe définitivement chez les Lamartine en 1854. Vivant dans le culte de son oncle et de son génie (elle semble être tombée amoureuse de lui dès son adolescence), elle va devenir son assistante, sa secrétaire (elle arrive à imiter son écriture à la perfection), mais surtout et avant tout une des raisons de vivre et d’écrire du poète, très proche de sa muse (jusqu’à quel point alors ?). Dans sa biographie de Lamartine, Xavier de La Fournière écrit : « Non, il n’est pas téméraire de penser qu’avec celle qu’il appelait son ange, Alphonse, tout au soir de sa vie, trouva enfin ce qui, pour lui, représentait l’amour total et dont, durant le reste de son existence, il n’avait eu que des éléments. Elément gracieux, encore enfantin, avec les Caroline, les Henriette et même les Antoniella, sensuel avec Nina, avec Léna surtout, intellectuel ou plutôt cérébral avec Delphine de Girardin, Eléanore de Canonge et tant d’autres, familial avec Marianne Birch, sublime avec Julie. Avec Valentine, il les avait toutes en une seule personne. Elle n’était pas seulement sa nièce de prédilection. Elle était, tout ensemble, sa sœur, sa fille, sa mère, son amie, son amante, son épouse, son égérie, son double »[1].

Valentine refusa de nombreuses propositions de mariage pour rester aux côtés de son oncle. Cinq ans après la mort de Marianne Birch, qu’elle avait soignée, la pieuse Valentine, chanoinesse de Saint-Anne-de-Bavière, devenait, avec dispense papale et par décret impérial du 31 août 1868, Madame de Lamartine. Le 28 février suivant, Lamartine s’éteignait en réalisant son vœu : il put se soulever, mettre sa tête sur les genoux de sa femme et ainsi « mourir sur le cœur de la bien-aimée ». Valentine de Lamartine devait passer le quart de siècle suivant à entretenir la mémoire du poète. Elle édita par exemple ses Poésies inédites en 1873. Des poètes la consultait de temps à autre comme la gardienne de la poésie lamartinienne et romantique. Ses contemporains gardaient le contact avec elle, comme Victor Hugo. On lui envoyait des volumes à envoi. Mais l’oubli la gagna peu à peu.

Le château de Saint-Point (d’où est daté l’un des envois) était la résidence principale de Lamartine en Bourgogne (ce château du XVe siècle lui fut offert par son père en cadeau de mariage et il le fit transformer en castel néo-gothique !). C’est là que Valentine passa le reste de sa vie après la mort de Lamartine, c’est là qu’elle avait ses livres. Le poète lui en avait offert beaucoup, dont un exemplaire de L’Imitation de Jésus-Christ. Les descendants des Lamartine, les marquis de Noblet, ont vendu Saint-Point au début de 2004 : la bibliothèque de Valentine, qui était encore en partie dans le château, a été dispersée aux enchères à Drouot le 20 avril 2005[2]. Plusieurs œuvres de Lamartine figuraient parmi les livres, mais seulement deux avec envoi : une EO du Pèlerinage d’Harold offerte au père de Valentine, Joseph-César de Cessiat, et un exemplaire relié en veau rose signé des premières Œuvres complètes (1826) offert à Valentine (« A Valentine de Cessiat // donné deux fois // Al. de Lamartine 6 aoust 1836 », et non 1826 comme dit au catalogue).

Les présents volumes semblent avoir quitté la bibliothèque de Saint-Point à une date antérieure, sans que rien ne puisse indiquer leur cheminement (ils auraient été achetés dans un dépôt-vente !). Ils furent offerts à Valentine le 24 juin 1842, un vendredi, alors qu’elle séjournait avec une de ses sœurs. Ce séjour est prouvé par la correspondance de Lamartine[3] qui, dans une lettre du 8 juin, datée de Saint-Point, écrit à un ami suisse : « Les charmantes nièces sont ici (…) ». Dans une lettre du 11 au marquis de Lagrange, il indique à son correspondant que « [sa] femme et Valentine lui disent les choses les plus aimantes ». Ils devaient tous partir vers la mi-juillet pour Marseille, mais la mort accidentelle du fils aîné de Louis-Philippe obligea Lamartine à rentrer à Paris. Il n’y a pas d’autres lettres connues à Valentine d’ici la fin 1842.

A noter enfin que Valentine de Cessiat semble avoir eu un attrait considérable pour ce Voyage en Orient, car la vente du 20 avril 2005, a présenté un autre exemplaire de la même œuvre, dans l’édition de Gosselin, 1835 (quatre vol. in-18). Valentine avait apposé sa signature sur chacun des volumes.

L’œuvre : le récit d’un voyage au Proche-Orient (Adriatique, Grèce, Rhodes, Libam Syrie, Palestine) qui, du rêve initial (Lamartine désirait beaucoup se confronter à l’exotisme encore mystérieux de ces terres), tourna au drame, avec la mort de la fille de l’auteur, la petite Julia, en décembre 1832. Ce livre, qui contient des pages extraordinaires sur l’Orient vu par un romantique (beaucoup en ont parlé sans y être allés, comme Hugo), parut chez Gosselin, en 1835 (quatre volumes in-4°, ornés de cartes).

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1842 : ALFRED DE VIGNY à son cousin (inv. 670)

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Alfred de Vigny (1797-1863), Théâtre complet, Paris, Charpentier, 1841, première édition collective et première in-12. Envoi autographe : « [A] Mr. G. de Nogerie, son ami et son parent, Alfred de Vigny / juin 1842».

La provenance : alors, celui-là, il m’aura donné du mal ! L’écriture de Vigny étant difficilement lisible, il m’aura déjà fallu du temps pour décrypter le patronyme du destinataire de cet envoi. Il s’agit en fait d’un petit-cousin de l’auteur, dont la grand-mère maternelle, épouse du marquis Didier de Baraudin (chef d’escadre dans la flotte royale), se nommait Jeanne Pernelle de Nogerie (1731-1797). Mais la piste s’arrête là… La famille de Nogerie semble d’une discrétion maladive et n’apparaît dans aucun nobiliaire ou armorial en ma possession… Du coup, s’agit-il d’un Guillaume, d’un Gérard ou d’un Gaston de Nogerie ? Aucune idée pour le moment : toute suggestion est la bienvenue sur ce parent mystère du grand Vigny !

L’œuvre : ce volume de la collection Charpentier contient, pour la première fois, l’intégralité des pièces de Vigny alors publiées, à savoir : Le More de Venise, Le Marchand de Venise, La Maréchale d’Ancre, Quitte pour la Peur et Chatterton.

1852 : EDMOND ET JULES DE GONCOURT à leur cousin (inv. 648)

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Edmond et Jules de Goncourt (1822-1896 et 1830-1870), Salon de 1852, Paris, Michel Lévy frères, 1852, édition originale. Envoi autographe : « à notre cher cousin Alphonse de Courmont, E. et J. de Goncourt ».

La provenance : fils cadet de Jules Le Bas de Courmont (conseiller à la Cour des Comptes et châtelain de Croissy-Beaubourg) et de Nepthalie Lefebvre de Behaine (le modèle des Goncourt pour l’héroïne éponyme de leur Madame Gervaisais [1869]), Alphonse Le Bas de Courmont (1834-1880), qui devint également membre de la Cour des Comptes, fut sans doute, au départ, le cousin préféré des Goncourt, cité dans le Journal dès 1853. Ils partageaient d’ailleurs certains goûts, notamment des passions de collectionneurs : ils le décrivent ainsi, en octobre 1856, comme ayant « toute sa tête et tout son cœur est dans le rococo. Il m’a dit : « Je vais te dire une chose que je ne dis qu’à toi. Je me marierai et comme les femmes meurent plus tôt (…), j’hériterai de toutes les curiosités que je lui ai données » ». Ils dînaient et sortaient parfois ensemble (soirée du 30 janvier 1858). Mais, au fil du temps, les remarques se firent plus dures : « Alphonse a réglé et ordonnancé comme un budget de peuple toute sa vie. L’enterrement de son père est aligné et il a en tête la robe de chambre avec laquelle il entrera chez sa femme, à la nuit de noces. Il n’aime point son plaisir et il hait celui des autres. Le prochain n’existe pas pour lui. Son château n’a pas de billard, parce qu’il n’y joue pas ; il n’aurait pas de lieux, s’il ne digérait pas. Ce graçon de vingt-cinq ans a dans le cœur les soixante-dix ans de son père » (Croissy, juillet 1858). Fin 1858, les Goncourt se plaignirent du désintérêt de leur cousin pour leur prochain livre, Les Hommes de lettres. Les deux frères décrivirent ensuite ses tentatives de mariage, finalement couronnées de succès en 1865. Le cousin était dépeint comme un pur cynique, ayant déjà mangé en partie sa fortune et cherchant un beau parti comme on arrange une spéculation en bourse : « on a beau savoir la vie, on a froid dans le dos » (24 janvier 1859). Enfin, le 9 août 1860, la brouille était achevée : « il y a des gens comme notre cousin, dont toutes les idées sont bêtes, arriérées, des idées de vieillard, de bourgeois absurde, maniaque, des rengaines, des préjugés, des naïvetés… ». Fermez le ban !

L’œuvre : deuxième ouvrage des frères Goncourt à connaître l’impression, ce compte-rendu esthétique du Salon de peinture de 1852 (un exercice assez courant alors pour les jeunes auteurs) connut un tirage confidentiel, puisqu’il ne fut tiré qu’à 210 exemplaires, dont dix papiers forts (selon Clouzot). Un certain nombre d’exemplaires fut utilisé par les débutants pour des cadeaux à de proches parents, comme dans le cas présent.

1864 : ALEXANDRE DUMAS à son fils (inv. 1499)

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Alexandre Dumas père (1802-1870), billet autographe signé à Alexandre Dumas fils, s.l.n.d. [Naples, 1864 ?].

La provenance : né des relations du jeune Alexandre Dumas avec une voisine de palier, Alexandre Dumas fils (1824-1895) fut déclaré de père et mère inconnus, puis placé en pension. Son père ne le reconnut qu’en 1831 : le petit garçon avait alors sept ans. Toute sa vie, il devait conserver à l’égard de ce père flamboyant et génial un ressentiment profond, même s’il n’y eut jamais de rupture totale. L’œuvre de Dumas fils fut imprégnée par les questions liées à la famille éclatée, à l’abandon, aux enfants naturels, etc.

Le texte : « Ce n’est pas moi qui ai traité pour Olympe de Clèves, c’est toi. Douze des cent mille francs de prime. Si tu n’as pas touché les 500 f. des Mohicans, donne moi un bon pour les toucher. à toi, A. Dumas ».

Le contexte : Dumas avait passé en décembre 1859 un traité avec Raphaël Félix (frère de la tragédienne Rachel) pour l’exploitation dramatique de ses romans. C’est dans un billet envoyé de Turin le 18 février 1863 que Dumas père proposait à son fils de faire une pièce ensemble à partir du roman Olympe de Clèves (paru en 1852). Dans une lettre envoyée de Naples vers le 15 mars 1863, Dumas père évoquait une cession de certaines de ses œuvres pour des adaptations, à l’exception des Mohicans de Paris (parus en 1854-1855) : « Je dois sur les Mohicans 2500 frs. à mad. Procher. Par conséquent, les Mohicans ne peuvent entrer dans la cession ». Le 20 mars, nouvelle question dans une fin de courrier : « Lis donc Olympe de Clèves et dis moi si tu n’y vois pas un drame ». Finalement créée en 1864, en même temps que Les Mohicans de Paris, la pièce Olympe de Clèves appartient donc au dernier théâtre de Dumas, préoccupé alors d’ultimes adaptations romanesques (Joseph Balsamo, achevé par son fils) ou shakespeariennes (Roméo et Juliette). On connaît plus de 200 lettres ou billets de Dumas père à son fils, sur près de quarante ans (1832-1870). Comme c’est le cas de ce billet, un nombre important de ces courriers  « témoignent des pratiques des écrivains quant à leur survie économique, jamais assurée, et illustrent ce qu’on pourrait nommer la gloire de Dumas »[1]

 1866 : THEOPHILE GAUTIER à son fils (inv. 490)

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Théophile Gautier (1811-1872), Spirite, Paris, Charpentier, 1866, édition originale. Envoi autographe : « A Théophile Gautier fils // Théophile Gautier père ».

La provenance : surnommé « Toto » par son père, Théophile Gautier fils (1836-1904), fils unique de l’écrivain, était un enfant naturel, né des amours de Gautier avec la belle Eugénie Fort (à qui l’écrivain refusa le mariage, le regrettant ensuite). Gautier reconnut l’enfant et fut toute sa vie très proche de lui : dans les années 1850, il l’amèna même dans ses voyages en Russie. Chef du cabinet de la presse au Ministère de l’Intérieur (1868), puis sous-préfet, enfin secrétaire du puissant ministre Eugène Rouher, Théophile fils fut lui aussi écrivain, remplaçant parfois son père pour l’écriture de ses feuilletons hebdomadaires. Germaniste accompli, il livra des traductions réputées, notamment du Wilhelm Meister de Goethe (1861), mais surtout des Aventures du Baron de Münchausen (1857), qui parut dans une édition demeurée célèbre, illustrée par Gustave Dorée. Ayant eu des enfants de son mariage avec Elise Portal, il fut inhumé aux côtés de son père, au cimetière de Montmartre.

L’œuvre : écrite six ans avant la mort de Gautier, Spirite est la dernière de ses treize œuvres fantastiques. Comme dans d’autres récits ou nouvelles antérieures (La Cafetière [1831], Omphale, histoire rococo [1834], La Morte amoureuse [1836] ou Arria Marcella [1852]), on retrouve le thème de l’amour d’outre-tombe (le présent roman étant très imprégné des théories métaphysiques de Swendenborg).

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Vers 1867 : ALPHONSE DAUDET à sa femme (inv. 1650)

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Alphonse Daudet (1840-1897), Le Roman du Chaperon rouge, Paris, Michel Lévy, 1862, édition originale. Exemplaire de Julia Daudet, épouse de l’auteur, dans une reliure peinte à son chiffre (Gayler-Hirou).

La provenance : fille de commerçants aisés, Julie Allard (1844-1940) épousa Alphonse Daudet, jeune auteur encore inconnu, en 1867. Elle devint vite plus qu’une compagne : une collaboratrice à l’influence très importante sur l’écriture des principaux romans de Daudet. Ce dernier l’avouait volontiers : « Pas une page qu’elle n’ait revue ou retouchée ». Edmond de Goncourt connaissait d’ailleurs parfaitement son rôle et l’admirait beaucoup pour cela, notant dans son Journal dès sa première rencontre avec les Daudet : « La femme écrit et je la soupçonne d’être l’artiste du ménage » (5 juin 1874). De fait, elle publia sous son propre nom des Impressions de nature et d’art en 1879, puis deux romans, L’Enfance d’une Parisienne et Enfants et mères en 1892. Après son mariage, Julia confia au relieur parisien Gayler-Hirou (spécialiste des décors encrés sur vélin, également employés par Barbey d’Aurevilly ou Banville pour des livres de leur bibliothèque) les ouvrages de son époux, les titres antérieurs à leur mariage étant sans envoi. Le présent volume (passé par la collection Etienne Cluzel) rentre ainsi dans une prestigieuse série dont le collectionneur Philippe Zoummeroff a sans doute réuni l’ensemble le plus impressionnant. Le catalogue de sa vente de 1999 présentait ainsi, de même provenance et dans le même type de reliure : Les Amoureuses et La Double Conversion (n° 375, textes précoces sans envoi), L’Evangéliste (n° 383, envoi), Les Rois en exil (n° 418, envoi), Rose et Ninette (n° 425, sans envoi), et Le Trésor d’Arlatan (n° 439, envoi)[4].

L’œuvre : troisième ouvrage publié par Alphonse Daudet, ce recueil de six saynètes comprenait : « Le Roman du Chaperon rouge », « Les Ames du Paradis », « L’Amour-Trompette », « Les huit Pendues de Barbe-Bleue », « Un concours pour Charenton » et « Les Rossignols du cimetière ». Histoire loufoque, l’œuvre-titre présente un petit Chaperon rouge assez déluré, ayant déjà lu sa propre histoire et n’en faisant qu’à sa tête, prodiguant des conseils décalés à un fou et à un écrivain perdus dans la fôret… Paru sans tirage de tête sur grand papier, ce volume a été vite considéré comme « rarissime, disent les catalogues, comme le « Roman du Chaperon rouge », que Daudet publiait chez Michel Lévy (1862) en le faisant imprimer chez Poupart Davyl » (Jules Claretie, Alphonse Daudet, 1883).

1874 : ALPHONSE DAUDET à ses oncle et tante par alliance (inv. 1652)

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Alphonse Daudet (1840-1897), Robert Helmont – Etudes et paysages, Paris, Dentu, 1874, édition originale. Envoi autographe : « offert à mes amis Paul et Cécile Navoit, leur Grand Neveu Alph. Daudet ».

La provenance : fils de Jacques Navoit (1793-1866, industriel enrichi ayant acheté le château de Vigneux, village dont il était aussi le maire), Paul Navoit était l’oncle maternel de Julia Allard, l’épouse d’Alphonse Daudet. Ce dernier a toujours entretenu d’excellentes relations avec tous les membres de sa belle-famille (dans les premiers temps de leur mariage, le jeune couple passa ses vancaces dans le château de Vigneux). Paul Navoit exerçait comme commissaire-priseur à Paris dans les années 1860 et semble être décédé dans les années 1870. Son épouse et lui reçurent plusieurs livres dédicacés par Alphonse Daudet et parfois Julia, comme le prouvent deux autres livres en ma possession, revêtus du même type de reliures en demi-chagrin bronze[6].

L’œuvre : inspiré à Daudet par sa propre expérience pendant la Commune, le court roman Robert Helmont met en scène le personnage éponyme durant les cinq mois de la guerre franco-prussienne. S’étant cassé la jambe au début du conflit, il reste bloqué dans un vieux domaine de la forêt de Sénart, non loin de Paris, où il va vivre divers aventures, sur fond d’occupation militaire et de guérilla. Diverses nouvelles, en bonne partie inédites, accompagnaient ce récit.

1876 : FRANCOIS COPPÉE à sa maîtresse (inv. 1880)

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François Coppée (1842-1908), Le Luthier de Crémone, manuscrit autographe signée, Milan, mars 1876. Envoi autographe : « A Eugénie Doche, ce manuscrit autographe est offert par son ami dévoué, François Coppée ».

La provenance : François Coppée avait rencontré la grande actrice Eugénie Doche (1823-1900), créatrice du rôle de la Dame aux Camélias (« quand une artiste a ce talent, elle devient une collaboratrice », avait affirmé Dumas fils) dès ses débuts littéraires et leur liaison avait beaucoup fait jaser, notamment en raison de leur différence d’âge (Goncourt parlant méchamment le 25 janvier 1876 de « l’accouplement d’un squelette avec un fœtus moisi »). Leur amour se changea en une amitié qui dura jusqu’à la mort d’Eugénie Doche. Coppée lui offrit toutes ses œuvres, dédicacées au fur et à mesure de sa carrière, ainsi que toute une série de manuscrits (pièces ou poèmes épars) qu’elle faisait relier de manière uniforme par Pierson, en vélin blanc avec titrage aux encres de couleur.

L’œuvre : issu d’un milieu modeste, François Coppée fut le poète populaire et sentimental de Paris et de ses faubourgs, des tableaux de rue intimistes, du monde des humbles : rencontrant un grand succès avec ses recueils et ses pièces, il devint archiviste de la Comédie-Française en 1878, puis fut élu à l’Académie française en 1884. Le Luthier de Crémone raconte l’amour malheureux d’un apprenti-luthier de génie, mais bossu, pour la fille de son patron. Bien qu’ayant gagné le concours qui devait le marier à la jeune fille, il décide, par esprit de sacrifice, de laisser la place à son rival. Ecrit à Milan en mars 1876, ce manuscrit est donc antérieur de deux mois à la première représentation de la pièce, donnée à la Comédie-Française le 23 mai 1876. Ayant reçu un accueil triomphal (selon un télégramme à Eugénie Doche : « Première hier. Hurlement. Très grand succès. Ecrirai détails. Amitiés »), la pièce fut imprimée peu après par Lemerre (tirage de tête : 12 Chine et 6 Whatman).

1876 : PIERRE LOTI à sa mère (inv. 1973)

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Pierre Loti (Julien Viaud, dit…) (1850-1923), lettre autographe signée à sa mère Nadine Texier-Viaud, Constantinople, 14 septembre [1876], 4 pp. enveloppe conservée.

La provenance : épouse de Théodore Viaud, Nadine Texier-Viaud († 1896) avait déjà des grands enfants de dix-neuf et quatorze ans, lorsque le petit Julien vint au monde en 1850. Elle éleva son fils au domicile familial, assurant son instruction jusqu’à ses douze ans (après quoi il entra au lycée de Rochefort) : les liens fils-mère étaient donc très étroits.

Le texte : « Constantinople 14 sep[tem]bre. Une paire de gants de Suède, s.v.p. à deux boutons, 6 3/4 de femme. Mère aimée, Voici l’adresse que vous devrez mettre sur ma caisse ; vous paierez le port seulement jusqu’à Marseille (à domicile). La compagnie Fraissinet se chargera du reste ; vous leur écrirez un mot en même temps en donnant votre adresse, pour qu’ils puissent vous accuser réception de la caisse. (…) ». Il demande l’envoi de quelques vêtements : cravates, chemises, galons, en fournissant des demandes précises (dimensions, matière). Il demande aussi à sa mère de trouver « sur mon bureau un certain petit cahier cartonné, vous me l’enverrez aussi avec les papiers qu’il contient ; vous le reconnaitrez en le lisant ; c’est une espèce de dictionnaire tahitien manuscrit ». Il explique avoir besoin d’argent, suite à la perte de son portefeuille durant une randonnée à cheval. « Nous allons partir bientôt sans doute pour remonter le Danube ; ce sera un voyage de 3 semaines ; ne vous inquiltez pas du retard que mes lettres pourraient avoir ». Il termine sur un post-scriptum expliquait devoir verser 4 francs pour des « produits photographiques consomnés à l’école [de gymnastique de Joinville] ».

Le contexte : le 1er août 1876, affecté sur le navire Le Gladiateur, l’enseigne de vaisseau Julien Viaud arrive à Constantinople. En novembre, il s’installe dans le quartier Eyoub, sous le nom de Arif-Effendi ; deux mois plus tard, il débute une liaison passionnée avec une odalisque nommée Hadidjé, future héroïne de son premier roman Aziyadé (1879) qui fera découvrir positivement la culture turque en France. Relevons que le cahier de tahitien renvoit au séjour de deux mois de Loti dans les îles du Pacifique en 1872, durant lequel il gagnera le surnom de « Loti » (laurier-rose) dont il fera son pseudonyme et qui donnera la matière des romans Rarahu (1880) et Le Mariage de Loti (1882).

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1878 : THEODORE DE BANVILLE à son cousin (inv. 1023)

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Théodore de Banville (1823-1891), Poésies complètes II, Paris, Charpentier, 1878. Envoi autographe : « A Léon de Banville / Avec ma plus chère affection / Son cousin / Théodore de Banville ».

La provenance : il faudrait en fait parler de petit-cousin, car ce Léon Faullain de Banville, fils d’Alfred de Banville (ingénieur civil), était le petit-fils d’un autre Léon, notaire de son état et oncle paternel du poète[7]. Il devait encore être enfant lorsqu’il reçut cet exemplaire. Il figurait dans le cortège lors de l’enterrement de l’auteur en 1891. Marié à Paris à une jeune Américaine (Miss Helene Nono) en janvier 1894, il mena une carrière d’industriel, comme administrateur et directeur de la « Société anonyme d’éclairage électrique départemental » à Moulins.

L’œuvre : surnommé « le poète du bonheur », Banville, auteur notamment des Odes funambulesques (1857), est l’un des poètes majeurs du XIXe siècle français. Ami de Hugo, Gautier et Baudelaire, découvreur de Rimbaud, il fut le trait d’union entre le Romantisme et le Parnasse, dont il fut l’un des principaux initiateurs. Cette « édition définitive » de ses poésies comprenait certains de ses plus célèbres recueils : Les Exilés, Odelettes, Améthystes, Rimes dorées, Rondels, Les Princesses et Trente-six ballades joyeuses.

A suivre, la semaine prochaine, dans la seconde partie de cet article : les relations familiales compliquées et souvent scabreuses d’Heredia, de ses filles et de ses gendres ; la parentèle emparticulée de Gide ; la triste histoire de Suzanne France, fille d’Anatole ; Barbusse et sa marraine (de guerre, bien entendu) ; etc.

Notes :

[1] Xavier de La Fournière, Lamartine, Paris, Perrin, 1990 (notamment pp. 249-256 et 284-311).

[2] Catalogue de la vente de la bibliothèque Philippe Zoummeroff et du château de Saint-Point Lamartin, Etude Piasa, Paris, Drouot, 20 avril 2005, pp. 73 à 82.

[3] Correspondance d’Alphonse de Lamartine (1830-1867), tome IV : 1842-1846, textes réunis, classés et annotés par Christian Croisille, Paris, éd. Champion, 2001.

[4] Etude Piasa, Bibliothèque Philippe Zoummeroff, Paris, Drouot, 28-29 avril 1999.

[5] Claude Schopp, introduction à Alexandre Dumas père, Lettres à mon fils, Paris, Mercure de France, 2008 (édition commentée des 200 courriers retrouvées de Dumas père à son fils).

[6] Lettres à un absent (Paris, Lemerre, 1871, EO, avec envoi : « A nos chers amis Paul & Cécile, Alphonse et Julia ») ; L’Evangéliste (Paris, Dentu, 1883, EO, avec envoi : « A notre chère tante Paul Navoit, Alphonse Daudet »).

[7] Sur les proches du poète, voir Raymond Lacroix, Théodore de Banville : une famille pour un poète – Biographie originale, historique et documentaire, Moulins, Imprimerie Potier, 1990.

MELANGES TIRES D’UNE PETITE BIBLIOTHEQUE (10) : SODOME ET GOMORRHE … AVÉ L’ASSEN, FATCHE DE CON !

SODOME ET GOMORRHE … AVÉ L’ASSEN, FATCHE DE CON !

Pécaïré, pas facile de passer l’hiver dans les brouillards et la neige… Alors pour se souvenir du ciel bleu azur et du chant des cigales, voici un brin de Provence couché sur papier, venu se blottir dans mes rayons il y a quelques mois : le tragique destin de Sodome et Gomorrhe, mais avé l’assen, sous la plume de Frédéric Mistral.

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A partir de 1878, Frédéric Mistral (1830-1914), grand promoteur de la langue provençale et occitane, Prix Nobel de littérature en 1904 (l’un des quatre seuls récipiendaires récompensés pour une œuvre en langue régionale), entreprit la traduction en vers occitans du livre de la Genèse, à partir de la Vulgate latine de saint Jérôme. Année après année, le plus souvent sous le pseudonyme de Guy de Mount-Pavon, un chapitre était révélé dans l’Armana Prouvençau (Almanach provençal), la grande revue du mouvement félibrige, paraissant en Avignon. En 1910, les 50 chapitres finirent par voir le jour dans une édition trilingue (occitan, latin, français), parue chez Honoré Champion et sous le vrai nom de l’auteur cette fois.

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C’est donc le manuscrit autographe (signé par exception « Frédéric Mistral », et non « Guy de Mount-Pavon ») du chapitre XIX de cette Genèse provençale qui est entré depuis peu sur mes rayons. Le plus gros du manuscrit autographe est conservé au CIRDOC (Centre inter-régional de développement de l’occitan) de la « Mediatèca Occitana » de Béziers (cote : Ms 400). Il est toutefois lacunaire de plusieurs chapitres (1-3, 9-10, 12-14, le présent 19, 21, 23 et 27-29) qui doivent être conservés dans d’autres institutions ou dans des collections privées. La même institution biterroise possède par ailleurs les épreuves corrigées des trente premiers chapitres.

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Présentant de nombreuses corrections et repentirs, le présent manuscrit est donc celui d’un moment « croustillant » de la Genèse : le chapitre XIX, autrement dit l’accueil par Loth des anges, le mauvais sort que l’on veut réserver à ceux-ci, la fuite du vertueux citadin et la destruction des villes de Sodome et Gomorrhe. Mais même dans ces moments terribles, la langue provençale fait couler sa douce musique apaisante : bon exemple quand un des anges enjoint Loth à fuir (verset 22) :

– français : « Hâte-toi de t’y sauver, car je ne puis rien faire que tu n’y sois arrivé ».

– provençal : « Zou ! sauvo-te-ié lèu : pèr-co-que poudrai rèn faire d’aqui-que ié fugues intra ».

J’adore ce « Zou ! » spontané et chaleureux, qui semble complètement décalé dans le noir et tragique récit de l’annihilation de deux cités entières par la colère divine. Cela me fait irrésistiblement penser à Desproges et à son sketch sur l’intérêt des « accents toniques » : « C’est magnifique, la langue provençale, il coule une telle tendresse dans ces mots, cela sent le thym, le romarin, la farigoule, le verbe d’antan ». Et de poursuivre en parlant de son médecin originaire du Midi et doté de cet accent chantant, une aide considérable au moment délicat des diagnostics : « Il me regarde, avec sa bonne trogne méridionale qui s’illumine, et il me dit : « Oh putaing ! C’èst leu kansser ! ». Pour revoir ce moment :

https://www.youtube.com/watch?v=fs7BuvejdUA

(à partir de 6 minutes).

Allez, « adessias » à tous !

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MELANGES TIRES D’UNE PETITE BIBLIOTHEQUE (8) : HUYSMANS ET STOCK DANS LE STRESS DES DERNIERES EPREUVES

HUYSMANS ET STOCK

DANS LE STRESS DES DERNIERES EPREUVES

David Spurr et moi sommes en train de porter les dernières corrections avant maquettage à notre Frankenstein, créé des ténèbres, le catalogue de l’exposition éponyme, à l’affiche à la Fondation Bodmer ce printemps. Le planning est tenu, la collaboration avec les Editions Gallimard est idyllique, mais nul doute qu’il y aura tout de même quelques petites sueurs de dernière minute durant les relectures d’épreuves ! Cette dernière ligne droite réserve presque toujours des surprises et occasionne des montées d’adrénaline avant que n’arrive l’instant libérateur : la réception du livre achevé.

 Et il en est ainsi, même pour les grands auteurs, depuis les débuts de l’imprimerie. Pour illustrer mon propos, voici le cas d’un roman de Huysmans, En Route, dont j’ai pu acquérir il y a quatre ans les épreuves finales, comportant à la fois les interventions de l’auteur et de son éditeur, avec des instructions au troisième larron : l’imprimeur. Le tout compose un dialogue à trois parfois cocasse, avec un but commun : que l’ouvrage sorte à temps et sans coquilles !!! Partons donc un instant vers cette fin de l’année 1894, il y a un peu plus de 120 ans…

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I. L’élaboration difficile d’un « roman blanc » : En Route

Quatre ans après son célèbre Là-Bas, « roman noir » d’une plongée dans le monde du satanisme, Huysmans avait voulu mettre à nouveau en scène son double littéraire, Durtal, mais cette fois dans un « roman blanc », récit d’une rédemption. Comme son créateur, Durtal allait vivre une crise mystique qui devait déboucher sur son retour dans le giron de l’Eglise catholique. L’histoire de ce double cheminement, à la fois littéraire et autobiographique, est donc au cœur du roman En Route, dont les épreuves successives (ici les troisièmes et dernières) témoignent, par leurs nombreuses corrections, des errements et des hésitations de l’auteur dans ce tournant de sa carrière. Explorant l’univers de la mystique chrétienne, le roman En Route, récit du lent et douloureux retour de Durtal (et de Huysmans) vers la foi catholique, connut une genèse tout aussi difficile, dès 1892 : « Je travaille avec dégoût – et j’ai de fortes envies de tout foutre au feu, car ça me paraît bien médiocre ce que j’écris pour l’instant ». Selon sa correspondance avec son éditeur Pierre-Victor Stock (1861-1943) (le seul éditeur de Huysmans depuis que Léon Bloy les avait rapprochés), le romancier aurait remis son manuscrit durant la seconde quinzaine de septembre 1894. Il passa ensuite son mois de décembre à corriger abondamment les épreuves[1], remaniant et précisant son texte jusque sur le troisième jeu, comme dans cette énumération très bibliophilique des lectures pieuses emportées par Durtal dans sa retraite (pp. 200-201).

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Pour Huysmans, la question épineuse avait été de trouver le ton juste, sans céder au mysticisme. Aussi avait-il tenté un « style gris », sec et sobre, bien en adéquation finalement avec son sujet. Les jeux d’épreuves corrigées témoignent des hésitations persistantes du romancier, ajustant sans trêve son texte par de subtiles et ténues modifications : dans ces troisièmes et ultimes épreuves, Huysmans éliminait ou au contraire introduisait quelques familiarités (« un mot cru dans une pensée délicate », disait-il à François Coppée), tout en veillant avec soin à supprimer tout terme sentant encore trop le registre dévot. Mais les termes mystiques demandent parfois d’être pesés à plusieurs reprises : sur cette p. 324, le « mariage céleste » disparaît, alors que « la Divinité » se voit remplacée par un plus déiste « céleste Infinité », encore transformé en un exalté « suradorable Infinité » (p. 324).

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 II. Le trio auteur / éditeur / imprimeur dans le stress du bouclage

 Ce jeu d’épreuves met aussi en lumière les relations entre Huysmans et son éditeur. En tête de chacun des premières pages des liasses, une note du romancier réclamait à Stock un ultime jeu de contrôle, avec réponse pour bonne forme de l’éditeur. Ces échanges laissent apparaître quelques tensions entre les deux hommes, par ailleurs amis. Huysmans réclama pour finir une présentation en feuilles et non plus en pages recto-verso. Demande acceptée, non sans une note lapidaire de Stock : « Pourquoi ne l’avoir pas fait de suite ? V. Stock » (p. 293). Et plus, suite à la même demande du romancier : « Pourquoi toujours les 3es ép. en pages ? Cela nous oblige à en reprendre une 4e V. Stock» (p. 307).

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L’étape finale de ces épreuves était l’atelier de l’imprimeur et ce va-et-vient continuel de corrections et de nouveaux tirages à relire, en s’éternisant, créait aussi quelques frictions avec le typographe. L’imprimeur dijonnais employé par Stock, Darantière, se trouva donc lui aussi pris à partie par Huysmans : « Darantière se fiche-t-il de nous, à la fin ? Voilà une semaine qu’il n’envoie plus d’épreuves » (lettre à P.-V. Stock du 5 décembre 1894). Stock lui-même se laissa aller à quelque humeur, dans une marge des épreuves retournées : « 16-1-95. Une nouvelle épreuve et veillez bien aux corrections qui sont faites en dépit du bon sens.Vous faites les corrections indiquées, mais vous laissez la moitié des mots supprimés. P.-V. Stock ».

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La plupart des corrections, notes, modifications et remarques indiquées sur ce dernier jeu seront finalement bien prises en compte pour l’édition imprimée (sortie en librairie le 23 février 1895, avec un tirage de tête de 12 Japon et 50 Hollande), mais on relève quelques intéressantes variantes demeurées inédites par rapport au texte final. Quant au sort ultérieur de ce mince jeu d’épreuves, j’ai pu le retracer de manière assez précise : conservé dans la bibliothèque du Dr. Lucien-Graux en compagnie des deux premiers jeux d’épreuves, il passa ensuite dans deux grandes collections consacrées aux auteurs français du XIXe siècle : celle de « Mme D. » et surtout celle du colonel Sicklès. Lors d’une vente ultérieure, le prof. Dominique Millet avait pu examiner ces épreuves et en donner une analyse détaillée dans son édition du roman parue en 1996.

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Description : Joris-Karl Huysmans (1848-1907), En Route, troisièmes épreuves corrigées, in-8°, [pp. 192-341 et 357-372], en plusieurs jeux d’épreuves reliés à la suite. Demi-reliure de maroquin noir à coins, dos lisse, titre doré, non rogné (René Aussourd). La pagination est continue pour les 5 premiers jeux (pp. 197 à 341), puis, après une lacune (?), reprise de la p. 357 à 372 en pages recto uniquement comme demandé par Huysmans.

Provenance : Dr. Lucien-Graux (1878-1944, médecin, bibliophile et résistant) (ex-libris doré sur maroquin noir ; cat. vente, 9e partie, Paris, 26 juin 1959, n° 130) ; Mme D. (vente « Poètes et romanciers – Editions originales et autographes », Paris, Drouot, 23-24 avril 1975, n° 174) ; colonel Daniel Sickles (1904-1989) (cat. vente, XVe partie, Paris, Drouot, 18-19 nov. 1993, n° 6436) ; [vente « Autographes et livres anciens et modernes », Drouot, 13 juin 1994, exp. J. Vidal-Mégret et D. Gomez] ; Librairie Walden (Hervé Valentin, Paris, 2011).

Bibliographie :

  • Joris-Karl Huysmans, En Route, éd. par Dominique Millet, Paris, Gallimard/Folio, 1996 (notamment pp. 562-567).
  • Marc Smeets, Huysmans, l’inchangé – Histoire d’une conversion, Amsterdam / New-York, Rodopi, 2003.
  • Notice sur le site de l’exposition Le Lecteur à l’œuvre (Fondation Martin Bodmer, 2013) : http://lelecteuraloeuvre.boocs.ch/main.php?id=1_9

[1] Reliées en maroquin bleu par Marius Michel, les premières et deuxièmes épreuves d’En Route avaient également appartenu à la collection Lucien-Graux (3e vente, 1956, n°17, 25’000 frs.). Je n’ai pas réussi à en retrouver une trace ultérieure en vente publique ou catalogue de libraire.

MELANGES TIRES D’UNE PETITE BIBLIOTHEQUE (6) : ALLER A LA POSTE, ALEAS POSTAUX

ALLER A LA POSTE, ALEAS POSTAUX

« Mais comment se fait-ce, je n’ai pas reçu votre dernier carton d’invitation ? Bon, il est vrai que j’ai changé d’adresse… Comment, vous ne le saviez pas ?  », « J’ai passé commande de votre beau catalogue il y a deux jours et je n’ai toujours rien reçu », « Alors figurez-vous que je me suis inscrit en ligne et que votre newsletter ne me parvient jamais, jamais, jamais ! Ah, la boîte à spams ? C’est quoi ? », etc.

Si nous pouvions obtenir un franc à chaque fois que ces phrases nous sont sorties, nul doute que la Fondation Bodmer pourrait acquérir, chaque année, un manuscrit médiéval ou au minimum un bel incunable. C’est sans aucun doute le lot de chaque institution muséale ou culturelle. Parfois c’est justifié, souvent c’est exagéré, et la numérisation des flux ne semble pas avoir changé grand-chose (qui dit « envoi en nombre » dit « arrivée dans les spams », mais allez expliquer cela…).

Pour se rassurer, il faut se dire que les plus grands acteurs de la culture se sont ainsi fait taper sur les doigts par le passé, les éditeurs en tout premier lieu. En voici deux petits exemples tirés de mes rayons, concernant :

1/ Léon Vanier (1847-1896), l’éditeur de Verlaine, mais aussi des plus grands poètes symbolistes et modernes (Rimbaud, Mallarmé, Laforgue, Moréas, etc.),

2/ son aîné Alphonse Lemerre (1838-1912), l’éditeur historique du mouvement parnassien (Gautier, Banville, Leconte de Lisle, Coppée, Heredia, le jeune Verlaine à ses débuts), mais aussi de grands romanciers du temps (Barbey d’Aurevilly, Daudet, Flaubert, Anatole France, Goncourt, etc.).

I.              Moréas vs. Vanier : un injuste agacement (1891)

Né à Athènes sous le nom (un peu compliqué) de Ioannis Papadiamantopoulos, le poète Jean Moréas (1856-1910) est le plus français des auteurs grecs. Fixé définitivement à Paris dès 1880, il se distingua comme créateur non pas d’un, mais de deux mouvements littéraires : le symbolisme (qui se démarqua en 1886 des écoles parnassienne et décadentiste), puis l’école romane (à partir de 1902).  Après deux recueils d’inspiration verlainienne (Les Syrtes et les Cantilènes, en 1884 et 1886), Moréas livra ses premiers poèmes purement symbolistes dans un volume intitulé Le Pèlerin passionné, publié par Vanier en 1891. C’est justement à propos de la diffusion de ce recueil qui Moréas, mécontent des expéditions, écrivit ce courrier énervé à son éditeur.

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« Samedi [25 janvier 1891]. Mon cher Vanier, Bertal-Graivil [journaliste et critique] que je rencontre me dit n’avoir pas reçu le Pèlerin. Je redoute d’autres cas pareils. Soyons sérieux, je vous prie. Votre Jean Moréas »

Comme toujours consciencieux dans le traitement de sa correspondance, Vanier a inscrit au crayon, au bas de la lettre : « Réclamation injustifiée, Bertal-Graivil ayant reçu son volume en son temps. V. ». Et pan sur le bec !

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II.           D’un malheur peut sortir un bien : exemple avec un Heredia (1893)

Le second exemple concerne également un poète d’origine étrangère : l’Hispano-cubain José-Maria de Heredia (1842-1905), l’un des papes du Parnasse, reçu à l’Académie en 1894. Paru l’année précédente aux éditions Lemerre, son unique recueil de poèmes, Les Trophées, contient 118 sonnets ciselés avec amour durant des années et qui demeurent l’un des hauts sommets de la poésie du XIXe siècle.  A la sortie de ce recueil, d’abord en format in-8°, puis peu après en format in-12, Heredia avait bien entendu fait envoyer quelques exemplaires d’auteur rehaussés d’envois amicaux (je garde en réserve quelques-uns d’entre eux pour un billet spécial Heredia). Parmi ces envois, effectués par la maison Lemerre, un volume était destiné au comte Maurice de Fleury (1860-1931), un médecin très proche des milieux littéraires et des poètes de son temps. Il faut dire que le bon docteur, élève de Charcot, était un spécialiste des maladies nerveuses et mentales… Autant être proche de ses potentiels clients ! J Auteur lui-même d’études sur le sommeil, l’insomnie, l’épuisement nerveux, mais aussi d’un recueil de contes et de biographies, il fut un ami proche de Zola (qu’il renseigna pour « Le Docteur Pascal ») et surtout de Huysmans.

Là intervint le problème. Dans la folie des emballages et des envois, l’exemplaire promis fut envoyé à un autre destinataire qui se manifesta auprès de l’auteur. Réagissant comme une chatte qui aurait perdu ses petits, Heredia écrivit alors au docteur de Fleury pour essayer de s’y retrouver, d’où la lettre en question, au ton un brin catastrophé :

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 « Mon cher Fleury, Avez-vous reçu les Trophées que je vous ai adressés il y a un mois ? Avez-vous l’ex. de Loti ? Loti m’écrit qu’il a le vôtre. Faut-il vous le faire renvoyer ? Quel gâchis ! Cordialement vôtre, JM de Heredia. Ce 20 avril [1893] ».

Heureusement, tout finit par rentrer dans l’ordre et Maurice de Fleury put récupérer son exemplaire, enrichi non seulement de l’envoi amical de Heredia, mais aussi d’un mot d’excuses du destinataire erroné : « Je demande pardon à Mr. Maurice de Fleury d’avoir coupé les pages de ce livre, Pierre Loti ». Nul doute que le docteur bibliophile se soit plutôt réjoui de l’aventure qui lui permettait d’obtenir un livre revêtu des autographes de deux des plus grands auteurs de son temps !

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Conclusion : les erreurs d’envoi peuvent aussi avoir du bon !

MELANGES TIRES D’UNE PETITE BIBLIOTHEQUE (4) : PETITS MOTS DOUX ENTRE POETES MAUDITS

PETITS MOTS DOUX ENTRE POETES MAUDITS

(VERLAINE ET VILLIERS DE L’ISLE-ADAM)

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Retour vers le XIXe siècle cette semaine avec l’une des trois seules lettres connues de Villiers de L’Isle-Adam (1838-1889) à son ami Verlaine (1844-1896).  Transcription : « Je ne te remercie pas, n’est ce pas. En vérité, je n’ai encore rien fait qui mérite ta noble et si fine et si charmante façon de parler de moi. Cinq volumes nouveaux paraissent d’ici deux mois, – tout mon stock de 10 ans de travail : j’en ai corrigé les cinquante deux milles lignes. – Mais laissons ces bêtises. Je t’embrasse de cœur, te souhaite et bien de cœur un peu de bon rétablissement et d’argent et te serre la main comme à un brave et bon ami. – Je suis trop ému pour t’en dire davantage en ce moment. Villiers L’Isle Adam ».

Les deux hommes ont fait connaissance vers 1867-1868, quand Verlaine proposa des vers à la « Revue des Lettres et des Arts » dont Villiers était rédacteur en chef. En mars 1883, Verlaine pense insérer une notice consacrée à Villiers dans son recueil des « Poètes maudits » et cherche à se procurer ses œuvres pour se documenter, mais le projet n’aboutira finalement que dans la seconde édition du livre, cinq ans plus tard. Toutefois, dès 1885, Verlaine décide de rédiger un portrait biblio-biographique, en même temps que celui de leur ami commun Mallarmé, pour la série des « Hommes d’aujourd’hui », petits fascicules illustrés publiés par son éditeur Vanier. N’ayant alors aucun contact direct avec l’objet de son étude, Verlaine demande à Mallarmé de lui procurer les livres de Villiers en sa possession et quelques renseignements, ce que fait son ami dans une célèbre lettre du 16 novembre 1885. Le 25 décembre suivant, Verlaine répond que son article est achevé, mais qu’il garde les livres confiés pour rédiger le chapitre consacré à Villiers dans la nouvelle édition des « Poètes maudits » (qui paraîtra finalement en 1888).

Le numéro « Villiers » des « Hommes d’aujourd’hui » (n° 258) paraît donc vers avril 1886, mais Verlaine avait communiqué son texte à Villiers dès la fin 1885, d’où cette lettre de chaleureux remerciements, annonçant la prochaine sortie de « cinq nouveaux volumes .. d’ici deux mois ». En effet, Villiers prévoyait encore, fin 1885-début 1886, de pouvoir publier, dans le courant de l’année, »L’Eve future », « Akëdysséril », « L’Amour suprême », « Tribulat Bonhommet » et « Äxel ». En fait, seuls les trois premiers parurent en 1886, les deux autres voyant le jour en 1887 et 1890 (posthume). En dépit de la grande amitié qui lia les deux hommes, on ne connaît que deux autres lettres de Villiers à Verlaine (l’une du 15 mai 1888, l’autre du 7 octobre 1888). Mais la qualité et la persistance de cette amitié ne font pas de doute. Dès 1885, Verlaine avait offrt son « Jadis et Naguère » avec un envoi « à Villiers de l’Isle Adam, bien affectueusement » (Collection Fischer, n° 61). En 1888, Verlaine donne une critique élogieuse des « Histoires insolites » de Villiers. L’année suivante, dans les mois précédant sa mort, Villiers fréquente toujours les « mercredis » de Verlaine et figure sur le célèbre dessin de ce dernier, « Une soirée chez Paul Verlaine ». Une fois son ami disparu, Verlaine devait lui dédier un sonnet funèbre dans son recueil « Dédicaces ».

L’histoire de cette lettre demeure marquée par l’amitié, comme le prouve son parcours ultérieur. Elle passa en effet entre les mains du diplomate et écrivain péruvien Ventura Garcia Calderon (1886-1959), qui l’offrit à son ami Max Daireaux (1883-1954), auteur et traducteur franco-argentin (il avait livré des traductions de deux livres de Garcia Calderon en 1925-1926). Pour le remercier d’un « pensum », il lui offrit « pour vous consoler » cette « lettre émouvante que je vous prie de garder en souvenir de moi » (voir la reproduction de ce courrier d’accompagnement dans les commentaires).

Description : une page in-12 oblong, s.l.n.d. [Paris, derniers jours de 1885 ou premiers jours de 1886].

Provenance : Paul Verlaine (1844-1896, poète) ; Librairie Matarasso (cat. 10, oct. 1936) ; Ventura Garcia Calderon (1886-1959, ambassadeur et célèbre écrivain péruvien, auteur de nombreux ouvrages et recueils en espagnol et en français, fils du président Francisco Garcia Calderon) (lettre dact. signée, s.l.nd., à en-tête « Ventura Garcia Calderon » adressée à « Max D. ») ; Max Daireaux (1883-1954, fameux écrivain franco-argentin, ami de Proust, traducteur de deux livres de Garcia Calderon en 1925-1926) (lettre) ; Librairie de l’Abbaye (cat. 338, déc. 2009, n° 110).

Bibliographie : « Correspondance générale de Villiers de L’Isle-Adam », éd. Jos. Bollery, P., Mercure de France, 1962, tome II, p. 132, n° 351 (publication partielle d’après la notice du cat. Matarasso) ; C. Galantaris, Coll. Fischer, n°61.

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MELANGES TIRES D’UNE PETITE BIBLIOTHEQUE (2) : LE « CONNETABLE DES LETTRES » FAIT SON SALON

LE « CONNETABLE DES LETTRES » FAIT SON SALON

MAS Barbey

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A priori, je n’aime guère les fragments de manuscrits, à moins que les passages en question aient valeur de maxime percutante et contiennent, en quelques lignes, tout un monde de significations ou d’intertextualités. Parfois aussi, avouons-le, l’auteur est du genre « coûteux » et l’on ne peut guère espérer en posséder plus de quelques lignes ! Le présent manuscrit autographe appartient aux deux catégories : on y voit le toujours très recherché Barbey d’Aurevilly citer quelques-uns de ses prestigieux devanciers. Et voir apparaître les noms de Molière, Beaumarchais ou Régnier sous la plume du « Connétable des lettres » et au-dessus de sa signature possède tout de même quelque chose de savaoureux !

Jules Barbey d’Aurevilly (1808-1889), l’auteur des fameuses « Diaboliques » (entre autres recueils ou romans-phares), n’a pas été surnommé « le Connétable des lettres » pour rien. Monarchiste méprisant les valeurs « petit-bourgeois » dominantes de son siècle, ce dandy aristocratique (il avait écrit un essai sur le « beau Brummell ») était en fait un fantasque subversif, adorant la transgression. Au-delà de son œuvre de romancier, il fut souvent amener à jouer les critiques. Je dis « jouer », car Barbey s’amusa à détourner les codes de cette profession guindée, adoptant un ton volontiers primesautier et léger, mis au service d’avis et de jugements souvent au vitriol. Ainsi, en 1872, le journal « Le Gaulois » lui demanda de rendre compte de l’annuel Salon de peinture de Paris par une série de vingt articles. Bien que n’étant en rien un critique d’art, Barbey releva le défi, en donnant toutefois un sous-titre provocant à sa chronique : « Un Ignorant au Salon ». Et de revendiquer d’emblée sa prétendue candeur : « Tenez ! au petit bonheur de mes impressions et de mon ignorance, et au hasard de la fourchette ! Pourvu que cette diable de fourchette ait des dents ! ».

 Le présent fragment provient du manuscrit autographe confié au journal pour impression : comme toujours, les protes ont découpé le manuscrit (vandales ! 🙂 ) en bandes numérotées au crayon gras bleu, afin de faciliter le travail du typographe. Il s’agit donc de la fin (page 3) du 4e article de la série « Salon de 1872 – Un Ignorant au salon ». Ce texte, comme les autres articles, furent plus tard repris dans le volume « Sensations d’art » (pp. 214-215, tome VII de la série « Les Œuvres et les Hommes », réunion des articles critiques de Barbey d’Aurevilly, parue en 1886). Il s’agit d’un article (élogieux) consacré à une œuvre du peintre et sculpteur Zacharie Astruc (1833-1907, ami de Manet et Monet, dont on retrouve les tableaux et sculptures au Louvre ou à Orsay) : une grande statue en bronze (« une grande page en relief » d’après Barbey) de Bazile, le ridicule maître de musique et entremetteur du Barbier de Séville, présentée sur un fond architectural mauresque.

Transcription du passage : « […] ce chapeau d’un calibre si menaçant, tout s’en vient par terre et s’écrase. D’un autre côté, l’homme et le monument ne sont pas en proportion l’un avec l’autre. Il faudrait à cette face d’Alhambra trois ogives de plus au-dessus de la tête de Bazile, et d’autant plus que la sculpture n’ayant pas et ne pouvant avoir la perspective d’un tableau, on n’arrive guères, dans un bas-relief, à la perspective que par la proportion de toutes choses et de leur harmonie. Mais, après tout, le point principal de la composition, ce n’est pas l’Alhambra : c’est Bazile, et M. Zacharie Astruc a rendu sculpturalement cette figure dont, au théâtre, les acteurs font une caricature sinistre, parce que l’art dramatique et la sculpture n’ont pas les mêmes manières de s’exprimer. Après le Bazile idéalisé, j’attends l’idéalisation du Tartuffe, plus difficile encore parce que le Tartuffe de Molière est bien plus profond, bien plus féroce, bien plus diaboliquement hypocrite que le calomniateur de Beaumarchais. Quand ce sera fait, que M. Astruc nous sculpte l’hypocrisie femme et nous donne la Macette de Régnier ! Il aura épuisé toutes les faces de l’hypocrisie, et sa trilogie sera complète. J. Barbey d’Aurevilly ».

dom Bazile